音乐艺术感觉与美育论文

音乐艺术感觉与美育论文（精选9篇）

音乐艺术感觉与美育论文 第1篇

随着我国现代化进程的加快和教育改革的深化，艺术教育日益受到人们的重视，艺术作为学校教育之“副科”的时代即将结束了。现代人普遍意识到，艺术世界是奥妙无穷的世界，艺术经验对丰富人生是不可或缺的要素，艺术与人性中最深层的东西息息相通。在人类历史长河的每一关键时刻，艺术都给人以希望和勇气，使人类的天才和智慧得到充分的发挥和施展，并保证了人与人之间心灵的交流。一个没有艺术的民族和社会是不可思议的，正如没有艺术的教育是不健全的教育一样。艺术对青少年的成长具有决定性的意义。艺术不仅能表达感情，使人的创造性冲动得以最大施展，而且能提高学生的洞察力、理解力、表现力、交流能力和解决问题的能力。在艺术这个大领域中，学生可以学到在其他任何学科领域中学不到的东西。所以，艺术教育是学校教育不可缺少的。正如何东昌同志所说的那样：“没有美育的教育是不完全的教育。”

艺术是一个开放的领域，艺术的内涵是不断丰富和扩展的，艺术的发展潜力是无限的。所以说，艺术教育不仅仅是传统认为的艺术技法的教育，而且是一个开发智慧的复杂系统工程。从艺术教育的四大关键要素――美学、艺术设计、艺术欣赏、艺术批评四方面我们可以看到，要想提高青少年的艺术素养，除了掌握技法外，还必须熟悉艺术发展的历史，要具有欣赏艺术的趣味和评价艺术的洞察力。当然，音乐艺术审美教育既有自己的特殊功能，又与德育、智育、体育及其他美育形式有着密切的联系。

一种审美理论的主旨，就是论述和证明如何通过一些有效的方式，尤其是通过学校教育去开发年轻人的艺术感觉。针对当代社会中人的前所未有的多元信仰，有必要改进和复活其判断力。由于信仰的多元化不仅造成了现代社会和现代生活的种种困惑、自相矛盾和冲突，而且造成了现代人的判断力和意志的日益麻痹。要想重新确定哪些是代表一个文化的、理想的优秀作品，就需要重新唤醒人们的历史记忆，对人类迄今获得的艺术成就重新张扬，给人们提供一种足以激发人的创造性行动的灵感和对人类成就的自豪感。

人们对艺术作品常会有一些偏激的想法，认为艺术作品无论如何都是为一定观念服务的，而不是独立的。这就将艺术降低为一种功能性的东西了，将艺术看作是政治、经济和社会关系网络中的一个功能性网络，而忽视了人们对艺术的那种特有的和典型的兴趣――审美兴趣。

众所周知，审美教育具有独特的性质，这种特殊性反过来又将会影响着一个社会文化的种类和性质。所以我们认为，要做到重新激起人们对艺术成就的记忆，恢复人们对艺术的特有审美价值的信念，唤醒人们的判断力，有必要对当今的审美教育观点和思想进行梳理调整，使之走上健康完整的轨道。

艺术是一种独特的人类成就!艺术教育本身就是要把青少年引领到“人文领域”，使之全面发展、健康成长。因为艺术不仅与教育有着密切联系，同时艺术与文化，艺术与社会，艺术与洞察，艺术与理解，艺术与风俗、风气，艺术与哲学等也有着千丝万缕的关联。

科学所追求的目标或所要解决的问题是研究客观世界及其规律，是求真;人文所追求的目标或所要解决的问题是满足人与社会需要的终极关怀，是求善。音乐艺术是人文知识领域中的一朵绚丽奇葩。同人文文化有关的思维主要是开放的思维，艺术能给人以想象力，艺术可以开拓人的`想象力，它有利于人们形成正确的人生追求：人生的追求，就是一个人的人生观、价值观、世界观，而音乐、艺术教育恰恰就符合这一点。作为一个人，必须有物质生活，同时还必须有精神生活。一个健康的生活应包括：一是物质生活主要应合乎生理健康，二是精神生活主要应合乎心理健康。而健康的心理主要取决于人文，心理健康在一定程度上起着更重要的作用，心理健康的本质就是脑健康，脑健康是一切健康的前提。马克思曾说过：“一种美好的心情，比十副良药更能解除生理上的疲惫和痛苦。”而音乐艺术感觉、音乐艺术教育正是教人求善、给人愉悦、使人身心健康向上的。

在整个西方历史中，艺术作品往往是由一小部分人创造的，同时也是被这一小部分人欣赏并为他们服务的，但也总是为社会大众接受、赞同和参与的。当一个社会中绝大多数人都能感受到艺术的必要性，能认识到艺术能使他们的信仰更坚定，告诉他们生活中有哪些是永恒的、哪些是关于人的命运和结局的大事，这样艺术和社会之间就形成了一种健康的和生机勃勃的关系。正是由于艺术的那些栩栩如生的感人形象把无形的精神世界展示无遗，才使艺术在普通人的生活中占据了重要地位。换言之，艺术只有对大众产生了吸引力，成为一种对人类最有效的社会力量，超越了艺术品的物质感受和物质价值时，艺术才具有了真正的意义。当今社会曾有过一些的物质至上主义，也并没有消除人们对精神生活的需要，所不同的是人们与过去时代相比失去了不可缺少的健康信仰，以至不能对一些规劝性形象进行的表达做出反应。这就势必大大削弱了社会人文精神，挫败了人们对种种能够回答人们内心深层需要的东西的追求和热情。

审美教育理论必须强调艺术的人文功能，人必须具备这种区别能力，必须强调培养人对高贵的审美性质的欣赏能力，这对人的生活有着无比的重要性。因为艺术品应该包括艺术所拥有的那种取悦我们和感动我们、扩大我们的本领和给我们知识与智慧的功能。审美教育的目的，就是培养人们的艺术欣赏能力，以使人们在欣赏艺术品时，获得艺术品所能提供的珍贵经验。学会如何去感受美、鉴赏美和创造美，同时着眼于人的基本素质的提高。

审美教育即是我们通常说的美育，或叫做美感教育。美育是实践性的美学。(转第73页)(接第75页)美育从广义上讲是通过艺术和现实的多种途径来进行审美活动。而学校的审美教育是狭义的美育，但同时也是实施美育的重点对象。因为在校青少年和儿童正处于身心发育成长阶段，他们最容易接受美的教育和熏陶，有利于良好审美观的早日形成，从而能以高尚的审美理想，健康的审美情趣去感受美、鉴赏美和创造美。同时学校本身就有音乐、美术等美育内容的学科，可以有目的、有计划地进行审美活动。由于音乐和其他艺术不同，它不是思想的痕迹，而是意志本身的痕迹，所以，音乐的作用比其他艺术的作用都要大而且深刻。音乐是一门极富感情表达和感情力量的艺术，人们通过有目的地参与音乐教育活动，就能激发出人类心灵深处的感情火花。可见，没有音乐教育的参与，美育的任务是很难完成的，音乐教育只有和美育相结合，才能发挥它应有的教育价值;而美育也必须和音乐教育相结合，才能全面实现它的教育功能。

美育和音乐教育同属于意识形态，同属上层建筑，它们都是一种教育实践活动，它们都以人为服务对象，都承受着教育科学原理的指导，都必须通过人的心理活动来完成，都需要经过联想、想象、兴趣、意志、情感、记忆等心理过程，都以形象思维为感受的基本前提。通过这些心理活动过程就可以使学生的审美能力通过不断积累得到升华提高，使睿智的审美批评成为发掘艺术作品的意味的典型方式。通过提高学生的审美理解力，便可使他们更好地把握艺术的意义，更充分地意识艺术潜在的意味，学会欣赏艺术中最有价值的东西以达到丰富学生的视野，使他们的审美能力更强，生活更有价值，精神追求得到更大的满足。这样，就可以使青少年学会欣赏艺术和理解艺术，最终将会变成艺术的热爱者。

当我们的学生一旦熟悉和进入那些高质量的艺术品中，而且掌握了欣赏其审美价值的技能，就不会对音乐、艺术无动于衷，觉得它们可有可无了。音乐、艺术是一种能激起很高级的审美经验的人造物，这种经验是一种愉悦的、丰富的和见识深刻的经验。可以设想，当一个社会中的绝大部分人都有机会、有能力欣赏人类迄今创造出来的和思考出来的最优秀的作品，这个社会定会出现一种极为祥和、宽容、进取、健康的新气象。

可见，音乐教育与美育的结合，不仅必要，而且很有可能。这种结合绝不仅仅是形式上的交缘重叠，而是实质性的功能上的强化。从美育的角度来讲，通过音乐教育这一重要分支的实践使之达到存在价值的全面体现，而从教育的角度来看，通过审美因素的体现和吸收，将是一种寻根求源性的自我发现和自我完善。而不至于对待美育教育停留在只追求直接的效果而不求间接的效果;只知技法的传授和学习而不知精神修养，使青少年学会赏识自然和艺术之美，学会应用其美以改进生活的方式，感化其美以陶冶高尚的精神。我们要引导青少年按照美的标准，正确对待和处理自己的思想道德行为和衣着仪表，自觉抵制不健康的审美观，把自己培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的跨世纪的一代新人。

参考文献：

[1]廖家骅。音乐审美教育[M]。北京：人民音乐出版社，1993。8。

[2]卓菲娅・丽莎著，于润洋译。论音乐的特殊性[M]。上海：上海文艺出版社，1980。10。

[3]腾守尧。艺术感觉与美育[M]。四川：四川人民出版社，。1。

[4]俞玉滋，张援。中国近现代美育论文选[M]。上海：上海教育出版社，。5。

音乐艺术感觉与美育论文 第2篇

关键词：艺术体操；音乐

音乐即是一门艺术，又是一门科学，它可以直接唤起人们对生活的热爱，对未来的向往与追求，激励人们奋发向上；同时给人以美的享受，丰富人们的文化生活。作为艺术体操成功与否取决于能否引起人们情感上和审美意识上的共鸣，没有音乐便没有艺术体操。因此，艺术体操的音乐选择是非常重要的。音乐与艺术体操的内在联系

音乐与艺术体操有不同的一面，但他们又有相同的一面，既都是以美为特征，以节奏为中心，并能在美的旋律中去陶冶情操．增长才干。

随着科学的发展，音乐已被广泛的运用于运动训练中，用音乐伴奏的体育项目越来越多。音乐可使人的中枢神经兴奋，使运动的各部位节奏化，对培养动作节奏具有特殊作用；音乐还可以改变运动员的心境，减少训练的单调和枯燥，提高运动员自我调节能力，加快疲劳的消除；音乐还可以开发少年儿童的智力，开阔视野，丰富课外知识。音乐的选择

音乐的选择决定艺术体操的风格，音乐选择恰当可使全套动作锦上添花。雄壮的音乐可使动作刚劲有力，节奏明快，抒情的音乐可使动作柔和舒展，美观大方；不同的运动员有自己不同的动作特点，音乐的选择应与运动员的动作特点相结合。

音乐的风格具有民族性。在国际艺术体操比赛中，不同国家和地区的选手常常选择自己民族的音乐作品，这些作品有古典式的，有现代式的，有幽默、风趣的，也有抒情豪放的，充分表达了不同国家和民族的精神风貌和审美情趣。

音乐的选择受时间制约，个人项目每套动作在1分l5秒至1分30秒以内完成，集体项目每套动作在2分15秒至2分30秒。在这样一个极其有限的时间内要塑造一个特性鲜明、感人心扉的艺术形象，无疑需要教练和运动员密切合作共同来完成。音乐与艺术体操的相互作用

音乐与艺术体操是紧密相融的联系，音乐能激发练习者的情绪，有助于练习者进入美的意境更充分表达动作的情感，丰富动作的想象力，塑造美的形象；此外练习者在音乐的伴奏下更易于表现整套操的特色，增强艺术体操动作的魅力与感染力，更好地发挥个人的技术水平和艺术表现力，从而给裁判和观众留下深刻而美好的记忆。音乐与艺术体操的节奏

人们对节奏的体验莫过于音乐，音乐的基本表现手段是旋律和节奏，不同节奏的乐曲对人的听觉器官的作用不同，所产生的艺术效果也不同。经专家研究测定：音乐的节奏能促使人体分泌一种有利于健康的生理活性物质，调节血液的流量和神经的传导，使人保持朝气蓬勃的精神等。

艺术体操动作的节奏，主要有两种，即单个动作的节奏与成套动作的节奏。单个动作的节奏从类型上，可分为快速用力的动力型与慢速用力的静力型。快速用力的动力型节奏一般是急促的、刚劲有力的；如屈伸动作、跳跃、翻腾动作等。此类动作选用进行曲节奏的较为合适，速度大约在每分钟120—200拍之间；慢速用力的静力型节奏一般是用力均匀的、轻松柔和的；如直角支撑、慢起倒立、各种水平动作、平衡动作等，此类动作选用流水般行板节奏更为适宜，速度在每分钟70拍左右。

艺术体操的成套动作是艺术和技术的完美结合，在编排上节奏要多变、高潮突出，既有快速用力的动力型节奏，又有慢速用力的静力型节奏，使动作中带静，柔中带刚，每一个转体、跳跃或绳、圈、球的抛接以及火棒、彩带的摆动等都要与音乐节奏高度一致，从而使艺术体操达到完善的艺术境界。音乐素质的培养

音乐素质的培养，是艺术体操的重要内容，应注意以下几点：

5．1 乐理知识的传授和听唱训练是增强音乐感的必经之路，在培训中，不仅要使运动员掌握一定的乐理知识和辨音能力，还要具有良好的节奏感和简单乐曲的初步分析能力，了解音乐与艺术体操的内在联系。

5．2 应把音乐训练广泛运用于运动训练中，不要仅限于准备或放松时，应与全部训练紧密结合。

5．3 根据各项目的特点，选择不同的乐曲，建立运动员适宜的节奏感，使之在规定的时间里达到特定的空间位置，将空间感和节奏感有机结合起来。

5．4 在课堂训练中，从热身准备到训练结束要始终有音乐的陪伴，这样既可以使运动员保持兴奋状态，又能增加音乐的美感。

在课余训练中，丰富的音乐节奏不仅能使运动员产生联想和记忆，又能使动作准确、协调放松，大大提高训练效果。

音乐艺术与美育 第3篇

音乐是声乐的艺术, 是诉诸于人的听觉, 靠耳朵来感受的。它只能通过人的形象思维达到间接的实现, 这使得音乐反映现实较为间接, 甚至曲折、隐蔽。正如小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》, 是以我国家喻户晓的民间故事《梁山伯与祝英台》为题材, 以越剧了的部分曲调为素材写成的一首单乐章的协奏曲。可以说梁祝是中国民族音乐和西方交响乐结合的首创。例如第二部分, 作者用沉重的大锣、小提琴和大管的音响预示出不祥的征兆, 而后铜管奏出了凶暴的封建主题。独奏小提琴先用散板奏出祝英台惶惶不安和痛苦的心情, 接着用强烈的切分和弦奏出反抗主题, 加上由副部主题变化而来的抗婚音调和封建主题交替出现, 逐渐形成了第一个矛盾冲突的高潮———激烈的抗婚场面。此后乐曲转入慢板, 小提琴和大提琴对答地奏出了沉痛悲切的曲调, 描写了梁祝二人楼台相会、互诉衷肠的情景。此时音乐急转直下, 以散板、快板来表现祝英台在梁山伯坟前向苍天控诉的感人场面, 逐渐形成了第二个发展高潮———哭灵投坟。最后在独奏小提琴奏出最后一个绝句后, 锣鼓管弦齐鸣, 祝英台转身投坟。全区达到最高潮。由此我们可以得知音乐是用听觉器官直接接受感性信息的, 它的欣赏主要靠人脑的第一信号系统, 。它直接诉诸人的听觉, 引起情绪反应。对一首乐曲的欣赏和理解可以根据不同的人、不同的审美方式来对其作不同的定义。音乐以音响作为物质材料, 它必须通过时间的运动才能展现。也就是说, 音响既不可见, 又不可触, 无形无体, 只凭听觉来感受掌握。音乐的具体音响运动构成了音乐的形式, 而作曲家在创作时企图通过音响所传达的信息成就了内容。

音乐语言构成了音乐的外部形式, 它是按一定的规律进行组合和运动的, 构成音乐语言的要素有节奏、旋律、和声、复调、配器以及音色、力度和密度等。

节奏是音乐的骨架, 通过节奏才能把音乐组织起来。而节奏与其他音乐因素结合起来可以产生许多审美效果。比如节奏速度加快可以使人产生紧张而激烈的情绪, 节奏速度放慢则使人精神放松甚至消沉。而旋律则是音乐作品中的主线条。它的优美与否直接决定着这部作品的个性色彩。也就是说, 不同的国家、民族、地区, 有着不同风格的旋律, 不同的历史时期, 不同个性的作曲家, 也会创造出不同风格的旋律。所以说旋律的风格化和个性化, 归根到底是由民族、历史的审美传统所决定。

音乐的美不仅在于它的形式, 还在于它的内容。李斯特认为, 音乐之所以被人们成为最崇尚的艺术, “主要是因为音乐是不加任何外力, 直接沁人心脾的最纯的火焰;它是从口吸入的空气, 它是生命在血管中流通的血液。感情在音乐中独立存在, 放射光芒。”

音乐艺术感觉与美育论文 第4篇

关键词：小学音乐;艺术美感;培养方略;美育教学

小学是学生学习的重要阶段，关系到学生未来的成长与发展。小学阶段的音乐教学，要求老师通过唱歌、乐器、音乐欣赏等教学形式，激发学生对音乐这门课程的学习兴趣，端正学生的学习态度，在此基础上增强小学生的创新与实践能力。

一、概述音乐艺术美感培养的意义

音乐艺术美感涵盖的内容多种多样，包括艺术情感、学习态度、审美意识、感受音乐以及欣赏音乐的能力等内容，而音乐艺术美感培养方式则是实现音乐美育教学的必经途径和重要手段，恰当选择和应用音乐艺术美感培养方式，对于丰富音乐教学方式是极为有益的。音乐相对于其他艺术形式来说，具有极强的表现力，单从这一点出发，音乐老师便可尝试培养学生的创造力，借助欣赏优秀艺术作品的方式便可美化学生心灵、陶冶学生情操。与此同时，音乐自身带有一种独特的感染力，细细聆听音乐的同时，会在无形中升华人的情感，会得到更多的情感体验，在一定程度上能够推动美育教学的发展。

二、小学音乐教学中培养学生艺术美感应用的具体方略

1.创建小学音乐优质情境，升华审美情感

现如今，不少学科都会采纳创建教学情境的手段辅助课堂教学，且这一方略在应用过程中取得了十分可观的成效，因而小学音乐老师可以尝试着将此手段应用于小学音乐教学，相信一定会有效提高学生学习的积极性，继而升华审美情感。但须明晰的是，小学阶段的学生稚气未脱、活泼可爱，看外界事物的眼光十分稚嫩，因而音乐老师在开展教学时，可以为自己设计一个相对温和的教师形象，用甜美温柔的教学语言、婉转动听的歌声与伴奏逐步打开小学生的心扉，唤醒学生内心最美妙的美感，让小学生在欢愉、活泼的音乐情境中引发自身的审美意识，进而培养审美能力、升华审美情感，最终达到实现小学音乐美育教学的终极目的。

创建优质音乐教学情境，一定程度上对优化审美教育效应奠定了基础，起到了烘托和推进作用，因此，音乐老师应竭力保障教学情境的品质，加强小学生的艺术美感培养。比如，老师在讲授《春来了》这一内容时，可以利用多媒体教学手段给学生展示透着勃勃生机的春天景象图片，将红花、绿草、莺燕以及小河等事物展现在幻灯片上，同时辅之《春天在哪里》《春之声》等音频，让学生直观感受到真实的春天情景，与此同时再由老师和着美妙旋律轻轻唱出《春来了》这首歌曲，以此加深学生对这首歌的印象、强化对此歌曲的理解和情感体验。又如，在学习《蜗牛与黄鹂鸟》这首欢快的儿歌时，由于曲调和内容都相对简单，所以，老师便可带领学生挖掘歌曲深层所要表达的内在情感，让学生在边唱边学的过程中体会蜗牛与黄鹂鸟之间的友谊情感，在适当的时候将这种情感迁移到班级学生之间，教会小学生儿歌的同时也教会他们如何与同学和睦相处，真正达到升华审美情感的目的。

2.妙用多种音乐教学形式，实现美育教学

小学音乐教学内容相对来说比较简单，包括唱歌、欣赏、简单演奏器乐以及识别简易乐谱等，看起来似乎没有太大难度，但是这些教学内容却包含了多种艺术美感培养方式和音乐教学形式，不仅要让学生掌握简单的音乐知识和歌曲，而且还要在音乐教学过程中教育学生讲文明懂礼貌、敢于表现自我、乐于参与音乐活动、培养乐观态度和友爱精神等，由此实现美育教学目标。红色经典歌曲作为小学音乐教材中的一大组成内容，对于小学生爱国情怀、民族自豪感的培育有着不可替代的作用，因而小学音乐老师可以尝试将目光投向红色经典歌曲，在教学中实现美育教学。

比如，老师可以教给学生诸如《鲜红的太阳永不落》《我们是共产主义接班人》《学习雷锋好榜样》之类的经典歌曲，让学生在歌唱“我们是共产主义接班人，继承革命先辈的光荣传统，爱祖国、爱人民，鲜艳的红领巾飘扬在前胸，不怕困难，不怕敌人，顽强学习，坚决斗争，向着胜利勇敢前进，向着胜利勇敢前进前进，向着胜利勇敢前进，我们是共产主义接班人……”这般激励性的歌词时，内心也涌起一片爱国的赤子之心，此时老师如若能够利用多媒体教学设备播放一些弘扬爱国主义情怀的视频资料，相信爱国主义情怀定然会在小学生的心中生根、发芽、发酵直至长成参天大树。这种在音乐教学过程中结合精神情感与音乐形象的做法，在一定程度上实现了师生之间情感上的交流与共鸣，也将音乐教学的意义从感性层面升华到了审美体验层面，意味着美育教学目的的达成。

总而言之，小学音乐老师要重视培养小学生的艺术美感，以此提高小学生艺术综合能力，同时还须明晰音乐美育教学的全面内涵，善于创建小学音乐审美情境、妙用多种音乐教学形式，从而真正意义上推动小学音乐高质量教学的稳健发展。

参考文献：

[1]高小亮.试论初中音乐教育中的情感体验[J].高考：综合版，2013（11）.

[2]吕春梅.小学音乐教学中实施美育教育的策略[J].学周刊， 2015（06）.

小学生艺术感觉培养探讨论文 第5篇

新中国的儿童现代美术教育严格来说是在20世纪70年代末真正起步，至今算来已有30多年了。改革开放带来的经济繁荣，举国上下对“科教兴国”的高度贯彻，特别是新课程改革中，首次把艺术学科作为核心学科之一，使得这项事业得以蓬勃发展。虽然儿童美术教育理论研究水平不断提高，但长期受限于儿童美术教育师资不足和人们惯常的“副科”认识，使得儿童美术教育的模式化、成人化倾向严重。具体呈现为以下三种教学现象：第一种是“反复训练教学法”，教师比较熟悉或擅长某一种画法，如花鸟画或山水画，教其弟子就反复训练这一种技法，学生达到非常熟练的程度，甚至成为所谓能画“齐白石的虾”或“徐悲鸿的马”的“天才儿童”。这些“天才儿童”画出来的画，固然精彩，可惜毫无创造力可言。第二种是“简笔画教学法”，有的教师以师范院校学习的简笔画教材为模本把构图、色彩甚至造型固定化，孩子的作画成为各种形式的公式组合。画房子是三角形再加长方形，里面还有田字形的窗户；画人物就是小小的嘴巴配上大大的眼睛等等。模式化的造型，千人一面，毫无生气。第三种是“专业技巧教学法”。这些教师可能出身专业美术院校，自身素质较高，但缺乏儿童美术教学理论素养，机械地让小学生画石膏，画景物，甚至临摹成年人的作品，过早地把专业院校的课程生搬硬套在天真活泼的孩子身上。儿童学习美术，要掌握一定的技能技巧，但是技能技巧却不是学习美术的唯一目标和内容。如果一个美术教师只懂得教学生美术专业知识和技巧，这样的美术课只能叫“美术技法训练课”。美术课程面对的是活生生的人，而不是掌握技能技巧的工具。美育要关注的是提高学生的审美能力和人文素养［1］，作为美育重要途径之一的美术教育的目的是以美育人，而不是向学生灌输美术知识。因此，笔者认为，小学美术教育要落实美育要求，首先应该注重培养孩子的艺术感觉。何为艺术感觉？艺术感觉就是指主体在事物中自觉地感受到美的真谛，产生美的.愉悦，并能主动创造美的一种审美心理能力。美国著名的美术教育家维克多罗思菲德在《创造与心智的成长》一书中把儿童的个人成长特征，分为7个观察点：智慧成长、感情成长、社会成长、知觉成长、生理成长、美感成长、创造性成长。”［2］这与《美术课程标准》的“关注文化与生活、健全人格”等理念是相互契合的。不可否认，人与人之间的艺术感觉差别是很大的。有的人认为艺术感觉是先天的，这种说法有些道理，人的艺术感觉确实存在个体差异。但是，笔者认为艺术感觉更有赖于后天的艺术教育，一个具有良好艺术感觉的人应该具备哪些特质？美术教育应该如何培养艺术感觉呢？笔者在此谈谈关于小学生艺术感觉培养的教学探索。

一、“多情”———激发多元情感

情感是艺术诸多要素中最重要的一项。没有感情就没有美术。人的情感，一方面来自先天，成语说“七情六欲”。另一方面则是后天的养成，例如热爱生活、热爱祖国等等。在美术教育中，教师应当把握情感的教育，培养学生健康、丰富的美好情感。平时，每一个人的情感都是处在相对平静的状态，而在美术课堂中，教师要有意识地营造一种教学情境，让孩子的情感得以激发，使之动情，乃至于升华。一个优秀的美术教师如同催化剂一般，能使学生兴奋激动起来，而后引导孩子运用艺术表现形式尽情去表现、宣泄、抒发这些情感。在教科版艺术第六册《小树快快长》一课中，笔者通过“种树、感树、演树、赏树”等环节，营造课堂氛围，极大地激发学生爱树、护树、赞树的情感，然后通过“画树”把这些情感抒发出来。虽然孩子的画笔尚显稚嫩，但一笔一画发自孩子内心，尽情表达。

二、“善感”———发展感官知觉

有良好艺术感觉的人，他们的情感往往特别丰富。经常能从常人视而不见的事物中发现美，为美而感动，这种艺术敏感性是可以通过培养的。美术是视觉的艺术，美术教师要教会学生用“艺术的眼睛”去观察周围事物，对事物的造型、色彩等美术因素进行观察和欣赏。除了视觉以外，嗅觉、味觉、触觉、听觉等感觉的训练也很重要。艺术教师应当有意识地知道学生去闻、去尝、去摸、去听……经过这些训练的孩子，他们的艺术感受能力一定比一般人更为细腻、敏锐。与此同时，教师还要有意识地培养孩子对于各种事物的感受。兴趣是艺术感受里的前提，只有爱好广泛，才有可能造就良好的艺术感觉。

三、“超脱”———树立审美态度

现代工业社会，使得人们对待事物的态度往往带有功利色彩。同样一匹马，在商人看来，他看到的是马的经济价值；在牧民眼里，他注意到的是马的筋骨强壮，能拉车载货……而在具备良好艺术感觉的人却可以注意到马儿那光滑油亮的皮毛、体格强健，马儿虽然默默无语，却有一种不惧艰难、勇往直前的伟大精神。这一些感受都能让人的内心感受到一种愉悦，这就是美的享受。其实，孩子的心灵是洁白无瑕的，天生就有一种超脱世俗的审美态度。教师应当要千方百计保护住孩子纯洁的心灵世界。有些家长让孩子学画，往往带有功利色彩，而教师也会把成人世界的理解强加给孩子，例如教给孩子画成人作品，更有甚者为了参加美术比赛获奖，由成人代替孩子构思作品，甚至代笔。孩子本应有美妙的艺术体验，却在成人的功利目的中，完全丧失了天真活泼的自笔者，这样的艺术学习怎么可能会有愉悦的审美体验？

四、“浪漫”———培育想象能力

“浪漫”的具体表现是很容易忘掉现实生活，而进入一种境界。一个具有浪漫气质的人，首先靠着“幻想”，很容易进入了自己超越现实的幻想世界。每一个孩子都有自己的童话世界，他们最喜欢的就是幻想。美术课堂中，教师要有意识地激发学生去想象，为他们营造幻想的情境，使他们的意识能够神游四方，自由自在地翱翔在艺术情境中。其次，一个具有浪漫气质的人靠着自己的“想象力”，很容易进入图画、声音甚至文本所描绘的情境。他们的想象力，引领他们走进了画中、声音里、书本上，达到身临其境、深有感悟的境界。把自己变成了作品中的人物，体会到每一种情感。同样欣赏米勒的《拾穗者》，一般人看到的不过是几个外国农妇在捡麦穗。而一个具有浪漫气质的人却可以描绘出这样的场景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。尽管她们身后有着那堆得像小山似的麦垛，却不属于她们。农妇们侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视那已经拾过一遍的麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗［3］。学生将来未必会从事美术专业，但是一个具备良好艺术感觉的人，他们总是从生活中感受到比一般人能更多的美的享受，体验到更加丰富的生活。小学美术教育更当把教学的关注点放在培养学生具备良好的艺术感觉，让学生拥有更为积极快乐的生活态度，身心得以全面健康地发展。

作者:范祝君 单位:晋江市深沪镇科泉小学

参考文献：

［1］韶关日报.提高学生的审美和人文素养［EB/OL］.［2016-04-12］.edu.gmw.cn/newspaper/2016-04/12/content_111664269.htm.

［2］维克多罗思菲德.创造与心智的成长［M］.长沙：湖南美术出版社，1993.

音乐艺术感觉与美育论文 第6篇

音乐艺术是一种听觉艺术，无形艺术，它以声音为表现手段，诉诸于人的听觉，是一种有情感的艺术，时间的艺术，它的载体是声音和音响等媒介，借助于节奏、音响、旋律等以无形的艺术形式来传达精神。绘画艺术是一种视觉艺术，空间艺术，它通过运用各种艺术媒介如笔、墨、纸、砚等来将创作者大脑中的意象用点、线、面、光、色、影等媒介传达给观者，用一种平面的方式来传达创作者所要表达的精神情感。音乐艺术与绘画艺术同属于艺术范畴，两者之间存在着共性特征，但是在欣赏和创作角度上又有着各自的特点。

一、从欣赏和创作角度分析两者的内在特性

1.从欣赏角度来看，音乐是一种时间艺术，绘画是一种视觉空间艺术。

我们欣赏音乐，从细节、局部开始，直到最终演奏结束，我们才会从中体会到意味，它在时间里展开，在时间里运动，又在时间里结束，所以音乐艺术是一种时间的艺术。而绘画是在平面的材料上描绘，用二度平面创造三度空间的艺术。我们观赏一部绘画作品，绘画作品会以最直接的方式给欣赏着留下整体印象，而后才会具体分析其作品的细节之处，绘画作品要求整体的和谐，具有很强的空间比例布局，近大远小，近实远虚，它运用富于变化的线条在一个平面的空间里充分展现，所以绘画是视觉空间的艺术，此为音乐艺术与绘画艺术的一个不同之处。

2.从创作角度分析，音乐是一种表演艺术，而绘画则具有不可复制性。

音乐作品只能通过表演才能被听众接受，不论在创作之初，还是在创作之中，听众并不能很好地去领悟与了解这部作品，只有在创作结束之后才能被表演，才能让听众从乐谱、从演奏中发掘其妙处，这个演唱、演奏的表演过程也即“二度创作”的过程，可以无数次地进行，这种二度创作是积极的，可以加深作者对作品的领悟和技术上的修改与处理，使作品不断地向更优秀的方向发展。而绘画作品则侧重于它的不可复制性，创作一幅绘画作品，画者只有一气呵成地用笔将心中的意象用线条勾勒出来，才会具有浑如天然的意境。但是每个创作者的手法、风格、笔力以及色彩调和的浓度不同，创作出的作品也会不同，即使模仿技术再高超，也不能和原作一模一样，都会略有不同之处，这就是绘画作品的不可复制性，而在乐谱上音乐作品则不同，它可以反复修改直到创作者满意为止，这一点也是两者的不同之处。

二、音乐艺术与绘画艺术的共性

1.两者都是对人的感官的刺激反映。

音乐艺术和绘画艺术都是通过对人们感官的刺激从而使人产生精神上愉悦的审美体验，音乐诉诸于听觉器官，绘画诉诸于人的视觉器官，虽然感官不同，但都是一种情感艺术，他们都能通过自身的特性来激发人们的情感，音乐艺术用高低快慢不同的节奏、调式来抒发情感，借助声音媒介将情感传达，而绘画作品则用色调、明暗、内容等形式将作品所要表达的精神传达与感染欣赏者，用一幅幅作品给欣赏者展示历史的、民间生活的、抽象的等不同艺术形式的风采，用这些绘画元素来刺激人的视觉器官，加深对艺术作品的审美理解。

可见，不论是音乐艺术还是绘画艺术，这两种艺术形式尽管使用的媒介不同，但都可以用不同的艺术表现形式来促进欣赏者在欣赏过程中审美情感的提升，透过不同的风格特色让欣赏者更好地领悟其作品的内容与情感，把握其作品的精髓。

2.两者都可以取材于客观事件或事物。

音乐与绘画艺术都可以取材客观事物的参照反应或取材于形象生动的民间故事的一部分，也可以取材于某一种艺术种类作品所传达出来的精神特征。例如《拾穗者》就是受到人们在农场干活的这一实际生活场景的真实反映，《高山流水》《百鸟朝凤》又是对大自然真实美景的形象描写。一曲《梁祝》取材于一个民间爱情故事，用优美、舒缓、凄惨等不同的音色与节奏来抒发这一凄美故事的叙述。由德拉克洛瓦(1789―1863)所作的《希阿岛的屠杀》取材于史实，用昏迷呻吟的老人，病去的老妇，痛苦不堪寻乳的孩童，被绑在马背上的少女，再看入侵者那邪恶的面孔，残酷的掠夺枪杀，与受难者形成鲜明悲惨的对照，不得不令观众情感动容。 所以总的来说，二者虽然是两种不同表现形式的艺术作品，但都是取材于民间生活或大自然的客观事物或历史故事，再充分利用不同的形式来刺激听觉或视觉感官，将主题内容表现的淋漓尽致。

三、音乐艺术与绘画艺术之间的联系

事物之间是普遍联系的，音乐艺术与绘画艺术也不例外，这两种不同的艺术门类之间也存在着联系。

1.音乐艺术具有绘画艺术的色彩因素。

音乐用不同的音色，不同的乐器，不同的音响来共同组合创作，就如同绘画中不同的色彩会给人带来不同的感受一样，在绘画中的暖色系能给人带来一种有温度，暖洋洋，或者炽烈的感觉，而黑、白等冷色系则给人一种冷冷的感觉，而音乐中的高音低音，旋律音色的不同，同样和绘画中的色系一样给人们带来不同的感受，《百鸟朝凤》用欢快的曲调，仿佛真的有百种鸟类在欢乐的鸣叫，用这种轻快优美的节奏来给人们展示高兴喜悦的情感。而《码头工人歌》中缓慢的节奏、沉重的.音调、反复强调的重音等等，给我们一种身临其境的疲惫不堪的劳动工人辛苦劳作的场景，所以说音乐艺术中有着动态的绘画艺术色彩。

2.绘画艺术具有音乐艺术的动态性。

绘画艺术始终以色彩的浓度变化，线条排列的长短粗细形状等类似音乐艺术的节奏韵律一样占首要地位，宗白华先生认为中国画是“气韵生动”。由于画家的风格不同，所以绘画作品的表现手法也不尽相同，但他们都用不同线条的运动趋势、色彩的自身表现力来展现，又如同音乐艺术中高低、快慢不同的节奏和韵律一样。只不过绘画艺术是用静态的表现形式表达了音乐艺术所包含的艺术特色。五代南唐顾闳中的名作《韩熙载夜宴图》，从图画中我们可以看见轻歌艳舞、琵琶弹奏的热闹场面，在欣赏之中我们似乎是瞬间把这静态的图画转化为一种动态的有着曲子琵琶弹奏的音乐场面，从中营造出一种美的气氛，令人身临其境的奇妙感觉。所以说在绘画艺术中总是和音乐艺术有着千丝万缕的微妙联系，而这种联系又在彼此的相互联系，相互融通、促进。

四、结语

不同艺术门类均有各自的特点，音乐艺术的特征在于追求美妙的旋律、音色，以传达出不同艺术效果的作曲，绘画艺术的特征在于追求用点线、色彩、光影来塑造新的艺术角色形象来诠释对美的一种认识，是对现实生活的展现。在一定意义上，这两种不同的艺术门类有着本质的区别，但是又有着相似点和共同点。事物是普遍联系的，在音乐作品中融入丰富的色彩来赋予听觉艺术的审美特性，在绘画艺术创作时舒缓的音乐也有助于优秀艺术作品的诞生，可以激发创作者的灵感，以更丰富的情感、更投入的状态创作出更加优秀的作品。所以说这两种不同的艺术形式在有着个性的基础上渗透交融，更有助于艺术创作活动的发展，因此我们应当更好的让不同门类的艺术相结合，共同来促进艺术的成长，丰富艺术的内涵。

参考文献：

[1]齐易张文川著，《音乐艺术教育》，人民出版社，。

[2]胡凌著，《绘画艺术教育》，人们出版社，2001。

论音乐的具象与抽象艺术论文 第7篇

内容摘要：文章从具体与抽象这一对充满辩证唯物主义因素哲学的视角审视音乐中的一般要素和音乐的接受客体，提出音乐的具象与抽象。

关 键 词：音乐 具象 抽象

音乐在人们的现代生活中已经是家喻户晓的一种无形存在的事物。音乐在现代人生活中的影响力和感染力是不言而喻的，音乐已经成为现代人生活中一种不可或缺的精神食粮。音乐的发展进步折射出社会的发展趋势和人群的思想理念。笔者将主要从音乐的整体含义上阐述音乐中存在的一些具体和抽象的音乐因素。

一、具象与抽象的内涵

抽象一词原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。抽象是从众多的事物中抽取出共同的、本质性的特征，舍弃其非本质的特征。要抽象，就必须进行比较，没有比较就无法找到共同的部分。抽象艺术是那些艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。

抽象艺术则在20世纪兴起于欧美。诸多现代主义艺术流派如抽象表现主义、立体主义、塔希主义等均受此影响。现代抽象艺术大致可分两种：一是对自然对象外观加以提炼或重组，使之简约;二是完全舍弃自然对象，以纯粹形式构成出现，称纯抽象。前者有两种类型：一种以自己对事物的概念为创作依据，减去被认为是次要、偶发的因素，追求一种本质的内容;另一种则从个别特殊的自然对象中抽取艺术形象。后者分情感型和理智型两类。情感型被称为热抽象，如W.康定斯基、J.米罗等;理智型被称为冷抽象，以K.C.马列维奇和P.蒙德里安为代表。抽象主义思潮盛行于20世纪50年代。现代抽象艺术运动整体上是对模拟自然传统的反叛，它对现当代艺术产生了深远影响。

在艺术领域里，以作品与自然对象相似程度上来划分风格的概念，就可分为具象艺术(Figurative Art)与抽象艺术(Abstract Art)。具象艺术(figural art)指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性的特点。古希腊的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，故被看作这类艺术的典型代表。其实，其他具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，从欧洲原始的岩洞壁画艺术到文艺复兴时代的宗教壁画;从印度的佛教艺术到中国的画像砖石等。

马克思指出，具体是许多规定的综合，因而是多样性的统一。恩格斯说，一和多是不能分离的、相互渗透的两个概念，而且多包含于一之中。同样，一包含于多之中……具体是普遍性规定和特殊性规定组成的统一体。所以说，抽象源于同一，具体源于对立。抽象拥有量，具体拥有质。抽象是基本的宏观的`范畴，具体是指特殊的微观的范畴。抽象是具体的本质，具体是抽象的现象，两者不可分割。抽象存在于具体之中，不可脱离具体而独自存在。不存在具体脱离抽象这个问题。因为抽象是外加于具体的，先有具体，然后才有抽象。音乐中处理和分析好这两者之间的关系是促进音乐研究和音乐发展的必经之路。音乐中的抽象与具体，笔者从音乐的一般要素和音乐的接受客体进行分析。

二、音乐要素的抽象与具象

抽象的描述音乐是凭借声波震动而存在，在时间中展现。又可描述为，音乐通过人的听觉器官接受乐音的同时引起人的各种情绪反映和情感体验的艺术门类，是人类所创造的诸多文化的一种类型。那么具体的阐述音乐，它应该是由旋律、节奏、音色、和声四大基本要素组成的一种事物。当音乐经过具体概括和抽象描述后，我们结合两者共同研究音乐，音乐变得更加清晰透彻。

1.音乐要素的抽象

旋律总能给人喜悦、积极向上、光明、胜利、忧伤、哀愁、苦闷、失望等情绪，这种感觉是无形的，令人无法触摸的。旋律是音乐的灵魂，是给人审美音乐的最直接的武器，它在音乐中的地位和角色是无与伦比的。节奏是音乐的核心。通过节奏变化和旋律变化的有机结合，音乐作品获得内在的生命力。不同的音乐作品运用不同的节奏，常常给人截然不同的感受。宽广的节奏给人宏伟壮丽的感觉，因此在许多颂歌性的作品中常用到;密集的节奏，给人以活泼紧张的感觉，故，我们在电影音乐中也常可听到快速频繁的密集节奏很好地烘托出画面上的紧张气氛;此外，规整的节奏总给人一种庄重、平稳的感受，自由的节奏却令人顿感舒展开阔等。节奏的合理运用会使音乐形象和情绪得到加强和完善。音乐作品的节奏也是作品的个性风格的体现，它能使作品旋律流畅，富有活力;音色是音乐的表现手段。人声的音色可以说是最美而最富有表现力的音色了。男高音色彩明朗、辉煌，充满无穷的魅力;女高音则明亮、华丽、优美;男中音深沉、雄浑，富有力量;女中音柔美、宽厚。这些声部的特有色彩常就赋予了音乐作品特有的艺术表现力。如，男高音的演唱使作品更具英雄气概，女高音演唱更显秀丽婉转。在器乐作品中，各种乐器都代表一定的个性和音乐形象。弦乐器的音色连贯、流畅，富有歌唱性，常担任主旋律的演奏;铜管乐器体现了军人的气质，号角般的力量;木管乐器表现出牧歌般广阔柔和，田园般的气氛。所以，音色的变化组合就成为各类重奏重唱、合奏合唱以及交响乐的重要手段。如小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，就充分地运用小提琴独特的音色和交响乐队千变万化的混合音色，成功地塑造出了一对忠贞于爱情的青年男女的艺术形象;和声是烘托主旋律，表现多层次、多结构丰满的主题。这是一种多元素的集中与联合。再如，德沃夏克的“新世界”交响曲第二乐章主题前运用了一连串和声连续进行，立刻就把人们带入悲惨凄切的气氛中，加上弦乐器带弱音器的效果，(转第66页)(接第70页)更让人顿时感受到那种孤独和思乡愁绪。

2.音乐要素的具象

旋律是由高低不同的音的排列变化构成的一条运动线。单独一个音不能形成音乐，而不同音高的音组合在一起形成了旋律。一首作品的旋律线常被分成若干个乐句，就像说话时的分句一样。构成旋律的一般要素是7个音符(它可被分成12个均等半音)，但它们构成的旋律却可能是无限的。节奏是指各音在进行时的长短关系和强弱关系。节拍在强拍和弱拍间均匀交替。另外，音的强弱变化和不同音色运用对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。通过这些对比和变化，可以大大丰富和加强音乐的表现力;和声是指两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行有强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和之分。不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的具有倾向性，因此构成了和声的功能体系。和声的功能直接影响到音乐的内在力度与动力的大小。

从抽象和具体两个视角分析音乐的一般要素，我们不难发现，音乐要素的抽象与具体息息相关，没有具体的描述，无法理解音乐的抽象。没有抽象的概括，无从谈及具体的要素。二者是融为一体的，所以说，音乐的研究必须从两方面同时入手才能更清楚地认识音乐并促进音乐更好地发展。

三、音乐接受体的抽象与具体

从抽象的角度上讲，音乐的接受体是音乐的欣赏主体，欣赏者通过自我感情的凸现与音乐的变化相结合构成了对音乐的整体评价。接受体拥有对音乐的主观评价。音乐的接受者在一定程度上左右着音乐的价值趋向。从另一角度讲，音乐接受者是音乐的伯乐，一首好的音乐作品能否体现它的真正价值，需要有优秀的接受者。

从具体的角度上讲，接受体就是在音乐以自己的风格和形式表现出来时，那些存在于音乐周围的具体的事物，是分析和消化音乐基本因素的细胞和生命。人类的听觉神经是不可忽视的接受体。听觉神经细胞就是最基本的接受体。

从具体、抽象两方面看，我们会发现，音乐的接受体是不容忽视的一部分。只有培养更多的音乐伯乐，才能创造出更好的音乐作品。

结语

在分析音乐中的抽象与具体因素之后，我们应该更加清晰地认识到，事物的存在和发展是双层次的，是感观和直观的结合。只有在感观与直观、感性与理性、抽象与具体、表象与实质的综合角度出发才能更加完全地认清事物的发展。音乐的研究也不例外，只有我们从音乐的基本规律出发，按照音乐发展的一般规律，通过多层次、多方位的研究才能更好地认识并促进音乐艺术的发展。

参考文献：

[1]刘陈秀珍.抽象与具象的融合――论昆德拉《不朽》的复调性.南平师专学报[J].(3).

[2]刘邢维凯.全面现代化，充分世界化：当代中国音乐文化的必由之路.中国音乐学[J].(4).

音乐艺术感觉与美育论文 第8篇

一、了解、感知艺术文化的历程,树立自豪感

每个音乐学院或学校都有办学历史。让学生充分认知学校的办学过程和历史,了解学校的历史和过去的荣誉以及学院的文化,树立学生对本院校的热爱以及作为本院学生的自豪感和归属感。比如,在学生入学后,就开始让学生了解,什么时间成立的学院,在过去的时间里学生、老师在专业上取得的成就,在国内或国际的专业比赛中的获奖情况等。上海音乐学院就是一个非常好的例子,因为它本身的知名度,在读或已毕业的学生就非常有学院归属感和自豪感,作为该学院众多优秀学生中的一员,学生的学习积极性也自然喷发。这一切形成了学院的文化,赢得了学院在社会上的知名度。在声乐教学过程中,经常让学生了解学校的艺术文化历程,促进学生自豪感的树立。

二、创建艺术文化情境,感受声乐艺术之美

应该十分重视声乐文化艺术的熏陶,传输给学生美的理念,进而让学生学会自己去发现美、欣赏美、创造美。

(一)创设乐曲优美旋律情境,诱发声乐艺术兴趣。在声乐教学中,教师应该非常重视选择旋律优美的乐曲,通过“音响播放乐曲间接感知优美的旋律、钢琴弹奏乐曲直接体验优美旋律、教师范唱歌曲感受优美旋律”等习前三部曲,激发了学生爱音乐的情怀。在学生跃跃欲试的时刻 , 让学生练唱 , 自主参与到学习情境中,通过反复的听、唱、演来提高他们的审美情趣和审美能力,从而诱发他们自然而然地喜欢声乐课、喜欢声乐艺术。

(二)创设母语教育情境,感受声乐艺术魅力。著名符号哲学家卡西尔说:在某种意义上,言语活动决定了我们所有其他的活动。我们的知觉、直观和概念都是我们母语的语词和言语形式结合在一起的,要解除语词与事物间的这种联结是极为艰难的。但是,当我们领悟了歌词的神韵时我们总会有这样的感觉,似乎进入了一个新的世界,一个有着它自己的理智结构的世界。这就像在异国进行一次重大发现的远航,其中最大的收获就是学会了以一种新的眼光来看待我们自己的母语。

在教学外国作品时,应该总是先让学生用母语理解作品语词的内涵,从中领悟歌词的神韵。通过对著名作品中包含的声乐语言的领悟,提升学生对声乐艺术的感受力、欣赏力,启迪他们潜在的艺术心智,体验声乐语言艺术的魅力。

(三)创设声乐艺术实践机会,体验丰富的文化生活。应该通过创建声乐合唱团、舞蹈团、独唱团等多个艺术团队,定期开展学生艺术展示活动。充分发挥自我艺术天赋,丰富了精神生活,智力和情感也得到了健康和谐的发展。

三、参与声乐文化的创建,培养责任意识

(一)激发创作欲望,感受声乐艺术的神圣。把艺术文化教育作为突破口和载体,通过艺术文化的熏陶,学生渐渐提高了审美能力和创造能力,出现了创作的激情。尽可能让学生直接参与艺术文化的创建活动,各文艺团队的学生自编、自唱、自演,积极参加各类声乐艺术比赛,在编排作品的过程中,让学生感受到声乐艺术的神圣。

(二)建立创作评价机制,树立责任意识。为学生建立比较具体的评价内容,以奖励为目的,让学生体验学习的乐趣。引发学生探究性的学习方式,让学生在取得成绩的同时,自信心、责任心、成熟感不断增强。

四、塑造教师艺术形象,美化学生优秀品格

(一)丰富知识涵养,积淀美。人类社会已经进入了全球一体化,任何一门学科必须着眼未来,着眼全球,着眼自己的文化传统,才能够持续健康地发展。音乐学科的发展面临同样的问题。音乐课程的改革和实施需要每一个音乐教师具备新的思维、新的知识结构,新的思维不再仅局限于传统模式,更强调多层、多元复合的结构模式,创新的知识性结构。

从各门艺术学科来看,音乐学科的综合性相对比较强,它包括了历史、地理、舞蹈、律动、文学和歌唱等多门艺术学科知识和技能。一个具有专业称职的音乐教师,应该博览群书,增加自己各方面的知识和艺术修养。学习政治、文学、历史和有关音乐的其他门类学科,能使教师对音乐有更深更广的理解能力和阐述能力。不能只局限于对教学大纲的研究,涉及的艺术范围越广,在课堂中,教师的满腹经纶如多元的活水,能激活声乐中蕴含的艺术生命力。

(二)提高教学能力,酝酿美。上面已经提到,音乐是一门综合性比较强的艺术学科,音乐教育更是非常值得研究的艺术教育学科,音乐教育理念、教育教学方法,都是非常值得研究的。只有通过研究这些教育教学方法,才能提高教学能力。

什么是能力?从心理学理论分析,能力,就是人们顺利完成某个活动的个性心理特征。而能力总是和实践活动紧密联系的。毋庸置疑,教师的音乐能力包括音乐理解能力、音乐表达能力、音乐感染能力和其他影响音乐教育教学效果的素养。因此,音乐课程的改革要求音乐教师有更高的音乐能力,更广的艺术修养,以及创新和研究的能力。

叔本华说:“读书是走别人的思想路线,而创作才是走自己的思想路线,只有经过自己的思想路线,把读书得来的知识消融掉,才会变为自己的东西。”具备创新能力的音乐教师也会有更深的分析研究能力,对音乐作品的个性特征有更深的感受能力和分析判断能力。

音乐教师在学生面前还应表现出很强的研究和创作能力。不仅在音乐技能上要非常娴熟,还要懂得很多的音乐历史、音乐知识,具备写作教案、教学随想、论文写作,以及学科研究等能力。

音乐教师要从心底深处去感应、领悟和阐释教学生活和人生。音乐教育科研非常艰难,是每个音乐教师历练自己的过程。在教材的选择和应用上,针对不同学生选择不同的教学方法;在课堂上和学生交流的过程中,演示音乐表达能力、审美能力、感受能力、感染能力;在课堂组织中,让学生学会自我管理,和教师互动;在课后进行反思,总结经验和教训,在原来的教学经验中迸发创新思维。各种能力的完善结合才能使音乐教师高效完成声乐课程任务。在学生的眼里,音乐教师就像一只勤劳的蜜蜂,默默酝酿着甜美。

(三)掌握声乐专业知识,传递美。一个称职的声乐教师,不仅应具备基本的音乐专业理论知识和专业技能知识,也应该具备各种艺术文化知识,熟读中国音乐史、西方音乐史、中外文学史,以及其他的音乐理论等,这是评价一个音乐教师功底如何的基本标准,不过要强调的是音乐教师要在实践中灵活运用这些知识和理论,而不是机械地复制。在课堂上,声乐教师应该表现出较强的歌唱能力,无论什么歌曲,声乐教师的演唱应具备相当高的专业水准,应是字正腔圆,优美动听,声情并茂;与音乐理论学科的教师相比,声乐教师还应该是钢琴弹奏家,要有过硬的弹功,为声乐作品的演唱渲染足够的艺术气氛。声乐教师还要出口成章,名篇佳段不离口,名曲名调不离口,准确传达专业知识,让学生在愉悦之中接受音乐的熏陶,从而培养声乐演唱能力。学生们在仰慕教师艺术技能和知识的同时,主动学唱,跃跃欲试与老师比高低,充分展示自己的才华,艺术情感自然而然地得到激发。教师若有学者的风范,学生就会如飞蝶恋花般地崇拜老师,崇拜知识。

(四)积淀人格素养,赢得美。十年树木,百年树人。音乐艺术的教育目的,是净化人的灵魂,揭示人性美、自然美,并表达美。学生在知识的成长时期,也是个性美、思想美、灵魂美的成长时期,在这个时间内,音乐教师对学生进行人格的塑造。美的知识传播和表达美感受美的能力培育,是一个人成长中至关重要的。教师的人格也是进行教育的“基石”,教师要具备高尚的人格魅力。音乐教师的人格内涵除了丰富的音乐知识和技能,还应具备公正、宽容和爱的人格魅力。启发、引导学生内心丰富的感性世界,使每个学生都能认识自身人格发展中的能力、智慧,使他们全身心地投入专业学习,发挥理智的最大潜能。让学生在美丽、谐和、舒适、友爱的氛围中体验成功。

老师的言行是学生的榜样,我在跟学生上课时,很注意语言的分析,以柔美、甜润的语言打动学生的心。教师得体大方的衣着打扮对大学生审美观的影响也是极大的。在生活中,我非常重视自身形象的塑造,始终坚持以大方脱俗、高雅清新的仪表出现在学生面前,让学生目之所及,赏心悦目,让学生在感受音乐美的同时,感受到生活的美。

教师的严以律己、宽待他人的人格更为学生的成长打下了烙印,不管是课堂言行,还是日常行为,我们都应该自律,要以教师的人格魅力赢得学生的信赖。在我们的努力下,学院形成了一道亮丽的风景。学生在这样的环境中学习,怎能不感到美在其中,乐在其中。学生艺术情操的陶冶和提升也便水到渠成。

摘要：如何激发音乐院校学生学习音乐的积极性和能动性,一直以来都是高校教师研究的课题。本文从了解、感知艺术文化的历程,树立自豪感;创建艺术文化情境,感受声乐艺术之美;参与声乐文化的创建,培养责任意识;塑造教师艺术形象,美化学生优秀品格等四个方面阐述如何在艺术文化情境中陶冶情操,并探讨在音乐院校声乐课程中如何进行审美教育。

音乐艺术感觉与美育论文 第9篇

一、清代宫廷音乐的时代特征

（一）统一性与多样性交替的时代特征

清代宫廷音乐按其主要用途及用乐场合、对象可分为两大类：典制性音乐和娱乐性音乐。典制性音乐包括祭祀乐、宴飨乐、朝会乐、巡幸乐，被称为“清乐四品”或“清乐四部”。典制性音乐主要配合典礼完成仪式而进行，依附于政治意识形态，具有统一性、严肃性和隆重性、偏为板眼等特点。魏文侯“听古乐唯恐卧，听郑卫之音不知倦”说明“雅、郑”所呈现的不同功效，也预示了随着历史的前进，这种过于板眼的礼乐发展空间将会狭小，甚至为娱乐音乐发展的浪潮所淹没。而这里所说的娱乐性音乐其目的、演出场合、及对象主要是为了满足统治者及宫廷人员的休闲娱乐需求而设置，并在众多娱乐性场合进行演出。

清代宫廷音乐中娱乐音乐的主流当属戏曲音乐。戏曲在清代宫廷娱乐性音乐中作为主流形态而发展。这一现象反映了人们对于丰富多彩的娱乐性音乐的需求较前代相比有明显增长，具体而言与清代政治经济文化的发展密不可分。戏曲以其独特的艺术魅力愉悦着各类人群的日常生活，无论平民百姓、王宫大臣、帝王后妃都对戏曲情有独钟、津津乐道。其雅俗共赏的特点在清代繁盛一时，达到顶峰。康熙帝统治期间，“海清河宴，岁时式序”“比户皆弦诵之”。乾隆时期，无论是民间茶楼艺馆，还是宫廷后苑，戏曲舞台演出的盛况无不彰显戏曲巨大的社会影响及人们对于戏曲的迷恋程度，可谓知音满堂。

（二）地域性与民族性交融的时代特征

清代宫廷音乐中的歌舞乐以其盛大纷杂的演出效果，成为宫廷音乐中不可缺少的一部分。在清代，不同少数民族的歌舞乐历经民族间的交流融合，在演出形式、表演内容、歌词配乐等方面均有突破，无不彰显地域性与民族性交融的时代特征。

庆隆舞是清朝统治者所属民族——满族所创的传统舞蹈，也是清代最重要的乐舞之一。“庆隆舞”产生于今松花江流域、黑龙江中下游，在地域环境影响下，“蟒式舞”在节日及宴会等仪式被表演，成为表达人们欢庆与祝福的特别符号。莽式舞有诸多样式：起式、摆水、穿针、吉祥、单奔马、双奔马、怪蟒出洞等，规模宏大，参演人数众多，被用于严肃性、程序化的重大仪式之中。另有木卡姆、囊玛等带有浓郁西域特色乐舞进入宫廷，从中也不难发现这些乐舞颇具地域性与民族性交融的时代特征。

另外，清朝作为一个统一的多民族国家，少数民族入主中原的历史特殊性使其更加注重同周边其他民族的交流与联系。清宫燕乐主要表现为少数民族音乐，例如四夷之乐。在其对外征服其他民族，统一政权的过程中先后吸纳了高丽国排、瓦尔喀乐、蒙古乐曲、番子乐、回部乐、缅甸国乐、安南国乐并用于宫廷宴飨，进而增加了清代宫廷音乐的种类。

（三）继承性与创新性兼备的时代特征

清代承袭明朝宫廷音乐管理体制，设立教坊司，管理宫廷音乐及排演事务，其表演者多为江南地方搜罗而来的乐工。与前代教坊司不同之处在于，清宫廷燕乐由教坊司女乐承担。1644年多尔衮率领清军入关后，顺治帝从民间挑选十八乐工，组成随銮细乐，大多在皇帝巡幸或举行祭祀典礼时奏乐演出。

清朝统治者对宫廷音乐是特别重视的，但由于地域限制并其祖先为北方少数民族，长期的游牧生活形成游牧文化。在其入主中原后与先进的农耕文化碰撞交流，面对历史悠久长期处于强势地位的汉族文化，清朝统治者进行逐步“汉化”的过程，因此清代的宫廷音乐基本沿袭前代，符合社会及历史发展趋势。同时，清代的统治者在一些方面进行了创新，体现浓厚的过渡性特征，对于今天文体院团之管理体制的改革有着很强的借鉴和启迪意义。雍正时期，中国历史上长达两千多年的乐籍制度被取消，乐人由原先的封建人身依附关系改为雇佣关系，乐户的“贱民”身份从法律层面上得以消除，逐步提升了宫廷专业音乐演员的社会地位，进而从根本上促进了清代宫廷音乐的发展与建设，显示了继承性与创新性兼备的时代特征。

二、清代宫廷音乐的文化发微

清朝统治阶层，为了其统治利益，面对长期并处于强势地位的中原文化尤其是儒家文化，只得接受汉文化，继承其精华部分达到统治满汉的目的。清代宫廷音乐在与汉族文化的融合中得以充实和延展。同时宫廷音乐的长期发展过程中对传统儒家文化有著多方面影响。具体表现是继承并且充实中国传统汉民族音乐文化的形态，传统雅乐并延续其主导地位。

宫廷雅乐从内容上多为程序化音乐，大多为庄严而隆重，歌功颂德，宣扬统治思想，风格上平和典雅。清代更为重视雅乐，具体而言，宫廷音乐中最具代表性的雅乐是用于祭祀、朝会、大阅的中和邵乐。在传统的观念中，雅乐与俗乐之间的绝对界限不能逾越，结合中国古代音乐的实际发展状况来看，宫廷音乐中用不用俗乐，取决于统治阶层的诉求。清初，俗乐开始进入宫廷“国初亦设教坊司，而朝会宴飨所奏，有用时俗曲调者。”“太常乐员例用道士。”这一事实表明清初雅乐中亦有俗乐的身影，但俗乐并不占主流地位。清代提倡雅乐可兴，郑声不可废，更是坚持了雅俗融通文化的益处。乾隆时期是清代宫廷雅乐最为鼎盛的时期，其宫廷中的娱乐性音乐则更胜一筹。戏曲音乐充斥宫廷，歌舞升平，成为宫廷音乐另一主流文化。

综上所述，从儒家文化、俗乐文化等维度延伸，可以窥见清代宫廷音乐的包容性。一方面儒家文化引导着宫廷音乐的内涵，另一方面娱乐文化又丰富了宫廷音乐的形态。统治者的推波助澜使儒家文化、俗乐文化、宫廷文化三者并未相互排斥，而是以一种并存状态互相渗透、互相影响，符合儒家文化的“中和”思想。清代宫廷中的典制性音乐——祭祀乐对礼乐文化有深层影响。从隋唐始已明确将祭祀分为三等，清帝王也依此旧制。据史料记载，清代宫廷每年的祭祀活动非常频繁。清入关之前祭祀活动、仪式、对象简单，主要是满族的祭祀传统，如祭堂子、祭祖先等常祭。入关之后吸收了汉文化，祭祀对象众多，范围扩大，并且承袭周代传统，将祭祀对象分出等级，配以不同的音乐规模、乐器编配和祭品等。