民间艺术的审美特性范文第1篇
乐观 宿命式 悲哀
美
正文
英国学者斯马特在其《悲剧》中说:“如果苦难落在一个生性懦弱的人的头上。他逆来顺受地接受了苦难,那就不是真正的悲剧。只有当他表现出坚毅和斗争的时候,才有真正的悲剧„„悲剧全在于对灾难的反抗„„即使他的努力不能成功,但在心中却总有一种反抗。”斯马特对悲剧的定义，间接地说明悲剧是具有一种独特的美感在。
老舍曾说过：“悲剧就是把美毁灭给人看。”很多人或许会疑惑，把美毁给人看后，那悲剧还有什么美感呢?但是啊，老舍所说的美指的是美好的美。悲剧最大的特点就是把美好的美更深一层次化，营造出凄美。当然了，凄美和凄惨是有质的差别的，凄美和凄惨都是悲的，但凄美的悲中能让我们体会到美，那种美，让我们感动，让我们对人生有新体会;而凄惨也是悲，但我们在悲中会怀疑人性，怀疑世界。
以上这么多都充分地证明了悲剧有其独特的审美特征。
我们生活中有很多充满了喜剧，但悲剧也是存在的。张爱玲的人生或许算一种悲剧吧，年幼时的家道衰败，少女时的情感挫折，中年的被迫离乡还有晚年的孤独与寂寞，最后病死在异国。提起张爱玲，很多人会崇拜，但更对的惋惜和哀叹了吧，如天才般的女人，就只能这样吗。然而，有人评论过张爱玲说，我从未想过世间居然有这种女人，天才如她，才华如她，豁达，宽容如她，她宿命式的悲哀，她生命的凄美，让世间所有的男人都不足与之并肩。 或许这个人有着强烈的主观评价在其中，但是张爱玲的悲剧人生，宿命式的悲哀让我们对她印象更为深刻，更加着迷与她的小说，因为小说就像她人的写照。《半生缘》，《沈香屑》，《小团圆》风靡全球，悲剧，但我们喜欢，就是那种悲，让我们感动，让我们体会崇高的爱情与坎坷的命运，悲剧的美如罂粟花那般，让人心痛，但心甘情愿的痛下去。
《红楼梦》，大家应该众所周知的。红楼梦里的爱情故事还真是数不胜数。首先力推的，就是宝黛的红粉痴恋。在红楼梦里要数这两个人的爱情最纯洁了。从两小无猜，青梅出马，到长大后的坠入爱河。曹公简直就是顺水推舟，让读者感到，世间又一份千古流芳的爱情故事诞生了。它的出现是那么的自然，几乎没有人怀疑过，它的出现是那么纯洁，纤尘不染 。但是生不逢时的爱情就是痛苦的代名词。黛玉性格里独有的叛逆和孤僻，以及对世俗的不屑一顾，令她处处显得特立独行，卓尔不群。花前痴读西厢，毫无避讳;不喜巧言令色，言随心至;崇尚真情真意，淡泊名利„„种种这般，都使得她象一朵幽然独放的荷花，始终执著着自己的那份清纯，质本洁来还洁去，一如碧玉般盈澈。用一个普通人的眼光看她，最欣赏的还是黛玉的诗情画意，灵秀慧黠。黛玉每每与姐妹们饮酒赏花吟诗作对，总是才气逼人，艺压群芳。无论是少年听雨歌楼上的诗情，清寒入骨我欲仙的画意;还是草木黄落雁南归的凄凉，花气温柔能解语的幽情;无不体现出她娟雅脱俗的诗人气质。最叹息的是黛玉的多愁善感，红颜薄命。黛玉的身世，注定了她的孤独无依，而她的性格，又注定了她的寥落忧伤。纵使大观园里人来人往好不热闹，可是这里没有她可以依靠的亲人，没有她可以倾诉的知己，只有风流多情的宝玉让她芳心暗许，却又总是患得患失。于是她无奈着 “天尽头，何处有香丘”，悲哀着“三月香巢已垒成，梁间燕子套无情”，伤感着“花谢花飞飞满天，红消香断有谁怜”，终落得“一缕香魂随风散，三更不曾入梦来”的凄凉结局。
还有要说的就是薛宝钗的爱情悲剧了。看到黛玉的郁郁而终,依然那么难过。可待到读完,听甄世隐说着什么"兰桂齐芳"我不由黯然。薛宝钗这样的人物,也要像李纨一样,将一生都葬在这片冷酷的园子里么?面对一个根本不爱自己的男人，管他什么金玉良缘，她所需要的到底是什么呢?其实根本不用问就知道，是包二奶奶的宝座。可是我又不禁反问，难道世上真的有喜欢孤独的女人?我一直都觉得她是一个既冷酷又自私的人。可是现在,我竟然不由不同情她了。其实细想起来,她的悲剧也许比林黛玉的更令人叹惋。她最需要的不是什么爱情的灌溉，而是自由! 薛宝钗家境富足,从小饱读诗书。接受的是极为全面而正统的教育。贾母总是夸她"沉静宽厚"。没错,这正是她从小被教育过的为人方式,也是古代女子应有的美德。甚至悲喜都不应形于颜色,否则就是"不尊重。"综观全书她的举止,几乎从未超出这些束缚。只有一次宝玉将她比做杨妃令她大怒,可也只是冷冷的用一句话反讽过去。其实她才是最可悲的人,一生都被别人的看法和所受的教育支配着。从来都不知道自己想要的是什么,没有开心也没有不开心,只是按照理所当然的道路走下去。从未得到过全心全意的爱情,更不敢勇敢地追求爱情。也没有谁真正的关心过她。而她,也就认为世界本就如此.认为夫妻间有的不是真诚的感情而是"举案齐眉"的尊重。这样冷酷的纲常,竟是她遵守了一生的原则,而且还毫无知觉的麻木着。
两个都是足够有才华的女子，都有着一种宿命式悲剧的美，我们惋惜，心痛。一千年后，我们依旧记得和迷恋着红楼梦，它是悲剧，它有着让人撕心裂肺的痛。但它美，心痛的美，悲剧的美。
普希金说过：“高尚的喜剧往往是接近于悲剧。”卓别林也说：“我从伟大的人类悲剧出发，创造了自己的喜剧体系。”悲剧才产生喜剧，悲剧的最美体现在悲剧产生乐观的情绪。
【文献】：
民间艺术的审美特性范文第2篇
一
绘画以色彩、线条、形状作为艺术传达的媒介，在二维的平面上，感性具体地展现广阔的社会生活图影。绘画艺术一方面偏重客观，偏重对于对象的客观再现;一方面又突出了艺术家的主体表现，这两者使绘画更为个性化了。色彩、线条、形状往往既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式，它们都是线与面在二维空间中的展开，这与偏于客观的认识在空间中展开的本质有某种内在联系(正如声音在时间中流转与情感在时间中运动有着内在的联系一样)。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。
绘画的艺术形象展现在二维的平面之中，这使它作为一种独特的艺术类别或形态，具有了自己的存在价值和相异于其它艺术类型的审美特征。绘画之在二维平面中建构的艺术传达手段，一方面决定了它以艺术家自身存在的主体性为基本原则，另一方面也为充分运用艺术材料(媒介)如色彩、线条、形状等等提供了更广阔的场所，因而在客观地反映对象方面有了更大的可能性。单就色彩而论，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的不同，深浅浓淡的极细微的差别，便可把主体方面的情绪——情感、精神——心理状态，与外界各种各样的事物接触时心中引起的特别兴趣，情感都渲染出来。同时，绘画可以反映社会生活的极其丰富多彩的内容，它可以容纳自然的天地造化，人工的精巧创造，也可容纳面目各异的人物，社会生活的方方面面;它不但能够描绘各色人物的容貌神态，而且能够表现人物在复杂社会环境中的内在心灵冲突和情感色彩。绘画大大扩展了客观的主体性艺术反映社会生活的能力和范围，其题材的广阔性造成了其样式的多样性，除了人物肖像画外，风景画、静物画、人物情节画等也占有不小的比重。其艺术传达手段的特殊性与多样性，也造成了其体裁的多样性，如绘画之分为油画、水彩、素描、中国画等等。浮雕、木刻可以说是从雕塑到绘画的过渡，是联系两种艺术形态的中介和桥梁。
绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。如莱辛所说“作品不仅仅让人看一下，还要让人考虑，让人长期地反复观赏„„;让想象自由活动才是最有意义和效果的，我们愈看下去，就愈能在里面想出更多的东西来。”(L《拉奥孔》第三章)绘画在二维平面上去再现与反映生活，不但追求视觉上的逼真性、精确性，还力图借助视觉形象的描绘，表现人类主体的精神风貌与心灵情感。为了使绘画形象摆脱对客观事物外貌的单纯机械的摹拟，它必须以形写神、状物表意，表现渗透进主体审美理想的内在审美意象。画家之所以称之为艺术家而不是生理挂图的绘制者，就在于它不但写形，而且传神，不但组合线条，而且寓于情思，不但建构形体，而且融于意蕴。
绘画等造型艺术在艺术传达中所凭借的物质材料，较之其他艺术形态有着特殊的作用。物质材料在形象造型中作为媒介工具的同时，其本身所固有的特性将直接构成艺术形象的感性形式，成为艺术欣赏中直观因素的一个重要组成部分。所以，青铜、大理石、花岗岩、黄杨木、象牙等往往因其物质特性的不同，而适宜于塑造不同性格和类型的艺术形象。绘画是视觉的艺术，是光的艺术，其艺术形象的建构又是在二维的平面之中，所以它所凭借的物质材料的特质，便以独特的方式构成发挥主体实践活动的物质基础，艺术传达媒介的色调(色调体现为色块的组合与线和形状的组合)，具有相对独立的审美价值。
二
如果说雕塑艺术更偏重展示人的本质的普遍性、概括性、理想性，那么绘画艺术则更偏重刻划与展示人的本质的特殊性、个性、现实性。雕塑的客观性、物质实体性强，而绘画的主观性、精神自由性强。黑格尔曾说“绘画的基本原则在于内在的主体性”，其见地是颇为深刻的。
那种认为绘画与雕塑只是艺术表现形式不同，而其选取的题材、表现的内容是一致的说法，恐怕不符合实际。绘画的取材范围极其广泛，表现的内容也极为丰富，人物及其社会生活的诸多方面，自然界的飞禽走兽，林木花草等，即人的社会生活内容和人化的自然界，在绘画艺术中都可以得到远比雕塑要更为直接和具体的反映。雕塑因其运用物质材料在三维空间中的实体造型来反映社会生活与表现主体审美情感的特殊性，所以它一般不对融合丰富意蕴的人物活动的具体环境做较为直接地描绘。特别是在肖像雕塑中，人与人之间的各种复杂关系，往往只能间接地或曲折地体现于构成关系之一方的人物的动作、姿态、神情上，而人物活动的关系“场”则不可能直接呈现出来。由于绘画通过色彩、线条、形状来反映客观事物，表现主体内在审美意象，它虽然没有雕塑艺术之三维空间的实体性，但绘画中的形体建构比雕塑更能自由地支配色彩、线条与形体，所以在某些方面可以造成远比雕塑更近似外貌和切近内在审美意象的艺术效果，引起观赏者如临其景(境)的感受。特别是它能近乎直接地呈现人们活动的关系“场”。与雕塑舍弃不必要的外貌细节不同，它要求以异常具体的、个性化的生活场景，创造某种情感的氛围和精神——心理“场”，表现艺术家的审美理想与情感。绘画尽管要求细节的具体、个性化，但这并不是说模仿与再现某一具体个性形象就是绘画艺术的主要任务。肖似客观对象的画面，实际上是经由艺术家主观心灵折射了的，它融入了深沉的精神意蕴。二维平面性，使绘画不可能在实际上真切地再现人物的活动及其具体背景，而只能以切近现实生活画面的视觉效果，呈现社会生活中的矛盾和人物的内心冲突以及作为背景的关系“场”，呈现艺术家以情观物所见的世界或凝聚着艺术家审美理想的心灵画面。因此，在实践——精神地把握世界的整个艺术家族所形成的序列中，较之雕塑，绘画是更偏向精神的，是更偏于表现内在主体性的。
对绘画和雕塑中艺术形象的观赏，都与视觉对艺术作品之形体建构的直接具体感受密切联系。观赏者通过对艺术形象的审美观照，迅速联想到艺术品未曾直接展示在人们面前的那些侧面，靠心理的内部建构形成一心理完形，从而产生精神与情感的愉悦。但雕塑作为三维空间中的实体建构，观赏者可以变换角度从中获取多侧面的艺术感受，其心灵中建构的完形一般多接近于本身是立体的艺术品。而绘画中的形象呈现于二维平面中，观赏者变换角度观赏也只能取得平面视觉感受，心灵中完形的建构更需要充分发挥自由的联想与想象，它可以比较接近艺术品，却与艺术家的内在审美意象常常存在较大的距离。同时，雕塑只能凭借艺术形象产生的动势引导观赏者的想象，它给观赏者的自由想象留下了广阔的天地，虽有较确定的导向，但毕竟又较朦胧;而绘画则因其内在的主体性，使人们可以对艺术家的内在审美意象进行较为自由的体验，在较明晰的方向引导下，具体地想象艺术家的内在审美意象。
绘画与作为语言艺术的文学(特别是强调反映再现现实的文学)，都强调内在主体性的原则，但两者也有明显的区别。
绘画艺术受艺术传达中形体建构的客观局限，不便于象文学作品那样反映更丰富的社会生活内容，更自由地表现艺术家内在的审美感受、审美意象与审美理想。尽管东西方的艺术家们都曾追求诗与画结合的艺术境界，将诗中有画、画中有诗作为艺术品中的上乘之作，特别是中国古代，某些风景画与风景诗描绘的画面与融会的意蕴是相似的。马远的绘画作品《寒江独钓》和柳宗元的诗作《渔翁》所创造的艺术美就颇有“异曲同工”之妙，画力图追求诗表现主体情感的那种韵味，诗力图追求描绘画所展示的那种画面。但是，绘画毕竟是绘画，文学又毕竟是文学，它们是艺术家族中地两个分支。文学是借助语言这种艺术媒介，呈现与艺术家内在审美意象有机联系在一起的社会生活画面。它既可以集中笔墨描写社会生活中的某一场面甚至某一细节，更能够通过对场面、细节乃至更宽广画面的描写体现流动的社会生活画面。而绘画则只能描绘其中的一个或几个画面，虽然这个画面是艺术家选定的最富有孕育性的那一顷刻，但它毕竟是一个有限的画面。同时，文学对社会生活画面的描绘，是通过语言这种抽象形式实现的，具体的东西说不出，说出的都是词，词是一般，是高度抽象的概括，所以它不能象绘画那样以具体可感的形象直接作用于人的感官。单就具体可感性而言，绘画远远胜于文学艺术。可见，两者各有特征，各有短长，艺术家可以借此表现审美情感的不同侧面，观赏者亦可从中得到不同的审美感受。
三
在东西方绘画艺术中有相通的东西，但因东西方各自的文化历史传统不同，在长期的社会和艺术实践中所形成的审美心理结构不同，所以形成了各自鲜明的特色。 首先，西方绘画偏重写实、求真，偏重表现主体以客观的态度感受社会生活所形成的审美意象;中国绘画则偏重表情、写意，沿着内在主体性的方向，偏重表现融于主体审美理想的审美意象。
在西方文化传统中，希腊艺术是古代不可企及的典范，而在古希腊造型艺术中，最高的成就似乎是雕塑与建筑。西方古人以健康发展的人类童年那种天真幼稚又乐观自信的心态去面对社会，面对人生，面对世界，一方面视宇宙的基本结构是和谐、秩序、比例、平衡，并把它作为形式美的最高理想，构成主体内在的审美意象与在艺术传达中所形成的艺术形象的基础;另一方面又积极向外进取，崇拜寄身于其中的自然，在艺术传达中往往以对自然的真实模仿作为主体把握现实美的最高理想。二者交汇于具体的艺术实践活动中，使艺术的“自然摹仿”(作为内在主体性的内容)与和谐、秩序、比例、平衡的形式(作为内在主体性表现的形式)融为一体，形成了西方古代艺术鲜明的特点。与此相联系，重视对客观事物形体状貌的描绘，偏重客观的精神——心理建构和艺术传达中物质媒介的建构，也就成了西方古代艺术家们比较一致的审美理想。
绘画艺术中这种写实、求真、讲究形似的艺术特色，这种内在主体性表现的方式，早在希腊的壁画中已见端倪。庞培古城遗址挖掘出来的壁画，就仿佛移三维空间中实体建构的雕象于画面之上。据说著名画家宙可西斯画海伦后，是把现实生活中众多 美女的形体特点集于一身，可见其精神——心理中内在审美意象的建构，既渗透了主体的审美理想，又偏于客观。这种文化与艺术传统一直影响到西方近代。文艺复兴时期的艺术家们，在创造中显然突出了清醒的主体意识，但也明显地继承了古代崇拜自然与陶醉于现实的传统，进一步以形似作为绘画的基本原则。达·芬奇认为，圆描(立体雕塑式的描绘法)是绘画的主体与灵魂。当然，西方绘画的审美理想，也并非只强调外形的逼真而否定对客体精神风貌的描绘和对画家审美情感的表现，而是强调以形似的刻划作为前提，在偏于客观的基础上，把客体对象的形似神似与画家的情感表现有机统一起来。西方近代某些绘画作品几乎把这种写实求真的传统推向了极端。恐怕也正是由于此种原因，才必然出现了作为它的对立物的另一极端，运用色彩与线条对艺术家主体的某种审美情感进行抽象的、象征的表现。
在中国古代，宗法式的社会伦理观念，对人们精神——心理的建构产生了极其深刻的影响。勤劳勇敢的中国古人，曾以不屈不挠的顽强毅力向外部自然界探寻求索，但这种探索是在不断向内寻求，自觉修身养性，省视自己的精神——心理状态下进行的。因此，中国古代的审美——艺术传统，偏重于展示人的内在精神世界，重神韵，讲诗境，求含蕴，借景抒情，情景交融，化景物为情思，主体的内在情感体现得极为鲜明。中国古代雕塑重在实体性建构物中的自由变化和线条的自由流动所产生的那种韵味，并不过分强调立体感、强调肖似客体对象，而强调贴近主观的审美态度。与此种审美——艺术趣味颇为近似，中国古代绘画的发展由以形传神、形神兼备演化为不求形似、传神写心。就绘画反映的对象而言，它以突出神韵为艺术的旨趣;在主客体之间的关系上，它以突出主体的情感意趣为艺术的旨趣。相传晋朝的大画家顾恺之为裴楷画像，基本上照实描绘之后，觉得神气不足，便又在其颊上加了三根毛，于是神情毕现，风采顿时豁亮于画面之上。他故意违背客观的原则于其颊上加了三根毛，追求的正是神韵。宋元之后画家从突出客体的神似又前进了一步，使绘画艺术内在主体性的原则更为鲜明，日渐专求表现意趣，力图使观赏者透过画面形象产生自由联想与想象，从视觉可见的有形画面中去领略画外之旨。总之，中国古代绘画以自由表现画家内在审美意象作为追求的首要目标。“骨法用笔”较之“气韵生动”要居其次，再其次才能谈及“应物象形”，“随类赋采”，以及与之相关的和谐、秩序、比例、匀称等等。这种审美——艺术传统所体现的审美理想情调，与西方绘画显然大异其趣，足以见出其鲜明的民族特色。
其次，在平面图形的建构上，西方绘画偏重焦点透视，中国绘画多偏重散点透视。
西方绘画因其突出内在主体性中的客观因素，偏重反映客体对象形态状貌的逼真，因而一般多接近具体感受中的物理学、几何学、光学等基本原理，在画幅中呈现近乎客观外界的由近至远的实景。这种透视方法颇接近于近代的摄影，立体感与真实感极强，人们在观赏画幅时，颇似透过方框似的窗口观照到了自然界中远近排列着的景物。这种焦点透视方法，由于强化审美主体精神——心理建构中理智的因素，它有助于较客观地反映主体心目中的客观世界，因而多为求真意识强的西方画家所崇尚，并形成了西方绘画中贴近反映对象的传统。 中国绘画则旨在表现内在主体性的内容，表现画家的内在审美意象，所以，它一般多不讲固定的视点，而是讲散点透视，视点是一个活的视点，它可以自由地上下、左右、前后移动。宋代郭熙提出的所谓“三远法”，可以看出这种透视方法的系统与理论说明。他指出，照“三远”之中的所谓“深远”，从山前可以看到山后;所谓“平远”，可以从近山看到远山;所谓“高远”，可以从山脚看到山顶。因此，若按此种散点透视法构图，就可以把不同空间、不同时间的人物景色全罗致画面之中，这就使画象内在主体性的因素得到了较为充分的体现，使所谓偏于再现的艺术中表现的手段也大大丰富了。中国绘画并非不讲空间效果的艺术，只是它追求的是心灵的空间，是心灵空间建构的真实性。较之西方绘画之传统的焦点透视法，这种移动的散点透视法，更鲜明的呈现了绘画艺术的主观性、精神性原则，使绘画这种客观的主体性艺术，主体之精神心理自由创造的本质得到了较充分的体现。当然，这是中国绘画的长处，另一方面，它在二维平面的造型中过多体现主体的情感意趣，却淡化了艺术形象贴近客观的视觉效果，往往造成艺术欣赏中的困难。倘若观赏者受着实践经验或艺术素养的局限，不能自由地跟踪画家视点的移动，那么，作品中所表现的画家在内在审美意象，就不可能变成观赏者审美——艺术感受中浮想联翩、生气贯注地自由想象，自然也就难于领悟画家所表现的意蕴与画外之旨了。 再次，在平面造型的手段上，西方传统绘画因追求逼真肖似的视觉效果，偏于讲究色彩的团块造型，中国绘画因追求抒情写意的表现效果，偏于舒展线条的自由建构组合。
西方传统绘画偏于客观求真，所以它很讲究色彩的团块造型，相对说来一般不太重视线条。绘画中着重刻划人物外表之凹凸阴暗，从团、块、面、光、质感入手去描绘物象，努力反映在某一特定的时间、地点和光照下，从某一特定的焦点透视所得到的客观物象，通过对暗部、反光、投影等色彩光感的描绘，使在二维平面中展现的画面，具有较鲜明的体积感、空间感、质感，使物象犹如浮雕一样呈现在人们面前。由此种审美观念所决定，色彩的处理必然处于头等重要的地位。画家以不同比例的色彩搭配，描绘不同的物象并借以抒发主体内心偏于客观的感受，从西方古代到近代几乎都是如此。
中国绘画特别是古代绘画，偏于在类似客观再现的形式中去表现主体的审美情趣，所以它是偏重于运用线条的组合在二维平面中造型的艺术，就是人物肖像画也是偏于靠线条的组合去传达某种神韵，纵算填色的画也是先勾线而后眷色，以线条为主，以色彩为辅。中国画虽属于客观的主体性艺术，但其主旨在于传神写心，抒发画家的胸中逸气，因此，它并不注重形式的逼真效果，而擅长以抽象的线条即有意味的形式表现主体的情感和意境。画家运用精湛的勾线技巧描绘物象，传拟摹写，使每个物象都是一组线条的舒展流动交织，虽不足以显示凹凸立体的形象，却飞动摇曳，生机贯注，气韵生动，富有节奏感，旋律感。这使它与书法在审美特征上颇多相似之处。也与音乐和抒情诗在审美特征上有某些近似。音乐和抒情诗都是主观的客体性艺术，旨在表现主体内在情感活动的旋律，前者艺术传达过程中主体内在审美意象外化或物化借助的是声响，后者借助的是语言(诗之语言建构的音乐美也是极为重要的)。中国画之线条的流动难道不可以视为主体内在审美情感旋律的外化或物化吗?当然，中国绘画毕竟以二维平面的建构为主要特征，它并非绝对不讲色彩，所谓写意画便是以黑当彩的。齐白石的虾是黑色的，但我们似乎觉得它有透明感;徐悲鸿画的马是黑色的，但我们感觉到的也似乎并非一定是黑色马，有时浮现在眼前的是白马、青马或枣红马。
当然，对于绘画来说，绝对不能以偏于色彩的团块造型还是偏于线条的自由舒展来评判它的优劣，即不能用东西方绘画中的任何一种作为标准去要求另外一种。色彩和线条作为绘画中艺术传达的手段各有千秋，它们在或偏于西画系统、或偏于中国画系统的自由结合中，将会使绘画步入新的艺术境界。总之，东西方绘画艺术虽各有自己的理想与趣味，各有自己艺术传达中物质媒介建构的形式，但都曾取得了辉煌的艺术成就。倘若两者相互借鉴，相互融合，取长补短，又不舍弃各自的审美特征，就一定会在各自精神——文化积淀和审美心理习惯的基础上，产生世界范围内具有普遍审美价值的、一流水平的绘画作品。
四 绘画在其历史的发展与演变中。逐步把对事物外在形象或者形态的模仿描绘，转化为对主体审美情感与意蕴的表现，它的对象逐渐由客观外在的事物转化为审美主体内在的审美意象。
中国绘画由于受着偏于主体性表现美学——艺术倾向的影响，几乎一贯以画中有诗，诗画结合，形神兼备，气韵生动作为艺术追求的目标。形与神这对矛盾范畴对立统一的历史发展，决定了中国绘画艺术的主要美学倾向。
就其发展的历史特点而论，中国画中唐之前偏重以形写神，形神兼备，在形似中求神似，偏重具象的表现，比较注重写实，通过贴近客观外在事物的所谓写实，达于内在主体性的情感，或者借描绘客观外在事物的形态状貌写其神，或者寓主体审美情感于客观外物(人物、景物)形体的描绘中，以景结情、情在景中。
晚唐以后，中国绘画之总的倾向逐渐转化为轻形而重神，追求于神似中见形似，逐渐从写神到写心，从偏于客观到偏于主观，直抒胸臆，以景抒情。此时，绘画理论中的所谓神，已由客观对象的内在精神气韵慢慢演化为画家主体的情意趣味。自五代起，水墨画日渐将黑色当作主色，它只是将真实的形象以似与不似的方式勾勒与暗示出来，对真实色彩的摹仿愈来愈不受重视了，已不再追求所谓“随类赋彩”，而逐渐讲究淡施色彩或不施色彩，这即所谓“唐重丹青”。色彩观念淡薄使绘画的所谓摹仿再现功能明显减退，却为主体审美情感的表现开拓了更广阔的天地。此后中国画逐渐强调线条的表情功能，使之成为了线条及其自由组合的艺术。宋代画家虽就其总的倾向而言已明显偏于写意，但宋代的画基本上还是形神兼备的。人物肖像画是从“曲尽形神”之妙的追求，经由“白描”中融入表现的意蕴，发展到表意的因素日益突出。山水梅竹画作为文人士大夫画，也是由师法造化，意境壮阔，发展到力图把体现于诗词的审美——艺术理想融入绘画。创造了作为中国古代艺术奇观的山水梅竹画，直到元代，中国画方“水墨淋漓”，从而典型的写意画似至此才达成熟。
自明中叶后，绘画与诗文创作相配合，在深化的嬗变中逐渐形成了一种颇似近代浪漫主义和近代现实主义的美学——艺术一 思潮。徐谓认为，画竹难画风竹哭，追求黑色淋漓、不求形似的艺术表现。李贽主张，画不徒写形。八大山人可以说是在绘画实践中以怪诞的形式离形写心，泻泄主体情感的。石涛强调更使画中有我，要求画家显示自己之面目，发自己之肺腑。郑板桥亦推崇无古至今之画，宣扬“我有胸中十万竿，一时飞作淋漓墨;为凤为龙上九天，染遍云霞看新绿。”(见《郑板桥集》补遗)如此前后相继，形成了一种强大的美学——艺术——绘画思潮。作为它的一种必然的补充，明末清初后，也曾出现了一种颇似近代现实主义的艺术——绘画思潮。方薰等崇尚形似，认为要达于神似须以形似为基础。晁以道也认为，画写物外形，要于形不改。邹一桂甚至尖锐指出，未有形不似反传其神者。控浪漫主义的思潮，绘画沿着突出内在主体性的方向，开始走向强调表现画家的个性自我的一个新阶段。
中国古代绘画，由以形写神，形神兼备，至神似中见形似，以至不求形似，其间经历了漫长的历史过程，但由于受着中国古代偏于和谐的精神——心理模式与审美——艺术定势的影响，绘画艺术一直没有冲决古代和谐美的历史范畴，即使到了近代，中国绘画似也并无西方近代那种典型的现实主义或浪漫主义作品，只是到了现代，由于对审美——艺术中认识理智因素的偏重，或对于美好理想的追求，才出现了类似现实主义或者浪漫主义的作品。就是这种作品中，也寄寓了西方近代绘画中不曾具有的和谐美的理想。也就是说它受了现代审美理想的影响，又与传统的审美——艺术习惯的文化心理积淀不无关系，因此中国绘画艺术仍然保持着自己的浓厚的民族特色。
西方古代绘画，遵循是表现再现化的原则，此种偏于反映客体对象的美学思潮，给予整个西方古代以至近代审美——艺术以强有力的影响。也正是此种原因，西方古代绘画一般重焦点透视，重色彩与逼真效果。当然，由于受和谐美理想的影响，这种偏于对客体对象的反映并没有被绝对化。西方古代绘画在早期往往是偏于象征的，物质压倒精神，理念被勉强地纳入具体事物的感性形象里。随着自身的发展和成熟，其物质的建构造型和精神——心理的建构逐渐和谐统一，理念作为主体精神较完满地融于个体的存在中。但这种和谐统一，还只是限于古朴的单纯和静穆，只是杂多的朴素统一。
西方绘画艺术发展到近现代，冲破了古代和谐美的模式和心理定势，把不和谐、不平衡、不对称、甚至形式丑等因素引进了绘画领域。这使其呈现出逐渐以突出个性原则为基本出发点的总体发展倾向。这种倾向又表现为两个不同的方面：一是尽力描绘主体对个别感性事物偶然形态的印象;一是根据画家的主观理想与原望打碎与外在事物的客观必然联系，描绘由主体心灵重建的“自然事物”。在西方近现代绘画艺术中，精神超溢于物质，它的自主的精神性内容所要求的表现形式，已远远超过了用客观性事物的个体形态状貌所能提供的形式。正是这种矛盾，给近代西方绘画内容与形式带来了一种新的分裂。
在西方近、现代绘画发展的前期，偏重于主体对客体对象的印象，其色彩的使用，线条的组合等等，都要求尽力逼肖具体感性事物的存在形态。尔后兴起的浪漫主义艺术思潮，则越来越偏重于借助色团线条的构形去直接表现主体的情感。这在十九世纪六十年代以后，发展成为印象主义的主观性再现。印象主义绘画，极力反对传统绘画艺术那种观察事物的方式，不主张再现事物的全貌，也不关心是否忠实于客体对象，而是主张描绘主体对客观世界之某一顷刻的印象。在印象派绘画发展到最高峰时，有人还仅仅以彩点作画，在这种画面里明晰的线条全然不见了，远远看上去，画面上不同的彩点似乎在闪烁颤动着，就是在这种闪烁彩点的调合交织中，构成一种富有动态的印象，它给予人的感受亦在似与不似之间，它突出的是主体的印象的真，而不是客观实体形象的真。
从印象派发展而来的西方现代派绘画由具体表现主义逐渐发展到抽象表现主义，主张纯粹色、点、线组合的抽象形式，把媒介的组合仅仅看成是一种主体内在情感的表现，从有意味的形式发展为完全为表现而表现的形式。表面上它看起来近乎中国古代的绘画，其实在审美——艺术理想上它们是大异其趣的。中国古代绘画偏重创造一种和谐的意境，而西方现代派绘画所展示的却是主体单一的情绪——情感，是骚动不安的主体在以情观物中所产生的意象的迭影。这种过分夸大了主体表现因素的客观主体性艺术，是一种相对于理性秩序而存在的自由形式。本世纪初的某些现代派画家，坚决反对印象派绘画那种使物体体块消溶在色彩中的视觉效果，提出要彻底解决绘画中有关体积再现的问题。在他们看来，绘画既要表现主体内在的情感生活，就不能再利用现实世界的时空，因为这种固定、清晰、条理的现有时空，完全限制、窒息甚至扼杀了生命的表现。如果说现代派绘画一开始所讲的再现表现化，还仅仅是对现有事物的变形，那么后来则逐渐演变为抛弃现实感性事物的形态状貌，只以抽象的形式表现。
应该说，西方现代派绘画完全根据画家主体的内在情趣与意象，使二维的画面抽象为带有很大随意性的点、线、面以及色块等形式因素，确实使主体内在情感与意象的表现进入了十分自由的天地。但它对于观赏者说来，画面艺术形象所蕴含的内容却变得十分难于确定与把握。这种现代派绘画未来将向着哪个方面发展?
民间艺术的审美特性范文第3篇
一、数字媒体艺术的融合性
通过数字媒体创造出来的艺术作品其实与生活实际有很大的关联性的, 因为其创造的思维是来源于生活, 但作品呈现状态是高于生活的。另外, 数字媒体艺术的融合性还体现在数字媒体与其他艺术形式的融合和升华。数字媒体艺术表达形式中可以有传统电视的图像、声音, 还可以添加网络广告所采用的超级链接、标题广告, 甚至flash等多媒体格式内容进行融合。
例如数字媒体艺术与展示设计的融合, 在西安大唐芙蓉园, 就设置了水幕电影, 其模式就是利用全息摄影艺术中的光与影像的空间结合向人们展示西安城的景观与历史故事。这种数字媒体艺术的融合使得人们可以将日常生活中看到的真实物体与影像相融合, 形成更加震撼的空间感染效果。又如数字媒体艺术与建筑美术设计的融合, 设计师就可以通过数字媒体艺术直接展示设计对象, 实现对该建筑虚拟物体的仿真模拟, 以此增加自身对于物体与空间之间的认识, 这种为设计师带来切身感受的虚拟模式能够使建筑者更好的融入于建筑环境之中, 形成三维形式与三维思维。
二、数字媒体艺术的虚拟性
数字媒体艺术是基于互联网技术, 通过多种设计软件而形成的新兴事物, 它主要是对客观世界中的内容进行虚拟化与数字化, 针对人们在日常生活难以切身感受的事物与虚幻世界进行数字媒体艺术的表现与处理, 使人们能够借用数字媒体技术展现出并不属于人类世界的物质。例如在各种科幻电影中, 人们就大量的使用了数字媒体艺术表达形式, 对人们未知的虚拟世界进行刻画, 使其不受客观世界的影响, 而数字媒体艺术在科幻电影中的发展也从传统的2D电影发展为当前更加流行的3D电影, 甚至4D、5D电影的出现, 都是数字媒体虚拟性的过程中, 对人们想象力的客观表达。
三、数字媒体艺术的体验性
数字媒体艺术的体验性主要体现在其作为人们与艺术信息表达本身之间沟通的桥梁, 使两者之间的融合更加紧密。在新媒体不断发展的今天, 人们可以通过各种APP, 例如微博、微信等接触各种数字媒体艺术创作者创作的艺术表达形式。必须在电视行业中, 数字媒体艺术体验性的最大体现就是弹幕的出现。传统的电视平台依然延续着媒体播放的形式, 但是各大视频网站都创新了弹幕功能, 人们能够在看电视或电影的过程中发表自己的观点和看法, 还能够和看这部电视或电影的人们同步进行交流、点赞等, 这些都是人们在数字媒体艺术发展过程中所增加的体验性, 这也使得人们对图像、声音、文字等信息处理更加认可, 对于丰富的内容更容易接受。
此外, 数字媒体艺术在其体验性的使用过程中, 还具有完整性的特点, 它能够体现在艺术形式的表达和信息量上。我们知道, 要想完善人们对于数字媒体艺术的体验性, 首先就需要其变得完整, 人们有足够的时间和空间, 对其内容加以分析、归纳、记忆, 使其产生最大效果。新媒体时代的发展就为其完整性特点提供了更多的可能性, 它跨越了时长的空间的矛盾, 人们可以利用手机或者电脑就随时对数字媒体艺术传播过程中的艺术表达进行感知和体验。
四、数字媒体艺术的广泛性
数字媒体艺术在传统发展过程中只适用于传统媒体行业中的人群, 并不适用于普通群众。在当前新媒体发展背景之下, 数字媒体艺术基于互联网技术广泛性的优势, 也同样具有广泛性的特点。例如自媒体的产生, 就是不同行业的人们, 由于对数字媒体艺术的不同认识程度和创新性而开展的艺术创作过程。有的人们热爱摄影, 他们就通过学习相关专业知识, 学习数字化图像处理技术等成为自媒体平台中具有个人特色的优秀摄影师, 有的人们热爱美食, 他们也通过学习视频剪辑的方式, 将自己的美食创作过程通过拍摄小视频而展现出来。这种广泛性极大的扩宽了人们的参与热情, 也为数字媒体艺术的创新和发展注入了新的活力。
除以上几个特征外, 数字媒体艺术模式可以结合网络资源, 定期定向向用户发布信息 (广告、美文、歌曲等) 。也就是说, 它可以根据观众的人口统计特征、心理特征, 甚至生活、消费形态等有目标地选择发布艺术形象, 从而最大程度地保证数字媒体艺术发展中的传播性和广泛性。
五、数字媒体艺术表现特性所带来的启示
1、重视创新, 开发思维
针对数字媒体艺术特征中融合性和虚拟性的特点, 数字媒体艺术创作者要重视创新, 创新是适应时代高速发展的重要动力, 要使数字媒体艺术设计更加符合时代发展的需要, 就需要创作者开阔思维, 在各行各业中思考如何促进数字媒体艺术与该行业的融合, 通过丰富虚拟世界, 使我们的世界更加丰富多彩。
2、重视互动, 深化交流
针对数字媒体艺术特征中体验性与广泛性的特点, 我们首先要注重完善在新媒体时代对数字媒体艺术的认识, 通过增加专业知识, 增强创作者与人们的交流与互动, 增强人们广泛参与进数字媒体艺术创作中的积极性, 以此进一步往完善数字媒体艺术的快速发展。
六、结语
对于传媒业务而言, 重要的不是新的媒介形态, 而是对新形式的接纳, 对新技术的运用。新技术不是“新媒体”的专利, 而是“新媒体”和“传统媒体”都可以运用的武器。数字媒体艺术在新媒体的发展背景之下, 已经越来越具有时代发展的前瞻性, 为此, 作为数字媒体艺术的创作人, 首先要重视改善自己的创作思维, 丰富自己的理论知识, 以此完善自己对数字媒体艺术设计创新和对数字媒体技术的运用。
摘要：随着大众对于数字技术的要求逐渐提升, 数字媒体的艺术表现形式也开始受到了大众的关注。虽然数字媒体艺术是一个较新的艺术领域, 但是其发展速度以及发展效果都非常让人惊讶。而数字媒体艺术到底具有哪些表现特性能受到需求者的大量欢迎, 因此本文将从数字媒体艺术的表现特性出发, 对其具体特性进行分析, 以期为从事数字媒体艺术工作者的人员提供一些参考意见。
关键词：数字媒体艺术,主要元素,表现特性
参考文献
[1] 张奇.浅谈数字媒体艺术的表现特征[J].新闻研究导刊, 2016, 01:209.
[2] 李文栋.探析数字媒体艺术的特点与表现特性[J].新闻研究导刊, 2016, 18:136.
民间艺术的审美特性范文第4篇
摘 要：美术教育是培养学生正确的审美观点以及感受美、鉴赏美、创造美的能力的教育。小学美术教育与素质教育的关系备受关注，是综合性较强的“智能式素质教育”。美术课程性质具有的审美、德育、认知、渗透四大功能是我们进行美术教育改革的主要途径及突破口。
关键词：小学美术教育； 美术教育功能；美术课堂教学
德智体美劳全面发展是教育的根本目的。然而，当前小学教育虽做了一定的改革，开始重视学生的素质教育，美术教育也得到了空前的重视，小学美术教育已成为学校、家长关注的焦点，但由于教育体制、社会以及人们的思想观念等方面的原因，当前我国的小学美术教育仍比较薄弱，学生的美术素质仍普遍较低。怎样把美术教育的作用与功能真正发挥出来呢？笔者认为，从美术课程性质所具有的审美、德育、认知、渗透四大功能着手，是进行美术教育改革的主要途径及突破口。
一、美术教育的功能
1.审美功能：是指在审美活动中发现、感受、判断、评价和欣赏美的功能。面对同一审美对象，由于审美能力不同，人们获得的审美感受也不同。对学生审美能力的培养仅仅停留在欣赏水平上是不够的，还应重视他们的审美创造能力的培养。这种审美创造不仅是指专业的美术创造和画的多么有想象力等，还指有着广泛的内涵，像个人的穿着、寝室的布置、良好的人际关系等等。而审美创造活动能使学生主动追求真善美。
2.德育功能：有利于提高学生的思想品德。美育主要是靠美的形象打动人，把思想品德教育寓于美育之中，使人在效法榜样的潜移默化之中实现思想道德教育。这实际上是一种情感教育，是动之以情、以美引善的工作。从某种意义上说，动之以情是晓之以理的前提，只有“情通”，才能“理达”。
3.认识功能：美术教育手段能不断丰富学生的形象记忆水平和数量，这是发展学生抽象逻辑识记、形象思维能力的前提。我们在美术教育中提倡发散思维、求异思维、逆向思维、多维空间的表达。美术教育是一门动手操作性强的课程，学生在绘画、版画、泥塑等制作过程中，可以充分认识和体验各种材料的特性和作用。
4.渗透功能：美术与其他学科有着直接的渗透、相互作用的功能。例如，教师们发现有些孩子图形画不好，在做数学、几何时就比较吃力；由于形象思维能力的欠缺，语文的作文表现不佳；在生物、化学等课程中都发现类似问题。这充分说明，美术与其他学科有着密切联系，相互渗透。
二、充分发挥美术课堂教学的核心价值
新时期小学生的美术学习是一种文化学习，不同于专业美术教育。它为发展学生整体素质服务，以学生发展为本，注重培养发展学生审美能力、感知力、想象力、表现力等方面的能力，注重培养创新精神,注重学生的个性发展和全面发展。这种教育要求美术教师在教学中重新定位自己的角色。教师不再是知识的传授者，而是学生学习的促进者、合作者、辅助者，以与学习者平等的心态参与到学生的自主学习活动中去,协同合作、师生互动、因材施教、教学相长。
1.激发兴趣，培养学生学习美术的积极性
兴趣是最好的老师，学生一旦对事物有了浓厚的兴趣,就会全身心地、主动地投入到学习创造之中，不断进行新的尝试、新的探索。纵览小学的美术教材，既有生动有趣的童画、想象画、卡通画,又有中外儿童优秀的美术作品欣赏、画家笔下的动物画、风景画;既有动手操作的工艺品、小制作课,又有走出课堂描绘大自然的写生课。教师在教学时用有趣、童话般的语言来描绘教材中的画面，可给课堂注入兴奋剂,形成宽松、愉悦、和谐的课堂气氛,激发学生绘画兴趣,使学生在轻松愉快中接受美的教育。小学生的思维主要是凭借具体形象的的联想进行的，虽然他们已经能够运用某些概念进行判断、推理,但很大成分上仍然与具体形象联系着。针对这个特点,在美术教学中要充分调动学生的思维积极性。
2.调动感官，培养学生敏锐的观察力
绘画是一种视觉艺术,视觉是心灵的窗户，我们要靠眼睛来提高观察力，所以，教师应该着重培养孩子的观察能力，因为只有在观察的基础上,才能进行思维、鉴别,然后完成自己独特的创造结果。小学生学画时只要学会留心观察生活中的事物，体会生活中的变化,并把观察到的东西加以联想,就能画出更有情趣的画。
由于受年龄的限制，小学生的生活经验相对贫乏，因此，要尽可能地让他们去接触五彩缤纷的大千世界，让他们运用各种感官去了解周围的一切。感知力是一切领域的人进行创造性思维活动的基本能力，视觉是一种主动性很强的感官形式，进行积极的选择是视觉的一种基本特征，要使小学生具有一双善于选择的眼睛，就要为他们创造一个良好的环境，使小学生能把自己的情感投入其中。例如，到了秋天，带领小学生观察花园里的花草植物、马路上人的服装的变化；户外活动时,观察蓝天、白云、晴空、雨雪；体验班级农作物收获所带来的喜悦……通过学生的亲身体验与观察,在他们进行选择之后，把自己的情感融入画中来，才能使作品的内容丰富、生动感人。
3.充分发挥学生的想象力和创造力
小学生作画开始时都是凭印象来画，常常是别人怎么画,他也照着画，缺乏自己的独立性。正是由于小学生的想象力和创造力，才使他们的作品多姿多样。实践证明，没有教师的示范，他们也能画出千姿百态、形象色彩各异、充满稚气和美好愿望的作品，那是小学生心灵真实的体现。小学生的想象力是在观察、记忆的基础上形成的，如果没有大量观察、记忆的积累，就谈不上想象力,因为想象力是学生对原有的事物加工改造形成的产物。教师要尊重孩子的想象力,尊重学生对美的感受、理解能力。他们的想象画不求科学的“真”只求感受的“真”，并不以“像”为标准。
创造力是人类智力的核心，它是在观察与想象之后的灵感状态。以形象思维为引线，在生动有趣的作画中牵动逻辑思维、推理思维、动作思维、灵感思维的自由发展，引导小学生进行某些相似的改进、相似的综合而后创造，产生新颖、独特的想法，引领小学生走进自由自在的艺术天地和理想彼岸。培养创造力的土壤是深入生活。生活是创造取之不尽、用之不竭的源泉。要培养学生对生活中的事多留心、多联想。创造力的来源是心灵，学会运用自己那颗美妙智慧的心，才会有创造性思维的闪光。要培养孩子灵活机动而不死板，善于联想而不僵化。例如，提供给学生手套形状的材料，让他们根据手套的外形，在其上增加一些东西,叫它变成另外一种东西，如树、楼房等，表现出孩子想象的求异和创造的新意。
美术课教学以发展学生丰富的想象力和创造力为根本出发点，鼓励他们敞开理想的心扉,展开理想的翅膀。教师在教学中应当充分发挥他们的想象力,点燃他们的创造力,为每一个学生提供表现潜在探索欲、创造力的机会,调动他们内在的动力,使其创造力不断发展。
4.正确认识儿童画
仅凭像与不像作为评价一幅儿童画的好坏标准,会对孩子学习美术产生消极影响。由于儿童的生理机制尚不完善,手、眼、脑三者的配合尚不协调,所以画出来的形象荒诞、奇特、不合常理。但这正是儿童画的可爱之处,它所展现的魅力是成人所望尘莫及的。要知道，儿童画画更多的像玩一场游戏,这种“不像”的画正是他们对外部世界的真实感受和内心世界的真诚流露，是真、善、美的体现，而正是这种游戏培养了他们的个性品质、想象力和创造力。儿童画与成人画相比尽管表现形式和技法无法相提并论，但其纯真、质朴的童趣则是成人画所不能及的。这种纯真、质朴的童趣往往给人更强烈的视觉冲击力。因此，教师应珍惜和爱护小学生的这一特征,不要总在“形”上做文章,评价“像不像”、“美不美”，应该遵循他们年龄发展的规律，循序渐进，关注、理解和尊重他们的心理特征。只要他们在绘画的过程中是愉悦的、投入的，教师就不要过分挑剔。只有孩子充分发挥了想象力，做到了敢想、敢画,才有可能画出真正的儿童画。
5.培养学生美好的情感
情感是对外界事物的肯定或否定的心理反应，它能转化为学生学习的内在动力。列宁说过，“没有人的情感,就从来没有也不可能有人对于真理的追求。” 因此，要使学生喜欢上美术课,教师就要善于创设和谐的课堂气氛，培养学生良好的情绪和情感。教学中教师的主导作用要求老师做到情感真挚、丰富,并把这种情感以恰当的方式渗入学生的心田，感染他们,使他们与自己一起参与到和谐美好的教学之中去。比如，在学生动手做作业之前，我都会像讲小故事一样给他们讲一些自己在日常生活中发现美、感悟美、表现美的过程，引导他们在做作业时学会注入自己的情感因素，使自己的作业透出情感的灵性。教学的最终目标是让学生在各方面都达到最佳状态,通过积极的探索获得新知识，通过激发学生的兴趣培养他们的创新能力，在学生创新思维与现实之间架起一座桥梁,让他们的思维空间更加广阔。
总之，教师应该根据实际情况灵活的去教学,让课堂生动活泼、丰富多彩。教师要根据学生年龄特征和接受能力的不同进行讲解、示范、提示,并且要加强课堂的趣味性,这样才能使学生从多方位、多侧面接受艺术熏陶,得到艺术享受，提高艺术水平，在眼前架起一道绚丽的彩虹。
三、美术教育应引起全社会的高度重视
美术教育改革更重要的一点就是在全社会营造良好的美育氛围和人文环境，唤起更多的人关心美术教育。实践性是美术教育的一个显著特点，有了肥沃的实践沃土，美术教育之树才会常绿。一是加强校内学生书画社团建设。学生社团是学生课余文化活动的一个重要组织，是进行艺术教育实践的重要载体，应充分发挥它的美育职能。二是与校外社区联合开展群众性文化活动。这种让学生直接进入社会的艺术活动是艺术实践的一个重要方面。学生在美好的艺术活动中受到熏陶，得到教育，服务社会。三是鼓励、支持学生积极参加各种美术大赛等，使心中怀有艺术之梦的学生通过比赛这个平台充分展现他们潜在的才艺。
英国经验主意哲学家休谟认为，“美并不是事物本身里的一种性质，它只存在于观赏者的心里，每一个人心见出一种不同的美。”因此说，艺术教育不仅仅是具有一定艺术天赋、受过一定训练的专业人才所独享的，每个人都有自己的审美需要与审美经验。进步的美术教育与政治、道德的关系及美术自身的愉悦性等等，都彰显了它对于构建和谐社会所蕴藏的重要的功能与影响。
[责任编辑 杜 娟]
民间艺术的审美特性范文第5篇
[摘要]设计学与美术学同属于艺术学下的两个一级学科，在审美教育、就业和应用能力教育、创新能力教育方面有近似之处，但也有很多不同的自身特点。由于各种各样的原因，不少大学的设计学专业教育教学常常由美术学专业教师来承担，尤其是设计基础课，这种方式对完成设计学的培养目标和学生的成长成才不利。尊重学科规律和各自的特殊性是办好设计学和美术学学科的关键。
[关键词]设计学 美术学 专业教育 近似与不同
[作者简介]左力光（1960- ），男，新疆乌鲁木齐人，北方民族大学设计艺术学院院长，教授，硕士生导师，研究方向为艺术设计教育。（宁夏 银川 750021）
国务院学位委员会、教育部公布了《学位授予和人才培养学科目录（2011年）》，该目录增设了艺术学门类，使原来从属于文学的艺术学成为我国高等教育的第十三个学科门类，包括艺术学理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学、美术学和设计学（可授艺术学、工学学位）五个一级学科。目录明确了设计学与美术学并列，同属艺术学门类，并表明了设计学与工学密不可分。由于设计学与美术学归类于艺术学，本科教育有许多相似之处，又由于属于不同的一级学科，其本科教育的核心内容有本质的区别。多年来，由于各种各样的原因，在相当多的艺术教育和管理者的思想里都有这样一个观念：美术学包括设计学，美术学的部分教育、教学内容涵盖了设计学，尤其是在设计基础教育方面。这种观点在西部设计学院和美术学院表现得更为突出。思考和尊重同一学科门类在教育和教学方面的近似之处和一级学科的普遍规律及特殊性，深入研究各学科的相互关系和不同特点，在完整的教育体系和教学各环节的实施中落实学科的培养目标，使所学学科、专业的学生真正受益是本文所要阐述的。关于这一点思考的人不多，是设计学高等教育忽视了几十年的问题。
一、设计学与美术学在审美教育方面的近似与不同
中国高等教育艺术学下的三个一级学科：美术学、设计学、戏剧与影视学，自恢复高考以来入学考试科目只考美术学的基础：素描、色彩、速写，艺术学理论学科与之相关的专业也要加试这些基础。由于历史、行政意志和惯性思维等多方面原因，不少高等院校设计学教育的大部分基础课程都是由美术学教师承担。因此，在社会上形成了设计学的审美教育与美术学相同，并可以被取代的沉淀性思维。
设计学与美术学在审美教育上的相近之处：首先，这两个一级学科对造型能力都有一定的要求。美术学的专业能力主要是通过专业基础课程的重复渐进和学生经过长期的训练来解决造型问题，并终生磨炼造型技术和艺术的深度审美问题；设计学主要是通过专业基础训练课程，使学生能够徒手完成表达思想的设计草图和解决设计项目中的形式美感问题。由于课程总量的限制，设计学要减少类似美术学课程中的长期作业现象，增加短期作业和培养学生利用业余时间多画草图和速写，使学生在大脑里储存大量的设计素材和造型元素，并能随时调用。其次，这两个学科对人类长期生活所积淀的美感都需要有一定的认识，能够顺畅地表达。但表达上不尽相同，设计学偏重于能够反映科学技术发展和人们追求“时尚”心理的美感表达；美术学偏重于对人类文化的继承和个体思想深度的美感表达。同时，这两个学科都要深入了解相关的专业理论和思想文化，因为，没有一定思想的深度难以成为设计家和美术家。
设计学与美术学在审美教育上的不同之处：首先，设计学是审美和实用高度统一的学科。设计学的下设专业要与工业产品相联系，如视觉传达专业与印刷厂有千丝万缕的关系，环境艺术专业与生产各种建筑材料的工厂、销售部门密不可分等。因此，在审美教育中，相当多的内容与工业化批量生产的美感相联系。如基础课程中的“重复”是用来鍛炼学生对循环的节奏美感的认知和体会，“对称”是用来训练学生对规矩和庄重的机械生产所表达出的美感的认知和体会等。其次，设计学不过于强调设计作品的个人审美情感的抒发，更强调设计项目要符合生产、销售和使用的审美表达。同时，设计学审美教育自始至终强调抽象的、能够批量生产的产品的形式美感，而美术学的审美教育强调具象的带有浓重的个体不同认知的美感表达。
因此，高等教育中设计学的审美教育，训练学生承担设计项目生产的审美思维能力，既不同于职业教育中艺术设计专业注重学生生产性的操作训练，也完全不同于美术学培养个体艺术家特立独行的审美教育。
二、设计学与美术学在就业和应用能力教育方面的近似与不同
设计学和美术学的教育都需要思考和解决学生就业与应用能力方面的问题。美术学在就业与应用能力方面主要训练学生如何成为艺术家，并满足其兴趣与爱好，毕业的主要去向是群众文化单位（群众艺术馆、美术馆、展览馆等）和个体艺术家。设计学在就业与应用能力方面主要训练学生如何成为企业的设计师，学生毕业的主要去向是商品生产企业，大、中、微型设计企业。美术学和设计学的部分本科生在读完硕士、博士和留学深造后进入大学和科研部门，成为本学科的学者和研究型的工作者。因此，总体来说这两个学科学生的就业方向完全不同。国外很多大学美术学、设计学的教师和课程是完全独立的，设计学教师必须在设计行业工作5～10年后才能进入大学当教师。我国设计学的大部分教师是从学生直接进入教师行列，还有不少学习美术学的教师进入了设计学或承担设计学的基础、专业教育教学。这些教师无法深入感受企业设计项目的细节和要求，以及全心全意服务客户的思想。
设计学本科学生一年级的造型和设计基础课，如设计素描、设计色彩、平面设计基础等，应该在教学中强调基础课程与专业课程的关系，以及设计应用方向和能力的引导；在二年级的部分专业课中要引入模拟和真实的简单设计项目，使学生明白学习专业课的目的和培养学生学习与应用相结合的意识，并能够完成简单的企业设计项目；三年级的专业课程要解决学生系统完整的专业理论知识和应用技能，并能够熟练掌握设计项目中的关键细节，如包装设计中模切板的制作，图像、图形、排版软件之间的相互切换和各自的优势以及规范的制作方式，图像分色的原理和应用等，能够完成较为复杂的设计项目；四年级的学生应该对设计学的相关专业有系统的认识，能够熟练应用本专业的理论知识完成较为系统的招标设计项目和各类实践项目。设计学在就业和应用能力教育方面需要不断地进行设计项目应用能力和适应社会能力的培养，并在基础课程中贯穿所学与设计项目的关系和服务客户的思想，学生在毕业前应该完成各类专业设计项目，到企业能够直接投入设计工作，否则教育教学的专业培养目标就没有完成。
设计学在就业和应用能力方面还需要在专业教育中融入培养学生养成服从管理、遵守纪律的思想。作为中国改革开放后建立起来的现代设计学仅有30多年的历史，学生未来的工作状态与悠闲散漫的传统农业的工作状态有天壤之别，与美术学培养个体艺术家的工作状态有本质区别。现代企业的工作制度是严格和规范的。在设计学本科专业教育和非专业教育的过程中没有关于现代企业管理的教育和训练，学生在企业进行的毕业实习仅仅一个月，难以改掉四年积累的不良习惯。我们常常看到有些学生有一定的创作才能，毕业后难以适应八小时坐班和常常加班的现实，更不能忍受“指纹打卡”的考勤制度。现代企业的大部分设计项目是由各有特长的设计师组成的团队来完成的，即使是个人承接的设计项目也需要经过很多环节和很多人的配合才能把设计家的作品变成社会使用的产品。这就需要在就业和应用能力方面使学生在学校养成团队意识和合作意识，锻炼学生与别人交流沟通的能力，使学生的个性融入共性中，在共性中又有一定的个性。以上两点尽管与专业课程的内容无关，但对学生人生道路和专业发展至关重要，是每一个设计学教育工作者在培养学生的过程中需要思考并付诸实施的。没有对这些内容有深切体会，就难以在专业教学过程的每一个环节贯彻落实。当前中国高等院校设计学的专业教育只强调个人设计作品独特性的发挥，对团队意识、交往沟通的能力和服从管理、遵守纪律的职业要求没有贯穿于设计学教育的始终，甚至部分院校用美术学培养艺术家的教育方式来培养未来的设计学应用人才，有悖于设计学的培养目标。
三、设计学与美术学在创新能力教育方面的近似与不同
艺术的生命在于创新。创新是设计学和美术学高等教育的根本，也是设计学与美术学人才培养的基本要求。设计学的创新能力是基于各种各样的限制基础上的，不少法律、法规涉及设计学所属的各行业。如广告行业的不少设计项目与《广告法》有关，标志设计的项目与《商标法》密不可分。如果这些设计项目采用抄袭的方式就会受到法律的制裁和经济赔偿。设计学的创新还基于客户及领导思想的限制和工艺流程、制作手段的限制等。设计学的创新教育是在教学的过程中融入这些限制的基础上，对学生创新能力进行引导和鼓励。因为，不承认限制就不是设计师。一个好的设计师限制越多，创新欲望就越强烈，设计成果就越独特。同时，设计学中的很多设计项目都要进行全国、省（区）或市级范围的招标。设计项目的中标是设计创新被采用的唯一依据，也是设计师的能力、水平、经济、社会价值的体现。由于设计项目中标的唯一性，设计学的创新能力教育就要不断引导学生动脑筋想点子，鼓励出奇制胜的设计思维。由于设计学的工具不断发生着变化，在继续使用铅笔、纸张画草图的基础上，计算机、扫描仪、打印机、设计软件等软硬件在大多数情况下已经取代了原有的工具。设计工具的变化使工作方式也发生了变化，创新的思维过程、表达方式和设计成果的展示方式等也发生了根本的变化。这些变化都应该在设计学的理论和实践的教学过程中得到充分地体现。设计学要训练学生对知识、工具、思潮不断变化的适应能力，能够紧跟社会发展的步伐和引领时尚的变化。美术学使用的工具千百年来基本没有变，下设的大部分专业都在继续使用着纸张、铅笔、毛笔、画布等。美术学的创新能力教育是在系统的造型训练过程中，始终贯彻在藝术作品中融入个人的独特情感，在表现技法和思想深度中建立一种全新的与他人不同的视觉符号。因此，美术学需要教育学生耐得住寂寞，使用几十年如一日的工具来不断激发创新能力以展现自己的才华，推动美术学方面的进步来实现人生的价值。
总之，设计学与美术学的高等艺术教育由于培养目标的不同，在审美教育、应用和社会适应能力教育、创新能力教育等方面有部分近似之处，也有相当大的差异性。尽管个别美术学毕业生工作多年后在设计学领域成果颇丰，个别设计学毕业生若干年后在美术学相关领域知名度很高，但都不能用来证明美术学的教育教学方式可以取代设计学的方式，或用设计学的教育教学方式取代美术学的方式。尊重各学科的教学规律，充分实施并完成各学科的人才培养目标，把学生培养成为各学科的专业人才是大学艺术教育教学中需要贯彻落实的。
[参考文献]
[1]林志远.设计教育中的细节问题更值得关注[J].美术观察，2011（11）.
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民间艺术的审美特性范文第6篇
传统民间年画作为雅俗共赏的民间绘画艺术, 深受民众的喜爱, 经久不衰。民间艺人在多年的实践中形成的民间画诀是年画创作和审美的重要指导思想, 也是传统民间年画特有的形式法则。传统民间年画注重形式美感及隐含思想, 有自己的审美标准, 其审美观主要体现在构图、造型、色彩等几个方面。
1 构图
任何一种画种都注重构图, 构图是绘画的三大要素之一。传统民间年画是以人物为主要描绘对象的, 所以人物的合理安排就成了构图的重点。民间年画中近景, 中景, 远景的描绘也很重要, 它们起到烘托主题的作用。民间艺人在实践中归纳出民间年画构图的“八字诀”即;虚、实、真、假、宾、主、聚、散。这是年画中人物安排处理及配景设置的指导方针。
均衡饱满, 整齐, 具有很强的装饰性, 物象的绘制具有高度的概括性, 这是传统民间年画的构图特点;同时, 内容决定构图形式, 突出主题的重要性, 配景的取舍和安排有很大的灵活性, 强调主观色彩。戏剧年画在很大程度上体现了传统民间年画的构图特点。在戏剧年画中, 为了突出主要人物和情节, 往往主观的去添加一些能够表现主题的内容, 为了突出主题, 将不同时间, 地点发生的事件, 出现的人物集中体现在同一个画面。民间年画, 单刀会, 描绘了关羽去东吴赴宴, 席间装醉, 挟鲁肃到江边, 安全返回蜀地的故事, 画中绘制了赵云, 孔明乘船来接关羽。根据小说描述, 这两人并不应出现, 但因事情与孔明有关, 在画中将他们绘出, 并没有感到不合理, 反而烘托了整个故事情节的氛围。
构图为内容及表现的主题服务, 民间年画的构图有多种形式, 体现主从关系的放射状构图, 类似连环画的块状构图, 用于条屏中的独立画幅式构图等。民间年画也体现了一定的透视关系, 主要是继承了我国传统绘画中的散点透视方法, 符合透视规律。另外在一些民间年画中则采用了平铺排列的构图方式, 将所表现的内容完整的表现出来, 物象之间没有相互的遮挡, 追求图像的完整性, 画面效果完全平面化。层次关系, 前后关系放在次要位置。还有一些民间年画则主观的去违背透视规律, 常常出现人比景大, 房比树大的效果, 呈现出稚拙的意趣, 具有很强的装饰性。传统民间年画的构图方式符合民众的审美要求, 为人们所喜爱, 在中国绘画史上有着重要的影响。
2 造型
传统民间年画以人物作为主要的绘画表现对象。最早出现的人物形象是汉代出现的神荼, 郁垒两位神话人物的门神画。在民间年画的题材中也出现了动物, 植物, 器物, 风景等内容, 但只占了很少的比例。所以, 分析传统民间年画的造型因素主要是以人物为解析对象的。传统绘画中的线条是完成其造型艺术的重要表现手段。人物造型的表现采用了铁线描, 行云流水描, 钉头鼠尾描等白描技法, 绘制的人物形象生动。
民间年画中的人物造型在很大程度上与传统绘画人物造型不同, 民间年画强调主观意识, 通过夸张, 变形, 写意的手法来塑造人物形象, 而传统绘画中所强调的结构关系, 比例关系, 被放到了次要位置。如一些地区的门神画、神荼、郁垒的人物造型没有按正常的人物结构、比例关系绘制。而是通过夸张, 变形的手法将其缩短变粗, 面部形象也做了夸张变形处理, 绘制的人物造型与普通人不同, 似乎与传说中的神话人物相似, 符合主观上人们对神的崇拜心里, 更能体现其避邪驱凶的功能。民间年画中运用夸张变形手法绘制的人物, 虽然缺少真实性, 但从另一个方面达到了艺术上的真实。正如鲁道夫·阿恩海姆在艺术与视觉中提到的“通过某种错误的绘图, 正确地再现物体”。民间年画的人物造型具有高度的概括性和程式化, 人物造型从大的方面入手, 突出主要特征, 戏曲年画中比较多见, 如:戏剧脸谱及戏剧人物的表现。传统民间年画中所运用的夸张变形手法在某种程度上推翻了传统的比例透视关系, 还原了原始造型法的情趣, 人物造型呈现出很强的装饰性。汉代出现的武门神以及后来出现的文门神, 在造型上也都具有程式化的特点, 武门神造型强劲有力, 文门神儒雅大方, 后来的门神造型也都延续了这一风格。
传统民间年画的造型艺术具有很强的主观意象性, 体现了绘画者的主观感受, 这种极具想象力及装饰性的造型手法得到了广大民众的认可, 同时, 也构筑了民间年画独特的造型体系。
3 色彩
中国传统民间年画有自己特有的色彩体系, 用色多以纯色为主, 以青色、红色、绿色、黄色、紫色、黑色、白色主导画面, 色彩鲜明, 强调对比关系, 产生很强的视觉冲击力。民间年画在发展中, 色彩趋势有单一性向多样性发展, 兼容并蓄, 吸收了其他绘画门类的用色方法, 形成了自己的风格。
传统民间年画的用色被赋予了生命力, 色彩鲜艳活泼, 有很强的装饰性。民间年画的设色并没有去遵循现实生活中人物、动物、植物、器物的固有色。而坚持把“年画要新鲜”作为用色的指导思想, 这种色彩鲜明的画面效果深受人们的喜爱。民间年画的用色不仅鲜艳, 而且有着隐喻的象征意义。古人从变幻的色彩中获得了青、赤、黄、白、黑五种基本色相, 并对这五种色彩进行了理性的阐述。青色代表物象生时之色, 赤色代表太阳之色, 黄色代表了日光之色, 白色代表了冰水之色, 黑色代表了晦冥之色, 民间年画的色彩以这五种颜色为主, 这五种色彩也代表了东、西、南、北、中五方, 金、木、水、火、土五行以及黑白的阴阳含义, 实际上是中国绘画传统之一。在传统民间年画中, 色彩的象征意义始终贯穿其中。以戏剧年画中的关羽为例, 他是三国演义中的人物, 因为公正无私, 忠勇贤良, 民间尊称为关公。在年画中其脸部全被涂成红色, 因此, “红脸关公像”成为了代表正义与无私的代言词。红色也象征了吉祥、喜庆, 成为传统民间年画的主色调。而曹操以阴险奸诈著称, 在民间年画中, 其面部被涂成了白色, 成为奸恶形象的代表。色彩的象征意义在人物脸谱上更直接的体现出来。因地域、风俗、审美观念等的差异, 民间年画的色彩出现了不同的地域风格。
4 结语
中国传统民间年画扎根于民众, 服务于民众, 因而充满生命力。传统民间年画以其程式化的造型, 亮丽的色彩, 饱满的构图创造了美善合一的审美境界。其至善至美的视觉形象所传承的道德观念内容成为人们指画答疑的重要教育工具。中国传统民间年画以其独特的风格屹立于世界传统文化之林。
摘要：中国传统民间年画在漫长的发展过程中, 形成了独特的绘画风格, 其构图、造型、色彩、等方面的因素具有强烈的主观意象性, 反映了人们的认知观念。中国传统民间年画是几千年民族文化的缩影, 蕴涵着深厚的文化传统, 具有重要的价值和意义。