外国美术简史复习资料（精选6篇）
外国美术简史复习资料 第1篇
美术品究竟从什么时候产生的呢？我们认为它是与人类同时产生的。
美术品究竟从什么时候产生的呢？我们认为它是与人类同时产生的。人类为了生存和发展，不断开发自己的头脑和发达双手，在漫长的岁月里不仅创造了维持生存的物质财富，也创造了丰富的精神财富——绘画、雕塑和音乐、舞蹈。人类脱离一般动物的标志是人能够依靠双手劳动来维持生存，最早制造的劳动工具从广义上讲它就属于美术品，因为它包含着人类的智慧和创造。但是我们现在论及的美术品是从旧石器时代开始，原始美术包括洞窟壁画、岩画、雕塑、建筑等，大多数现已发现的美术作品集中在欧洲，分别属于旧石器时代、中石器时代、和新石器时代。原始人类留存下来的洞窟壁画、岩壁浮雕和各种小雕像谱写了人类最早的美术篇章。旧石器时代美术
真正意义上的美术品产生于原始社会蓬勃发展的旧石器时代的晚期——奥瑞纳文化期。旧石器时代指公元前100万年到两万年之间，公元3万年前属奥瑞纳文化期，公元2万5千年前属索鲁特文化期，公元2万年前属马格德林文化期。由于当时冰雪覆盖大地，为避寒原始人类都居住在洞穴中，所以在远古的洞穴中留存下他们的绘画和雕刻创造。
旧石器时代美术的特点：表现内容皆以动物为主，手法生动写实。其中最突出的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画；迄今为止发现的原始雕塑大多数为小型的动物雕塑，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位。这些女性雕像强调夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始时期人们对于母性和生殖的崇拜。发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》（原始的维纳斯）和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。
雕刻艺术是人类生活的形象记录。看来原始人制作雕像决不可能是有意识的艺术活动，更不可能有明确的审美观念，完全是出于功利的目的：通过制作“母神”形象和吉祥物角器来祈求种族的昌盛。尽管如此，原始艺术家还是在某种朦胧的审美意识驱使下，出于人类艺术创造的本能和敏感，找到了表达目的的合适手段，把自己的理想通过对客观事物形象的把握和结合而传达了出来。所以人们视《维林多夫母神》和《手持角杯的裸女》是处于原始时代的人类最早创造的雕刻艺术精品，它们写下了人类雕塑艺术史的第一页。中石器时代美术
由于冰河的消退，气候逐渐转暖，中石器时代的绘画由洞窟转移到露天岩壁。随着人类狩猎工具的进步，对大自然的征服力的增强，动物形象在绘画中逐渐减少并失去原始的野心，而人类活动开始成为绘画的主要对象。新石器时代美术
新石器时代美术成就主要是巨石建筑。这是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念建筑。巨石建筑盛行于欧洲，包括石柱、石台、石栏等形式。英格兰南部的圆型巨石栏“斯通亨治”（Stonehenge）是典型的代表。
令现代人不可思议的是，原始人为什么要画画呢？是否也像我们现代人装饰、美化居住环境呢？或者是为了欣赏？原始人没有现代人那么多闲工夫去欣赏艺术，他们作画都是为了生存的实用。他们画动物目的在于识别动物而去猎获动物。也有专家认为，可能是原始人出猎前，为了保证打猎成功而举行狩猎仪式，这种仪式是一种巫术。我们在画中动物的身上发现画有投掷器的箭头，类似长矛。由此推想，可能原始人认为，如果他们只要画出所要猎获的动物的画来，而且可能是用投枪和石斧击打着画中的动物，真实的动物也同样会屈服于他们的威力。所以原始人视绘画为魔力，相信画什么就能征服什么。据说，有一位现代画家去一个原始部落画画，画了他们的动物，他们很难过，表示的意思是：你们把它带走了，我们怎么生活呢？
在原始社会里，艺术的目的首先是为了满足人们的某种需要而产生的，它们不是一开始就被当作纯粹的艺术品，而是当作有明确用途的东西。所以产生了多种关于艺术起源的理论。要合理地解释艺术的起源在某种意义上说恐怕比解释人类的起源更为困难。考古学家可以根据挖掘的实物论证人类发生发展的过程，而艺术的创造是一种在客观实践基础上的主观思维的过程。艺术品已经被创造出来，连创造者自己都很难说清创作冲动是来源于主客观的哪一种因素。所以，关于艺术起源有很多种说法。巫术说
原始人经常遭受自然界的袭击，对自然的一切现象都感到神秘，难以理解，企图发明各种能支配自然力的东西，如假面、泥人、雕刻、图画„„这些发明都是企图用一种独特的形式去控制各种可怕的自然力量。首创人应推英国人类学家爱德华·泰勒（Edward Tylor）和弗雷泽（Fames Frazer）等人。泰勒在他的《原始文化》中提到“野蛮人的世界观就是给一切现象凭空加上一些无所不在的人格化的神灵的任性作用。„„古代的野蛮让这些幻象来塞满自己的住宅，周围的环境，广大的地面和天空。” 游戏说
这一理论的首创人是席勒和斯宾塞。席勒认为人类审美观念的产生是人类脱离动物界的标志；斯宾塞进一步明确并发挥席勒的观点，认为游戏和艺术都是过剩精力的发泄，美感起源于游戏的冲动。正如各类动物都有游戏活动一样，原始人类在劳动之余也要游戏的，要唱歌、跳舞、画画，把生活中看到和感受到的形象用画或刻的手段在想到岩石上、沙土、树木等地方，画的过程是游戏的过程，画完之后的欣赏也是一种游戏。摹仿说
这大概是最古老的一种关于艺术起源的理论，但和上述两种理论相比，影响较小。公元前六世纪的古希腊哲学家赫拉克里特、德谟克里特、苏格拉底和柏拉图等人都有过关于艺术摹仿自然的提法，但把它作为较系统的理论提出来的则是亚里士多德。他的艺术发生学的理论同他的艺术创作原理是完全一致的，即对西方艺术和艺术理论发生了巨大影响的“艺术摹仿说”，认为人类在与自然的交往中，越来越多的识别各类动植物，识别能力的提高导致了对它们的摹仿。
除此之外，还有诸如劳动说、装饰说等等。我们上溯历史走的越远，时代期待艺术服务的目的就越明确，也越离奇，令人不可思议。事实上，原始美术之所以成为艺术，不是由于那些制造这些物品的原始人们，而是由于那些购买和收藏它的欧洲人。它之所以是艺术，并非是因为那些制造和使用它的人说它是，它是由外来的宣判成了艺术。
在原始艺术是不是艺术的探讨中，原来一直有两种解释，一种是主观主义的解释，即用现代欧洲人对“艺术”品的要求标准（如：个性、独创性、表现性等）去衡量原始艺术品，往往会得出原始艺术是艺术的结论。另外一种是客观主义的解释，主要是社会学家、人类学家的看法，他们把原始艺术放在特定的社会政治、宗教文化背景下考察，认为原是艺术一般主要执行政治、宗教、经济等功能，而缺少审美功能，因而不是艺术。后来，当代美国分析哲学、美学的一位后起之秀布洛克（Gen Blocker），在批评了两种解释的片面性，清除了他们两方面加给原始艺术品概念的不正确涵义，同时吸收了二者的合理性，提出“经过修改的客观主义”原则，既顾及原始艺术的特定社会文化内涵，也估计其审美艺术特质的客观存在；既承认原始艺术产生时所包含的非审美功能，也注意发掘当时条件下原始艺术所包含的审美功能，从而得出原始艺术是艺术的结论，颇得信服。
原始绘画中所描绘的动物形象如此准确，连现代人都难以做到，这表明原始人终生同动物打交道，对动物的形象、习性非常熟悉，闭目如在眼前，所以才能画得那么真实、生动，由此开创了西方以实用为目的的写实主义艺术传统。
外国美术简史复习资料 第2篇
《外国美术简史》修订版，中央美术学院美术史系
1.黑绘风格：出现于公元前6世纪初，它是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象轮廓突出，有如剪影，细部稍用勾线表现。代表作《阿客留斯与埃阿斯玩骰子》
2.红绘风格：出现于公元前6世纪末，与黑绘风格相反，它是在背景上涂以黑色，留下主体部分的赭色，人物细部用线来描绘，主要流行于古典时期。3.巴洛克艺术：是17世纪广为流传的一种艺术风格，意思是不圆的珠子。产生于16世纪下半期，盛行于17世纪，进入18世纪，初北欧和中欧地区外，逐渐衰落。其特点是：
1）它有豪华的特色；既有宗教特色，又有享乐主义的色彩。
2）它是一种激情艺术，打破理性的宁静与和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家丰富的想象力。
3）极力强调运动；运动和变化是巴洛克艺术的灵魂。4）它很关注作品的空间感和立体感。
5）它的综合性；强调艺术形式的综合手段。
6）它有浓重的宗教色彩；宗教题材在巴洛克艺术中占有主导地位。7）大多数巴洛克艺术家有远离生活和时代的倾向。
4.洛可可艺术：洛可可愿意指描绘贝克的装饰图案，作为一种新的艺术样式，首先在法国路易十五的宫廷形成，然后流行到其他国家，特征是富有、华丽、纤巧、缠绵的风趣，故意破坏艺术上的对称均衡、朴实的规律。被成为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女享乐生活为对象，描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰。它一方面不免浮华做作，缺乏对神圣力量的感受；另一方面，却以法国的轻松优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。代表画家及作品：华多《舟发西苔岛》、布歇《沐浴的狄安娜》
5.巴比松画派：19世纪30-70年代，枫丹白露森林的小镇巴比松吸引了许多画家，他们在那里聚会和出游作画，既得见原始荒凉的自然风貌，感受逃离闹市的惬意；又与不远的城市巴黎保持联系，了解世界美术的动向。其口号是：面对自然，对景写生。主将是卢梭，代表作品《橡树林》
6.新表现主义：进入19世纪80年代兴起的新表现主义和欧洲这一思潮有紧密的联系。新表现主义的崛起说明了纯客观的、与现代机械文明相结合的、试图打破艺术和生活界限的后现代主义艺术思潮和现象，在人民大众和文化界中受到的批评和质疑越来越多。艺术中出现了回归传统，包括古典传统和现代传统的趋势。20世纪初，表现主义的许多要素，特别是用艺术形式来传达思想和感情的方式，重新受到关注。
7.拉斐尔前派：1840年，皇家美院的一批青年学生要求复兴英国历史画传统，以拉斐尔以前的早期文艺复兴艺术为榜样，真实地表现自己的感情的观念。为此，他们组织了拉斐尔前派兄弟会。最为一种艺术思潮，拉斐尔前派在欧洲美术史上最先反映出现代工业文明给人类带来的精神上的困惑。它所包含的象征主义和唯美主义内涵对欧洲19世纪末期象征主义艺术产生了很大影响。代表画家及作品：亨特《觉醒的良心》 8.巡回展览画派：是俄罗斯19世纪下半叶最重要的进步艺术团体，正式名称为 “巡回艺术展览协会”，简称“巡回画派”。该组织在建立之初有15位画家在协会章程上签名，其中包括：别洛夫、克拉姆斯科依、米索耶道夫等人。在1870-1923年的半个世纪时间里，巡回画派遵循别林斯基、车尔尼雪夫斯基等人的美学主张，在俄国各地举办展了近50次巡回展览。画家们站在民主主义立场上，反映人民生活、历史事件和俄罗斯美丽的大自然。克拉姆斯科依是巡回画派的组织者和思想领导者。代表作品《荒野中的基督》《无名女郎》。列宾，是巡回画派现实艺术的最高成就，注重心里刻画。代表作品《伏尔加河上的纤夫》
9.印象主义：1874年4月，一群青年画家在巴黎卡普辛大街借用摄影师纳达尔的工作室来举办展览，他们自称为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。在展览中，莫奈的油画《印象.日出》的标题被以为保守的记者路易.勒鲁瓦在文章中借用并嘲讽，称这次展览是“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。它继承了库尔贝等面向现代现实生活的创作态度，使美术作品进一步拜托了对历史、神话、宗教等题材的依赖。印象主义画家大胆摒弃了长久受到公认的创作观念和程式。在19世纪现代科学技术的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘阳光下的物象，从而摒弃了16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。10.后印象主义：“后印象主义”一词在19世纪30年代之后才被普遍使用。被用来泛指印象主义之后，在观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流。后印象主义画家曾一度受到印象主义的影响，但又不满足于印象主义的法则，它探讨艺术的本质。塞上反对印象主义因迷恋色彩而破坏物象的实体结构和持久感，并在深入研究自然中，表现与自然相似的具有真实感和动态感的图像。梵高和高更则侧重于精神的表现，并且赋予画面以象征的意味。他们还反对分割色彩，大胆的采用平面的鲜明色调，并且注重线的作用。后印象主义画家的艺术探索和追求，从本质上来说，是对印象主义的否定。后印象主义直接影响了20世纪初法国画坛几乎同时出现的两大新思潮：注重画面结构的立体主义和注重色彩、线条动力与节奏的野兽主义。后印象主义的画家们在20世纪初相继谢世，作为艺术潮流也就失去了其原来的动力。
11.新印象主义：试图用光学科学的原理来指导艺术实践。自然科学实验的成果表明：在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的色彩，必须把不同的纯色彩的点和块不经意地并列在一起，用这种方法，颜色的彩度和亮度可以获得最鲜明的效果，而中间色则是在观赏者眼中的视觉描绘中形成。因为印象主义根据这一色彩原理作画，所以也被称作“分割主义”，也因为他们在具体敷色时采用点彩的方法，又称作“点彩派”。新印象主义一词由这一派的理论家费利克斯.费内翁于1884年在布鲁塞尔的美术杂志《现代绘画》上最先使用。新印象主义的发起人是：修拉和西涅克。代表作品：修拉《大碗岛星期天的下午》，西涅克《从德拉克洛瓦到新印象主义》理论著作。
12.未来主义：在意大利出现的未来主义，不同于野兽主义和立体主义。它是一个更为广泛的文艺运动。参与这个运动的有文学家、戏剧家、美术家、建筑家等。未来注意发表过许多宣言，领导者一运动的是诗人马里内蒂。首次未来主义展览于1912年2月在巴黎举行。未来主义认为：20世纪工业、科学、技术、交通、通讯的飞速发展，使客观世界发生了根本的变化，新时代的特点是机器以及与之相适应的速度、力量和竞争。未来主义理论反映了一群意 大利一群年轻美术家要求创新的强烈愿望，他们对意大利文艺19世纪以来停滞不前的落后状态不满，希望本民族的文艺崛起。未来主义从其发端之日起就受到立体主义的影响。艺术家们利用立体主义分解物体的方法来表现运动的场面和运动的感觉。还采用新印象主义的点彩手法，热衷于用线和色彩来描绘一系列重叠的形和连续的层次交错和组合，并用一系列的波浪线和直线表现光与声音，表现在迅疾的运动中变化的物象。
13.《艺术世界》创作联盟：在19世纪和20世纪之交，俄国的画家和批评家们一直思考着风格的问题，从而导致了1893年《艺术世界》创作联盟的组成。它力图争取艺术中唯美的成分，将艺术从“功利主义”的作用下解脱出来。《艺术世界》创作联盟利用它的同名刊物在俄国艺术界宣传“世界主义”，推崇具有国际风格的艺术，如巴洛克艺术之类，巡回画派和学院派美术则成为它反对的目标。《艺术世界》创作联盟普遍对现实题材缺乏兴趣，而更偏重于那些反映古代时尚、风情特点的历史题材。1889-1904年间是《艺术世界》创作联盟达到鼎盛的时期，一度在俄国画界大出风头，被吸引者甚至包括列宾这样的画家。
14.波普艺术：波普艺术的名称最早出现在20世纪50年代的英国，后来被广泛运用在美国艺术中，被用来称谓一种大众流行的艺术现象。针对抽象表现主义这一类现代艺术对工业化的反感和对都市、机械文明的逃避态度，波普艺术家却用他们在生活中所接触的材料和媒介来制造大众所能理解的形象。使艺术和工业机械文明相结合，并且利用大众传播媒介加以普及，为了达到有效的宣传效果，这些大众的、通俗的艺术中须有新奇、活泼、富有性感的内容来吸引观众的注意力和刺激观众的消费欲望，成为一种消费文明的艺术。其精神是准确捕捉大众文化的内涵，至于用何种具体的形式，艺术家们有更广泛的自由。代表有美国著名波普艺术家：安迪.沃霍尔
15.后现代主义：是20世纪50年代以来，欧美各国继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域，后来逐渐扩展到美术等其他领域。其特点有：
1）企图突破审美范畴，打破艺术和生活的界限。
2）对主流美术思潮的质疑和对少数民族及边远地区美术的关注，主张多元和承认多中心。
3）从传统艺术和现代艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术表达多种思维方式。
4）从强调主观精神到转向客观世界，对个性和风格的漠视和仇敌。5）从对工业、机械社会的反感到与工业机械相结合。6）主张艺术平民化，广泛运用大众传播媒介。
16.立体主义：是富有理念的艺术流派。主要追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。它否认了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法。把三度空间的画面归成平面的、两度空间的画面，明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物，把不同视点所观察和理解形诸于画面，从而表现初时间连续性。活跃于1907-1914年，被人们看作是现代艺术的分水岭，是主宰20世纪艺术中抽象的和具象的绘画流派的直接源泉。代表画家及作品：毕加索《亚维农少女》标志着立体主义风格的诞生。
17.表现主义：其美术风格是从后印象主义演变发展而来的，是对印象主义忠实 的描绘现实的悖逆，继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在造型上追求强烈对比、追求扭曲和变形的美。19世纪末德国一些哲学家和美学家的理论对表现主义运动起了推动作用，表现主义的艺术家反对机械地模仿客观现实，而主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性，主要活动基地在德国。德国表现主义最典型的代表可归纳为两个团体：一个是在1905年德累斯顿组织的桥设，一个是在1911年慕尼黑成立的青骑士社。代表画家及作品：蒙克《呐喊》 18.桥社：德国表现派的一个组织，1905年成立于德累斯顿艺术学校，当时一批学生从民间艺术和原始艺术中得到发展，并受到荷兰画家梵高等人的影响，创作时强调必须表现画家个人的幻想和趣味，反对一味的模仿自然，不过他们的作品间或带有象征主义倾向，发起者和代表人物：凯尔希纳、海格尔等。19.俄国至尚主义：1915-1920年左右出现于画坛的至尚主义是带有俄国玄学特色的几何抽象主义，是一种摒弃描绘具体客观物象和反映视觉经验的艺术思潮，它的创始人是马列维奇，所使用的“新象征符号”是一些方形、三角形和圆形，还长使用单纯的黑或白的色彩。如《黑色方形》《白之白》等。20.巴黎画派：指20世纪初在巴黎活动的未参加现代主义流派的艺术家，他们并未结成社团，风格也不相同，基本上采用写实的手法，或多或少受到野兽主义和未来主义的影响。这群艺术家不少来自欧洲其他国家，是来自异乡的流浪者，也有巴黎本土的画家，他们处于贫困状态，郁郁不得志，常常酗酒、吸毒、结交三教九流，和有前卫倾向的艺术家们也有来往，这群才智不凡的艺术家的作品有很浓郁的情感表现。代表画家：意大利的莫迪利阿尼，俄国的夏加尔。
21.达达主义：产生于1915-1916年，一群有反抗情绪的青年下从各国移居瑞士苏黎世，志同道合者常在伏尔泰酒馆聚会，这群厌倦战争、怀疑社会现存社会价值的年轻人，在反抗和嘲讽社会的同时，看不到社会的前途，染有浓厚的虚无主义情绪。他们提倡否定一切，否定理性和传统文明，提倡无目的无真理的生活和文艺，他们在法国字典中偶然翻到达达一词，便决定用它来作为社团的名称。达达主义中最值得研究的人物是：法国艺术家M.杜桑，代表作品《泉》《带胡须的蒙娜丽莎》
22.超现实主义：在达达主义传统上发展起来的超现实主义，吸收了达达主义及传统和自由自动性的创作概念，摒弃了达达主义全盘否定的虚无态度，有比较肯定的信念和纲领，作为文艺运动在两次世界大战期间广为流传。它深受弗洛伊德潜意识主义的影响，致力于探讨人类的先验层面，试图突破符合逻辑和实际的现实观念，把现实观念和本能，潜意识和梦的经验相结合，以达到一种绝对的和超现实的情境。这种不受理性和道德观念束缚的美学观念，促使艺术家们用不用的手法来表现原始的冲动，促使自由意象的释放。代表画家及作品：达利《内战的预感》
23.抽象表现主义：实际上是一种艺术思潮，并无统一的风格特征，它继承了从梵高到现实主义追求艺术的抽象化、直接性、自动性和表现潜意识的自我等方面的探索成果，强调作者行动的自由性和无目的性，把创作行为本身提高到重要位置。波洛克的创作反映了美国民族不墨守成规，勇于进取，不断开拓宏观世界和内在深处潜意识的精神，表现了美国战后昂扬的精神状态，但在高昂的后面，也表现了美国知识界在高度工业化社会中的某些狂躁、忧虑和焦灼不安的情绪。24.超级写实主义：利用现代科学技术成果来创造艺术的还有70年代兴起的“照相写实主义”或称“超级写实主义”，特征是利用摄影成果做客观逼真的描绘，认为艺术家不含主观情感，用大众共同的眼睛来观察和反应，其作品常予人以严峻和冷漠感，多少反应了当代西方人与人之间的疏远、淡漠和无人情味，有些艺术家利用照相机拍摄照片作画，在描绘充满光和运动的现代城市方面，有独特的表现。
25.波伦亚学院：欧洲的美术学院最早产生于意大利，当时最著名的学院之一是波伦亚学院，大约创建于1590年，创始人是著名的画家卡拉契兄弟。学院产生的原因：1）为了继承先辈大师的艺术传统，总结先人的经验，并在此基础上培养新的人才。2）企图把年轻的美术家引向所谓的正路，使他们不受样式主义美术和卡拉瓦乔主义美术的干扰。学院派主张的是：力求订出一些法则，使人们遵循，如绘画中强调的最高标准是：米开朗基罗的人体，拉斐尔的素描等。所以说学院派的艺术从最开始就有折中主义的特色，由于过分强调法则，所以学院派的画家比较保守，缺乏创新精神，作品的题材狭窄，大都是描绘宗教或神话，而对世俗生活的题材往往不感兴趣，在技法上较偏重于素描而轻视色彩，为古典主义美术的发展奠定了基础。
26.古典主义：16世纪末-18世纪初形成的艺术样式，从罗马流传至北欧，愿意是“不圆的珠子”，是区别于文艺复兴时期艺术的端正性，它是文艺复兴衰落后形成的，绘画上的特点是：色彩奢侈华美，线条曲折多变；建筑上的特点是以活泼轻快的漩涡曲线著称。代表人物：贝尼尼、波诺米尼、鲁本斯等。27.新古典主义：19世纪末文艺创作思潮之一，有人认为16-18世纪欧洲的古典主义文艺是对古代希腊、罗马文艺的模仿和发扬，故称“新古典主义”。他们的口号是“回到希腊和罗马”，主张回复艺术的纪律和规矩，以古典主义为榜样，歪曲新古典主义，提倡复古，他们追求的只是古典的形式和情调，而不是实质，故又称“伪古典主义”。28.现实主义：又称“写实主义”，产生于19世纪的欧洲，与浪漫主义同称为文学艺术史上的两大流派。现实主义提倡客观地观察自然和社会，通过典型环境、典型人物的描绘，深刻的反应现实生活的本质，在美术方面，现实主义反对脱离社会，反对颓靡因袭的学院派风气，重视创作的社会意义，并力图表现于作品之中。公元1855年，法国画家库尔贝因抗议官方博览会拒绝展出他的部分作品而愤然举办了个人画展，他在展览的目录中所写的阐明自己艺术见解的序言掀起了公元19世纪现实主义热潮，而他本人也成为现实主义画派的著名代表。现实主义绘画名作有库尔贝的《石工》《筛麦的妇女》，米勒的《拾穗者》，列宾《伏尔加河上的纤夫》等。
29.浪漫主义：19世纪初产生于欧洲的一种广泛的文艺思潮，与现实主义同称为文学艺术史上的两大主要流派。浪漫主义者主张摆脱学院派和古典主义的羁绊，反对刻极僵化的艺术教条，提倡发挥艺术家自己的幻想和创造，它处于资产阶级革命时代，反映了资产阶级上升时期的意识和形态，其中浪漫主义注意反映现实生活，善于抒发对理想世界的狂热追求，表现出激烈奔放的感情，并常用热情的语言、瑰丽的想象、夸张的手法塑造形象。借里柯的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义的伟大宣言；德拉克洛瓦的《但丁之舟》被认为是浪漫主义狮子的第一声怒吼，《希阿岛的屠杀》标志着浪漫主义盛期的到来。30.风俗画：绘画艺术中的一个主要画种。它以日常社会生活时间为绘画题材，是画家对自己所生活的那个时代，个人日常生活和周围环境、风土人情的描 绘。风俗画原是与宗教画相对立而言的，在宗教画占统治地位的中世纪，它在造型艺术中是无足轻重的，但它的历史非常悠久，在埃及西亚克墓室壁画中和印度石窟壁画中已有这样的作品。
15、16世纪欧洲文艺复兴时期，风俗画获得了空前的发展而成为一种独立的绘画体裁，产生了如意大利的提香、尼德兰的勃鲁盖尔等许多描绘市民生活和农民生活的杰风俗画家。17-19世纪，日本江户时代的浮世绘也是世界有名的风俗画流派，其画风对现代欧洲绘画曾起到一定的影响。31.哈得逊河画派：18世纪的美国人，大部分时间都忙于在荒野中奋斗以图生存，到了19世纪，他们在这些斗争中取得了胜利，于是对大自然的一种怀旧和浪漫的情绪便犹然而生，这样，风景画开始在美国流行。一批经常以哈得逊河沿岸风光为题材的风景画家被称为哈得逊河画派，这标志着美国美术开始拜托欧洲的影响，逐渐显露出自己的品格，因此，哈得逊河画派也被称为“美国风景画派”。
32.野兽主义：是自1898-1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，强调色彩的表现力，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。马蒂斯是野兽主义的主将，代表作品《红色的和谐》《舞蹈》
外国美术简史复习资料 第3篇
一、开设《外国美术史》双语课程的目的
当前, 在我国高校实施双语教学还处于探索阶段, 相比较历史、中文等专业, 美术专业的双语教学开展得比较晚, 没有现成的经验和模式可以借鉴, 没有完善的教学理论予以支撑, 同时缺乏有力的教学措施, 如教学大纲、授课标准, 以及行之有效的班级组织形式等问题, 所以在美术学专业的课程里面开设双语教学, 面临的困难和阻力可想而知。但是, 随着时代的进步和社会发展的需要, 对美术学人才的要求也水涨船高, 那些有较强的语言运用和表达能力, 能够与国际接轨的美术专业毕业生受到市场的青睐, 迎合了当今社会的需求。而双语教学便是将英语作为一种语言工具应用于课堂教学, 通过使用外语使学生理解专业的知识和理论, 通过应用外语使学生更好地掌握外语。根据这一情况, 笔者决定在本系选择《外国美术史》这门课程进行双语教学, 授课对象为美术学专业大二本科学生。在本文中笔者根据自己三年来的实践经验, 总结了教学上的一些思考, 提出了教学方法上的改革。
二、课程教材的选用
《外国美术史》双语教学在选择合适的教材上需要慎重。有人认为选用英文原版教材是双语教学的基本前提。理由是英文原版教材内容新、信息量大、注重理论与实际相结合, 能够启发学生思考, 而且较之中译本减少了内容的失真。但笔者认为英文原版教材虽然很好, 却并不适合美术专业的学生。因为大多数美术专业的学生英语水平都不是很高, 学生的听说读写能力比较差, 这是一个客观存在的事实, 而英文原版教材要求学生具备较强的英语综合运用能力, 所以对于其他专业学生的双语教学课堂上或许还可以尝试使用, 而对于美术专业的学生使用英文原版教材来说并不实际也不科学。况且英文原版教材价格昂贵, 给学生带来了一定的经济负担。鉴于上述情况, 笔者在《外国美术史》双语教学课上选择了中央美术学院外国美术史教研室编著的《外国美术简史》作为主教材, 同时选择凌敏和丹尼斯·奥布莱恩编著的《西方艺术史专业英语教程》以及艾红华主编的《美术英语》作为主要的英文参考书。教案和课件的英文内容选自英文参考书, 对相关英文材料做一些删改, 避免深难字词和复杂句型等学生难以理解的部分。当然笔者这种自编自选教材的方法也存在一些不足, 最直接的体现就是容易造成教学上的盲目性和语言表述上的偏差。希望在以后的双语教学过程中不断完善, 逐渐形成一套比较成熟的讲稿, 完成有特色的双语教学教材。
三、教学方法改革
教学方法与课堂组织形式是实现教学目的的重要保障, 双语授课的老师在教学过程中应当好教学设计者、组织者与协调者, 利用各种可能的教学手段与条件激发学生的互动意识, 促进其发挥主体作用。笔者在《外国美术史》双语教学过程中发现其中最大的问题就是, 要将“以教师为中心”的教学方式逐步转变成“以学生为主体”的教学方式。由于美术专业的学生英语水平普遍不高, 再加上几个班合在一起上课, 学生人数较多, 从而导致在授课时师生互动太少, 更多地表现为教师填鸭式地“教”和学生被动地“学”, 很难真正达到良好的教学效果, 最多是在专业知识上开拓学生的眼界, 并不能真正提高学生的英语技能。
在对《外国美术史》进行双语授课时, 应该采用以“学生参与式”的教学为主, 并且实施20人左右的小班教学, 这样有利于师生之间的交流和互动, 这也是整个教学改革的核心内容。这样也是希望学生在掌握专业知识的基础上加强自身的英语使用能力。因此在课堂上, 学生与授课教师的互动就显得尤为重要。
“学生参与式”教学, 具体分为教师多媒体授课、课前预习、合作学习等几个环节有机结合的多元化模式。
四、教师多媒体授课
课堂上充分利用现代化教学设备, 多利用幻灯片等多媒体手段施教。这样既有利于老师用英文解释问题, 也可提高学生的学习积极性, 加深学生的理解。在备课时, 笔者根据专题的不同设计多媒体课件, 充分考虑授课时中英文使用的比例问题, 突出教学重点和难点, 通过幻灯影片把板书内容以及教学重点、难点一一展示给学生, 这样可以避免因为使用英语而挤占课堂时间从而导致减少信息量的情况。在教学过程中, 通过使用多媒体, 利用投影屏幕和声音显示图形、文字、录像、动画等向学生传授知识, 从而给学生营造一个栩栩如生的教学情境, 有效地激发学生的学习兴趣。所以只要教师在上课前精心备课, 在教学过程中合理安排时间, 英语的介入非但不会弱化专业知识的讲解, 还能够提高学生的英语水平, 高质量地完成课堂的教学任务。
不可否认, 在《外国美术史》课程的双语教学过程中采用多媒体, 能够丰富教师的教学手段, 激发学生的学习兴趣, 达到比较理想的教学效果, 但这只是授课的一个重要辅助手段, 并不能代替师生互动的教学。因为仅凭多媒体的手段, 无法及时得到学生对教学效果的反馈, 从而掌握学生的教学进度。因此, 在整体课堂组织教学中, 提问、回答、讨论之类师生间互动的交流, 仍是帮助学生理解、汲取知识, 提高技能的重要环节。
五、课前预习
由于在教学过程中要使用英语作为语言工具给学生讲授外国美术史, 而美术学专业的学生一般没有主动预习的习惯, 都是等到教师授课过程中再进行知识的第一次吸收, 这种学习方法并不适合双语课程。因此, 教师要根据学生的英语基础, 指导他们课前预习, 并且提前把课堂涉及的相关英语单词、词组及句子的中文翻译印发给学生, 让学生在上课前初步有英语知识的准备, 这样在课堂上对英语的调动就快捷、高效得多了。
六、合作学习
合作学习 (Cooperate Learning) 也叫团队工作 (Team Work) 。在双语教学过程中, 鼓励学生以4~5人成立研究学习小组, 以小组的方式进行学习和讨论。小组成员整理预习的内容, 并制作课件, 分工讲授这一专题自己整理出来的知识点、重点和难点。语言要求使用英语, 每个小组成员都要参与讨论, 通过相互学习、讨论、交流, 共同解决问题, 可以形成更丰富、深刻的理解。
以上是笔者在《外国美术史》双语教学中的一些感受。双语教学是一种全新的教学理念, 双语教学的实施不能脱离其赖以生存的土壤, 任何拔苗助长的期望都是不现实的, 也不符合我国的国情。因此, 在其开始阶段, 我们应该充分考虑到学校的实际情况、教师和学生的现有水平, 本着实事求是的原则, 因地制宜, 因材施教。当前, 就如何运用双语教学上好《外国美术史》这门课程还有许多问题亟待在今后的教学实践中加以解决, 笔者也将继续发扬美术教育工作者的奉献精神, 不断提高自身的专业素养, 加强运用英语水平的能力, 探讨新的教学模式, 建立更加先进科学的教育方法。
摘要：双语教学课程建设是湖南城市学院实施本科教育质量工程的重要内容之一, 《外国美术史》是我校美术学专业的重要专业基础课。在《外国美术史》的教学中进行双语教学是一种有益的尝试。课堂上双语并用, 以汉语为主, 同时介入英语的讲授和表达;教学中以实际情况为出发点, 循序渐进, 在提高学生的美术史理解能力和运用水平的基础上, 保证专业知识的讲授和学习为主要目的。
关键词：外国美术史,双语教学,教学方法
参考文献
[1]刘曦《.传媒与社会》实施双语教学的思考及教学方法改革[J].中国校外教育, 2008, (5) :39.
[2]贺瀚.外国美术史双语教学初探[J].新疆艺术学院学报, 2009, (1) :104.
绝对好读的美术简史 第4篇
今天介绍的这位作家，他和他的作品注定要在全世界飞翔。除了他的故乡荷兰，世界上不同国家、不同种族的人们捧读他的作品，赞赏他布道人文关怀的精神。他就是亨德里克·房龙。
房龙的几部代表作在篇幅上都颇为壮观，很多作品比砖头还厚。或许是因为他知识实在渊博，思维相当开阔，故而容易洋洋洒洒刹不住车。不过，读它们，你绝对不会因为是鸿篇巨制而感到压力，房龙总是娓娓道来，像一个老朋友在你耳边倾诉关于人类的故事。作者的平等观念是非常重要的。还有，房龙从来不缺乏对读者的真诚。他的作品都不难读，如果中学生朋友们想找一本了解西方美术历史的入门书，我推荐《西方美术简史》。
名字不太吸引人，对不对？有人说跟艺术无缘，何况还是艺术里面比较无趣的艺术史。慢着慢着，这实际上是一本很轻松的随笔集。首先，它篇幅不长，185页。其次，图片非常多，书里谈到了160位世界美术史上的大师，罗列了160幅他们的作品。也就是说，不仔细鉴赏图片的话，不到一个小时就能看完。
有趣的是，房龙在写这部作品的时候，也把它当作一道大餐后的甜品。原因是在此之前，房龙刚刚在出版方的压力下，呕心沥血花了4年时间完成了大部头的《论艺术》。为了梳理人类社会整个艺术历程，房龙查阅了大量资料，以至于在图书出版后，渐渐回过神来产生了新的思考。当然，出版方好不容易催到当时已经是畅销书作家房龙的稿件，不肯放手让他重新回炉补充细节。在《论艺术》已经付梓的情况下，房龙用一项大工作完成后比较轻松的心态，写出了《西方美术简史》。
有时候，甜品比正餐更有风味。《西方美术简史》里凝聚了房龙怎样的思考呢？一句话，这些艺术品的创作者为什么要创作？这是一个很有趣的问题。
我发现我挺少考虑“为什么”，似乎身边的人，只要是中国人，对这个问题都考虑较少。还能为什么呢？生活就是为了活着呗，与其思考为什么，不如想想现在去做什么。这是许多中国人自认为比较成熟的心态。
但是，在人类的历史里面，艺术恰恰是一个不得不面对“为什么”的领域。因为艺术解决的从来不是穿衣吃饭的问题。换句话说，即便人类从来没有艺术细胞，也能活下来，艺术不是必需品。
在房龙的《西方美术简史》里，早在人类远未解决温饱问题的公元前15000年，艺术就已经出现。西班牙一个洞窟里的野牛壁画，是人类比较早的艺术作品。原始人可能认为，将他们希望得到的猎物画在墙上，再用石刀石斧进行一番砍斫，真正的猎物就会俯首就擒。好吧，就当这个比较幼稚的想法，还是为了解决温饱问题。
但是，人类很快就从精神世界的婴儿时期走了出来。在古埃及、古希腊的绘画和雕塑作品中，人们逐渐脱离现实的束缚，用笔触和色彩表达一个源自现实，又与现实存在巨大差异的精神世界，这些作品成为获得释放、给予慰藉的存在，成为人类除了生存，更加灿烂辉煌的一段历史。
如果说，人类用正笔书写的历史记录是人类发展的历程，艺术作品保存的就是人类悲欢离合的情绪。设想如果一个人只会工作，没有任何情感，多么可怕。明白了这个道理，可以说对艺术的鉴赏入门了。房龙说，欣赏一幅画，首先要问自己：“这个人究竟想告诉我什么？”然后要想一想他所处时代的情形。要抛开我们现在的立场，完全设身处地地想一想当时画家的感受。在我的记忆里，没有比房龙这段话更适合的入门指引了。
其实房龙的方法，不止适合于绘画、雕塑、建筑等艺术作品，对文学作品更加适用。让我们现学现用一下。
《西方美术简史》出版于1938年。1938年是一个怎样的年份？日军的铁蹄正在亚洲肆虐，在欧洲的慕尼黑会议上，英法为了自身的利益，出卖捷克斯洛伐克，将苏台德地区割让给纳粹德国，第二次世界大战即将打响。
这时候的欧洲，笼罩在另一位美术爱好者的思维阴影之下，他就是阿道夫·希特勒。因为德国在一战后遭受的不公正对待，以及短时间内取得的建设成就，使得欧洲社会不乏纳粹政权的支持者。希特勒的那本臭名昭著的《我的奋斗》，甚至被某些人视为解决社会问题的药方之一。
《西方美术简史》出版之前，房龙专门写过一本小册子——《我们的奋斗：对阿道夫·希特勒<我的奋斗>回答》。房龙总结希特勒的论调：人类的一切行为都只受一个动机的影响，就是吃饭的需求。这一新的人生哲学只给肚子，而再没有给其他任何东西留下空间。只要喂饱了这头“野兽”，他就会幸福、富足、通情达理！反之，他就会卑鄙下流，胡作非为！
房龙写道：“我却不能全心全意地附和他们，因为历史一再表明，人不是单靠面包活着的，在同样的程度上，他也是靠思想，靠神话故事，靠宗教信仰，靠理想，简而言之，靠一切我愿意称之为‘幻想’的无形的影响而活着的。”希特勒倡导的是一种胜者为王的斗争哲学，而房龙指出，人类社会的主流是宽容、包容、民主，这才是文明的内涵。
了解了这个背景，再读《西方美术简史》，不难体会到，在字里行间，房龙有一种对自由的向往，也会觉察到他隐含的，对世界即将误入歧途的担心。房龙并非只是一位发布战斗檄文的作家，实际上他用更为直接的方式，早就开始了与纳粹德国的斗争。希特勒上台后，房龙十分痛恨这个纳粹头子。这时候房龙已经旅居美国，他的家也逐渐成为德国知识界流亡者的中转站。从1935年6月至这年年底，每周两次，房龙在全国广播公司的麦克风前就时事政治问题向公众发表自己的见解，许多是抨击纳粹的内容。他发挥了他的演说才能。这些每次15分钟，共约40次的广播文字稿，后来由哈考特-布雷斯公司以《广播风暴》为名出版。《纽约时报》对此发表评论，说房龙创造了“一种新的铸造文学产品的方式”。这之后，为了全身心投入《论艺术》的写作，房龙才暂时告别了播音。
美国总统罗斯福是西方社会坚定的反纳粹领袖，房龙非常支持罗斯福的政治观点，为此撰写了大量文章。当罗斯福得知这些的时候，回信说：“要是你再次来华盛顿而不让我知道，我会感到受了很大的侮辱。”
1938年3月，房龙又去播音了。一天夜里，纳粹的坦克碾过了奥地利的边界。伴随着《蓝色多瑙河》的背景音乐，房龙说道：“今晚，一位可爱的女士死去了，她的名字叫维也纳。”这句话使许多听众流下了眼泪。房龙用他对于艺术的敏感，唤醒了人类的良知。
如本文开始时所述，房龙出生于荷兰。在他幼年时，鹿特丹已经开始成为“欧洲的枢纽”，世界上最大、最繁忙的人工港，悬挂各种旗帜的船只就停泊在他的家门口。当他开始在纸片上涂鸦时，首先学会画的就是那些轮船。他的轮船后来“航行”到了客房的留言簿上、餐厅的桌布上和菜单的背面。房龙向读者奉献的第二本书就是《荷兰航海家宝典》，又名《船舶及它们如何在海上航行》。
欧洲有关于“飞翔的荷兰人”古老的航海传说。在各种国民性格中，荷兰人拥有天然的航海精神，以天地为舞台。这或许是房龙惯于站在整个人类高度思考问题的滥觞。在同学眼中，身高超过2米的房龙并不是一个非常有魅力的人。他的一位女同学回忆道：“房龙整个儿一个不对劲……这男孩有6英尺高或者还要高些，体重嘛，我得说至少有185磅。他不算肥胖，但油脂均匀地遍布全身，就像一只光滑好动的海豹。”也许比较壮硕的体格，限制了房龙去航海，但他在精神世界里远游，飞翔到了全世界几乎每个角落。
在中国，1927年，他的作品《古人类》就由才女林徽因翻译出版。《人类的故事》在20世纪30年代出现中文版。中国当代作家郁达夫评价说：“范龙（即房龙）的这一种方法，实在巧妙不过，干燥无味的科学常识，经他那么一写，无论大人小孩，读他的书的人，都觉得娓娓忘倦了”“……范龙的笔，有这一种魔力。但这也不是他的特创，这不过是将文学家的手法，拿来用以讲述科学而已。”
中国美术简史复习资料 第5篇
考题类型：一、二、三、四、填空题（不要有错别字）
图像题（要求绘制简单的画面示意图）名词解释题（紧扣题目不要作过多发挥）问答题（尽量全面 可以有个人的发挥）
填空题、图像题、名词解释的复习范围
1昭陵六骏（李世民陵墓六幅浮雕石刻）
昭陵六骏是指陕西醴泉唐太宗李世民陵墓昭陵北面祭坛东西两侧的六块骏马青石浮雕石刻。每块石刻宽约2米、高约1.7米。昭陵六骏造型优美，雕刻线条流畅，刀工精细、圆润，是珍贵的古代石刻艺术珍品。六骏是李世民在唐朝建立前先后骑过的战马，分别名为“拳毛騧”、“什伐赤”、“白蹄乌”、“特勒骠”、“青骓”、“飒露紫”。为纪念这六匹战马，李世民令工艺家阎立德和画家阎立本，用浮雕描绘六匹战马列置于陵前。2《历代帝王图》（十三帝王图）
现今我们所能见到的《历代帝王图》为后人的摹本，又名《列帝图》、《十三帝图》、《古列帝图卷》。画中刻画了历史上汉至隋间有不同作为的13 位帝王的形象，这13 位帝王按历史顺序依次是：前汉昭帝刘弗陵、后汉光武帝刘秀、魏文帝曹丕、蜀主刘备、吴主孙权、晋武帝司马炎、北周武帝宇文邕、陈文帝陈蒨、陈废帝陈伯宗、陈宣帝陈顼、陈后主陈叔宝、隋文帝杨坚、隋炀帝杨广。
作者
阎立本，生年不详，卒于673年，唐代画家。雍州万年(今陕西西安)人，祖籍榆林盛乐(今内蒙古和林格尔)。与父毗、兄立德俱擅绘画、工艺和建筑。高宗显庆初，兄死，代为工部尚书，总章元年(668)升右相，咸亨元年(670)任中书令。工书法，擅画人物、车马、台阁。有“丹青神化”、“冠绝古今”之誉。传世作品有《步辇图》、《历代帝王图》、《锁谏图》等。
3《捣练图》
《捣练图》是唐代名画，作者是唐代画家张萱，画作原属圆明园收藏。1860年“火烧圆明园”后被掠夺并流失海外，现藏美国波士顿博物馆。《捣练图》卷是一幅工笔重设色画，表现贵族妇女捣练缝衣的工作场面。这幅长卷式的画画上共刻画了十二个人物形象，按劳动工序分成捣练、织线、熨烫三组场面。第一组描绘四个人以木杵捣练的情景；第二组画两人，一人坐在地毡上理线，一人坐于凳上缝纫，组成了织线的情景；第三组是几人熨烫的场景，还有一个年少的女孩，淘气地从布底下窜来窜去。
4范宽 《溪山行旅图》
《溪山行旅图》是北宋范宽的代表作，也是中国绘画史上的杰作。这件作品给人的第一感觉就是气势雄强，巨峰壁立，几乎占满了画面，山头杂树茂密，飞瀑从山腰间直流而下，山脚下巨石纵横，使全幅作品体势错综，在山路上出现一支商旅队伍，路边一湾溪水流淌，正是山上流下的飞瀑，使观者如闻水声、人声、骡马声，也点出了溪山行旅的主题。
5牧溪法常与“禅画”
牧溪俗姓李，佛名法常，号牧溪，四川人，生卒年月不祥。简介
南宋画家，日本古籍《松斋梅谱》中评价牧溪的绘画“皆随笔点墨而成，意思简当，不费装缀。”中国《画继补遗·卷上》载：“僧法常，自号牧溪。善作龙虎、人物、芦雁、杂画，枯淡山野，诚非雅玩，仅可僧房道舍，以助清幽耳。”其画笔墨淋漓，颇具禅意。遗迹多流日本。其《远浦归帆图》真迹藏于京都国立博物馆。其《松猿图》对日本禅画尤有影响。甚至被评为“日本画道的大恩人”。代表作《潇湘八景图》
6张泽端与仇英的《清明上河图》 清明上河图（北宋张择端风俗画）
清明上河图即清明上河图（北宋张择端风俗画）。
清明上河图，中国十大传世名画之一。为北宋风俗画，是北宋画家张择端仅见的存世精品，属国宝级文物，现藏于北京故宫博物院。
清明上河图宽25.2厘米，长525厘米，绢本设色。作品以长卷形式，采用散点透视构图法，生动记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。在五米多长的画卷里，共绘了814个各色人物，牛、骡、驴等牲畜73匹，车、轿二十多辆，大小船只二十九艘。房屋、桥梁、城楼等各有特色，体现了宋代建筑的特征。具有很高的历史价值和艺术价值。
《清明上河图》的作者、年代及其艺术特色
张择端，字正道，北宋末期优秀的人物风俗画家。此图场面宏大，画家细微的观察竭尽全力对各种细节做精微、严密的描绘。全图巧妙地安排开端，高潮，收尾，波澜起伏，引人入胜，能唤起人们无穷的思绪。
明仇英款清明上河图
以仇英名款出现的《清明上河图》传世的目前所知原藏清内府的有两本，《石渠宝芨》初编著录一本原藏重华宫，落款“吴门仇英实父摹宋张择端笔”,本幅即为《石渠宝芨》所著录的。仇英与张择端一样，在他的《清明上河图》也表现了热闹纷扰的市井生活和民俗风情，场面宏大，气势雄伟，虽然在艺术性和史料价值上难以与张择端的《清明上河图》相提并论，却也构筑了一幅颇有声势和气魄的风俗画。7宋李嵩《货郎图》
货郎图即宋李嵩货郎图。
这是一幅人物风俗画卷，画面上货郎肩挑杂货担，不堪重负的弯着腰，欢呼雀跃的儿童奔走相告，喜悦之情溢于言表。货担上物品繁多，不胜枚举，从锅碗盘碟、儿童玩具到瓜果糕点，无所不有。在商品流通尚不够发达的南宋时期，货郎们走街串巷，一副货担就是一个小小的百货店，货郎们不仅为偏僻的乡村带来所需的货物，也带来各种新奇的见闻，货郎的到来往往象节日般热闹，李嵩在图中就描绘了这样一幅场景。画家借助货郎这一题材表现了南宋市井生活的一个侧面，那些令人眼花缭乱的物品，虽然今天有很多已不明其用途，但却真实地记录了南宋百姓的生活方式，是民俗学家不可多得的珍贵史料。
8元朝 谢楚芳《乾坤生意图》画卷
这是元朝（1279-1368年）一幅注明署名和日期的珍贵画作。绘画主题为动物和昆虫捕食。一只蟾蜍埋伏等待着正在肢解蝴蝶的蚂蚁，一只蜻蜓袭击蜥 蜴捕获的一只小昆虫，以及螳螂捕蝉。卷尾为我们展示了作品更深层的含义：自然界的美好和光明掩盖了昆虫求生引起的混乱无序。这幅画卷反映了当时许多中国人 面临的两难境地：是为蒙古政权效力以求生存，还是誓死效忠没落王朝而被饿死？
这件作品属于著名的“草虫”类画作，据《宣和画谱》（北宋时期宫廷所藏画作目录）记载，这类画作可追溯至1120年。作品颜色鲜艳，而画家的题词和卷 尾献词笔墨素雅，达到一种平衡效果。画卷将12世纪学院风格和传统文人风格相结合。人们对谢楚芳的生平知之甚少，只知道他可能来自江苏省毗陵市（草虫画的 创作中心）。
画卷丝质封套内写有“W.Butler”的签名和1797年，因此这幅画卷是最早被英国人收藏的中国画作。它很可能是通过中国与东印度公司的贸易或作 为礼物送给外交使者而流传到英国。19世纪，这幅画曾为托马斯·菲利普斯爵士（Sir Thomas Phillipps）（1792-1872年）所有，1964年著名的爱书人士从菲利普斯手中买下了它。
9明沈周《庐山高图》
庐山高图即明沈周庐山高。
《庐山高》是中国明代画家沈周的著名国画作品。该画为长轴，纸本设色，纵193.8 公分，横98.1 公分，原属北京故宫旧藏，现藏于中国台北故宫博物院。《庐山高》是沈周为他的老师陈宽（醒庵）70岁生日祝寿，凭借想象而创作的一幅国画精品。时年沈周41岁。
10文徵明《真赏斋图》
《真赏斋图》，明代画家文徵明作。为好友华夏（字中甫）而作。华夏在无锡隐居时，曾在在太湖边修建了别墅——真赏斋。他收藏金石书画凡四十余年，鉴赏水平很高，时称“江东巨眼”。此图是画家八十八岁时（公元1557年）所作。构图简洁别致，主题突出，用笔苍润，秀挺，富有表现力。图右画太湖石一组，展现出一个幽静秀美的天地，古松、高梧中修竹丛生，掩映着一幢草堂书屋。室中主宾隔案对坐，似展卷交谈，传神的几笔把人物写得生动而准确，使整个画面完整精美。中国历史博物馆藏。11明唐寅《落霞孤鹜图》
落霞孤鹜图即明唐寅落霞孤鹜图。
画家自题云“画栋珠帘烟水中，落霞孤鹜渺无踪。千年想见王南海，曾借龙王一阵风。”表示他羡慕《滕王阁序》作者王勃的少年得志，为自己坎坷的遭遇鸣不平。在表现技法上，近景的山石多用湿笔皴擦，勾斫相间，用墨较重。全画墨色和悦润泽，景物处理洗练洒脱。
12明唐寅《王蜀宫妓图》
《王蜀宫妓图》轴，明朝，唐寅作，绢本，设色，纵124.7cm，横63.6cm。唐寅人物画中工笔重彩一路画风的代表作品，显示出他在造型、用笔、设色等方面的高超技艺。仕女体态匀称优美，削肩狭背，柳眉樱髻，额、鼻、颔施以“三白”，既吸收了张萱、周昉创造的“唐妆”仕女造型特色，又体现出明代追求清秀娟美的审美风尚。
13明唐寅《秋风纨扇图》
秋风纨扇图为唐寅水墨人物画代表作，画一立有湖石的庭院，一仕女手执纨扇，侧身凝望，眉宇间微露幽怨怅惘神色。她的衣裙在萧瑟秋风中飘动，身旁衬双勾丛竹。此图用白描画法，笔墨流动爽利，转折方劲，线条起伏顿挫，把李公麟的行云流水描和颜辉的折芦描结合起来，用笔富韵律感。全画虽纯用水墨，却能在粗细，浓淡变化中显示丰富的色调。画左上部题诗：“秋来纨扇合收藏，何事佳人重感伤，请把世情详细看，大都谁不逐炎凉。”借借汉成帝妃子班婕妤色衰恩弛，好比纨扇在秋风起后被搁弃的命运，抨击了世态的炎凉。显然，这是与唐寅个人生活的不幸遭遇有关的。画中女子一脸衰怨，或许正是唐寅自身的写照。
14明仇英桃源仙境图
仇英此画远处峰峦起伏，幽深高远，山间云蒸雾漫，远山深处庙台亭阁在云雾中时隐时现，若仙若幻。前景是流水木桥，奇松虬曲，景致幽雅。在艺术表现上，画家勾勒精工，似学宋赵伯驹一派。不论一草一木，一枝一叶，还是人物的动态和表情都描绘的细致入微，严谨工细。通幅青绿着色，色彩妍丽雅美。显示了仇英精深的人物和山水表现能力。
15吴门书法三大家
明代中期的苏州，有三位才子，这就是大名鼎鼎的祝允明、文徵明和王宠。他们多才多艺，特别是在书法方面功力深厚，个性鲜明，风格独特，号称“吴门书法三大家”.16吴门四家
明四家（吴门四家）：指中国画史上沈周、文徵明、唐寅、仇英四位明代画家。“吴门四家”中沈周与文徵明，是吴门派文人画最突出的代表。他们都在江苏苏州从事绘画活动。因苏州古为吴地，故又称、沈、文、唐、仇为“吴门四家”。
17金农《月华图》净，却表现出画家强烈的感情。
此图是金农晚年画赠友人之作。全画中只有一轮满月，里面是凹凸起伏的阴影，外缘放射出赤橙黄绿青蓝紫组成的光芒。画面赋色简逸纯18“扬州八怪”（中国清代中期书画家）
扬州八怪是中国清代中期活动于扬州地区一批风格相近的书画家总称，或称扬州画派。
“扬州八怪”都包括哪些画家？他们的绘画是在什么历史环境下产生的？其艺术倾向如何？
金农、郑燮、黄慎、李婵、罗聘、李方膺、汪士慎、高凤翰.这些画家大胆突破了当时以四王为代表的所谓正统派,崇尚摹古、一味追求笔墨形式的桎梏,在继承传统的基础上敢于创新,这些人的艺术态度有许多共同趋向,在他们的绘画中又有某些共同点,借于书画发泄失意并诗,书,画结合,艺术上主张师造化,注重创作.追求书画同源的艺术情趣.19齐白石《松鹰图》
这幅《松鹰图》是中国画家齐白石的以鹰为题材的作品之一，画面采用的是“顶天立地”的构图方式，雄强的笔触勾勒出苍劲的松树，倒长的枝干又生出挺立而上的松针，寄托着白石老人老当益壮的豪迈心情。
作品简介
本件作品已入编《二十世纪美术作品国家档案－齐白石卷》，此画落款辛卯年，也就是1951年，这一年，白石老人被周总理聘为中央文史研究馆馆员。这对老人而言是极大的肯定，也激发了老人更大的创作热情。[2-3]
20齐某上书
《齐某上书》一纸，文曰：“主席钧鉴：敬呈者，某自七岁牧牛，十□岁为木工，卅岁学作画刊印，六十岁后因乡关有兵事，避乱来北京，以卖画刊印作活计。今已九十岁，还在人间，且欲以口服累及吾主席矣。盖某老年丧偶，饮食起居，赖护士扶持，膝下稚子雏孙近廿口。去岁承艺专月赠小米八百斤，当时物价低廉，且有少量刊画收入补助，故得勉强支持。最近百物上涨，刊画更趋沉寂，仅恃艺专薪资，每月樽节为之，只能支持旬日，活计实属堪虞。以是不揣迫切上书，乞主席按月增加津贴，藉以全我主席养老之大德。此外，某于往年在湖南湘潭白石铺茹家冲置有田屋，田约二百余亩，住宅一进。当时出此者，实欲于老年南归，教子耕种，以养某余年。不料从抗战至今，卒无南还机会，余年几何？且儿辈均侍在京，往后决令其以劳动取食，以符主席各尽所能、各取所值之旨，无须田屋。为此，拟将上项田屋全部献给国家，以便归还人民。上两项谨呈，某不胜待命之至。未缘觐见，惟遥祝主席寿并河山。敬请钧安。齐某上书。”
《齐某上书》为1950年初齐白石写给毛泽东信函的草稿。此信前半段为虚，后半段才是实。当时天下初定，百废待兴，党和政府的关怀还未送达齐白石这样的老艺人身边，加上艺术市场萎缩，“刊画更趋沉寂”，以卖画为生的齐白石不得不为将来的“活计”担忧；不过齐白石三十年代以后卖画生意向来很好，加上生活节俭，一有积蓄即换为金银，埋入地下保存，因而绝不至于无米下锅。强调早年穷苦、中年奔波、老年丧偶、生活困难，先博取同情，是为了探听在“土改”运动中，家乡的“田约二百余亩，住宅一进”是否会累及自身和家人。白石老人还是搭准了“新社会”的“时代的脉搏”，在明知保不住的前提下，主动向同乡毛主席表态将“田屋全部献给国家，以便归还人民”。后来的事实证明，齐白石这种一贯的只求做“顺民”的低姿态，在“新时代”不仅足以自保，并且得到的礼遇远比“按月增加津贴”要多得多，这或许是出乎他意料的。
事实上，1949年初，北平解放后，毛泽东就曾写信向齐白石致意。应在此“上书”后不久，1950年4月，毛泽东便邀请齐白石晚宴，朱德作陪。10月，齐白石把自己八十二岁时所作《鹰》配上“海为龙世界，云是鹤家乡”的篆书对联，献给毛泽东。1946年，齐白石为蒋介石祝寿送的《松柏高立》图，画的也是鹰，篆书对联是“人生长寿、天下太平”。1955年，齐白石送给到访的德意志民主共和国总理格罗的作品也是《鹰》，同时送给副总理博尔茨的却是《菊花蝴蝶》。足见齐白石的“鹰”是非大“贵人”不送的。
接着，好事连连：1951年，齐白石被选为中国文联主席团委员；1953年1月，中央美术学院庆祝白石老人九十寿诞，毛泽东亦送寿礼；同年，文化部授予齐白石“人民艺术家”荣誉奖状，并选其为北京中国画研究会主席；1954年，在北京举办“齐白石绘画展”，并当选为第一届全国人民代表大会代表；1955年，德意志民主共和国艺术科学院授予齐白石为“通讯院士”荣誉状；1956年，荣获世界和平理事会颁发的1955国际和平奖金；1957年，在他故世的这一年年初，担任北京中国画院名誉院长。
当年夏午诒曾给齐白石一笔钱，让他捐个官做，但齐白石坚持布衣身份。1920年，为感激梅兰芳在“满座都是阔人”面前为他“圆了面子”，赠诗云：“曾见先朝享太平，布衣蔬食动公卿。而今沦落长安市，幸有梅郎识姓名。”齐白石正是以布衣农民的质朴与精明，经营自己的艺术和人际关系，赢得了“先朝公卿”的礼遇和帮助。《综合卷》收有一封夏午诒1933年写给齐白石的信札，对久未谋面的故交，夏氏的语气超乎寻常的恭敬，对齐白石的艺术更是无比“佩仰”，求字则曰：“敬求白石山翁篆一窄小长联。”此“山翁”在夏榜眼的眼里早已不是当年的“草衣”。在“贵人”们一一故去之后，齐白石也还有过“动公卿”的念头，如1946年请胡适编年谱、去南京办展览、送蒋介石画作等一系列举动。无奈天下不太平，“公卿”们自顾不暇。好在齐白石“人生长寿”，等到真正的“新朝”到来时，他的“草衣”身世及其艺术的民间性，反而为他带来了“人民艺术家”的最高荣誉，成了那个时代的“贵人”，这是齐白石所不曾梦见的。
《北京画院藏齐白石全集·综合卷》收有老舍的那封著名的《命题求画信函》，以古诗四句为题求画。我们知道的故事是：齐白石以“蛙声十里出山泉”作画，只画一泓山泉和数只蝌蚪，即让人若闻“蛙声十里”矣。于是我们感慨画家的奇思妙想和高超手段。看到这信的原稿才知道，其实老舍事先对每句古诗都做了提示，如：“
二、蛙声十里出山泉，查初白句。蝌斗四五，随水摇曳，无蛙而蛙声可想矣。
三、凄迷灯火更宜秋，赵秋谷句。一灯斜吹，上飘一黄叶，有秋意矣。”从一定意义上说，这是整个时代对齐白石的宠爱。我们不知道年过九旬的白石老人，是否会像当年王湘绮在“南昌七夕联句”诗稿上加上他的名字一样，觉得受之有愧。可以肯定的是，《北京画院藏齐白石全集》的很多内容，齐白石是不愿公之于世的。比如，我们把收录作品的几卷和《手稿卷》、《综合卷》对比着读，细心而谙熟齐白石画风的读者会发现，所谓的“范本”有时候也不必是画家本人的手笔。天才总是有一点怪癖与算计的，既然齐白石早年的“贵人”们可以如此宽容，那么我们完全可以上升为
问答题范围1、2、3、4、简述汉代艺术中羽人的造型特点及功能 试举一例，谈谈中国绘画中的真实与理想 简述唐寅绘画的艺术特色与成就
齐白石在1949-1950年间其地位及待遇所发生的升降沉浮背后的原因是什么（时代政权与艺术的关系）
5、6、五四时期的启蒙思想家对中国美术的发展有何看法
外国工艺美术复习资料 第6篇
温卡陶器 因最早发现于南斯拉夫首都贝尔格莱德附近的温卡而得名。陶器是以小型陶像著名，造型特征是由立体的“面具”脸，配以显著的杏仁状双眼和高大的鼻子，或坐在椅子或脚凳上，同时可以看到手镯、项链、耳环等配饰品，装饰意味非常浓郁。
绳纹式陶器 出现在公元前8000年左右的“绳纹文化”时代早期，此期的陶器底部呈尖形或圆形，器壁上用篦尖刻画出精美的纹样，或用绳子缠在器壁上后滚动器物，或用贝壳押印成奇特的装饰纹样，这种纹饰实际上是修整器物形制时留下的痕迹。
黑顶陶器 在整个土红色的器物上部或顶部施以黑色釉泥，形成红黑两色对比强烈的装饰效果的陶制品。它们的造型异常单纯简练，器型外部线条十分自然流畅。具有古朴典雅之风韵,代表了埃及早期陶工艺的面貌。
化妆石板：化妆石板是由早先一种碾磨化妆颜料器具演化而来的纪念性雕刻石板，形状一般为盾形，时常两面都雕刻有装饰图案。代表作《美尼斯王征服三角洲》
《美尼斯王征服三角洲》其内容和形式都很完美，前后两面皆以浮雕形式表现了美尼斯王统一埃及全境的各种形象，是一件宣告埃及王朝时代开始的历史作品。以象征的手法表现了美尼斯王的巨大威力和宏伟业绩，同时体现了埃及艺术浑厚、古朴的特征，开创了“正身侧面率”的表现方法，奠定了埃及艺术风格的基础。
正身侧面律，也称作侧面正身律，是埃及绘画与雕塑中典型造型艺术方式。头部呈侧面像，眼睛为正面形，肩胸上半身为正面，两腿双足同样呈侧面。
玻璃鱼形容器 现藏于大英博物馆的《玻璃鱼形容器》出土于阿玛那，是一件最能代表古埃及玻璃工艺水准的佳作，其艺术效果和工艺技巧均达到了极高程度。制作方法：沙芯法。
沙芯法：1首先由混有黏土及多量沙质的粗糙物质做成容器的内部形态，2由金属棒的一端撑起来，3再侵入装有选做底色用的玻璃溶液的“坩埚”中旋转，使之附上一层厚度相同的玻璃层。4在这种附着的玻璃外壳尚未冷却之际，便贴上保持半流动状态的，拉长的各种色彩的长条形状的波状纹样。5待容器外表光滑冷却之后，再把颗粒状的内部沙土从中掏取出来。
哈拉夫式彩纹陶器：公元前约5500——4400年，多色彩纹土陶，器型丰满，装饰华美，高温焙烧呈现近似陶瓷的光泽。以红、黑、白、褐等色绘制图案。代表了新石器时代陶工艺的较高水平。
翼狮形角杯：在古代波斯所有工艺中最具代表性，它的基本结构都是前面带翼的狮头、鹰头或者其他动物的形象，后半部分为高筒的杯子，大都以金、银等贵金属制成。作品结构严谨、做工考究、形象饱满，反映了强大的波斯帝国处于黄金时代的风采。
《人物纹八曲长杯》 萨珊王朝银器尤以八曲长杯最具特色，它因杯子的口缘弯曲成八份，并呈细长形状而得名。其装饰多在杯子的外壁和底部，纹饰精致典雅，颇具装饰 效果。
波斯地毯织毯工艺是波斯最具代表性的工艺之一。因其优质的材料、精致的做工、变化多端的编制技巧而享誉全球，波斯的染织工艺十分发达，并以品质优良、工艺精湛、纹饰华丽而著称于世。图案纹样繁缛，设色华丽，材质讲究，织毯居多。
萨拉纳特石柱 =《狮形石柱头》是阿育王石柱典型代表。这组狮子像，设计奇巧，工艺精湛，其光洁莹润的程度，完全可以与玉石相媲美。其造型设计亦极具艺术色彩，且洋溢着浓郁的古典意趣，因而备受后人仰慕，现在印度的国徽纹样，就是采用的这个四狮雕刻形象，可见其在印度人心目中的地位。
罗马赤陶：罗马赤陶是在初具规模的手工作坊中生产的，将干坯浸入含铁成分较高的泥浆中，施挂一层薄薄的陶衣，晾干后在1000度左右的氧化焰陶窑中烧成。这样，施挂器表的含铁量较高的陶衣在烧制时形成氧化铁，呈朱红色。这种朱红色的陶器，几乎都有浮雕装饰，而且大致都是嵌花贴饰或模型翻印而成。
万花玻璃杯：古罗马的玻璃工艺制品中最精彩的是“万花玻璃”制品，将扭曲的各色玻璃合起来经热熔形成棒，再将此棒切断并置于器壁上，于是形成四方连续的纹样，在经热熔处理，使各色之间相互溶合，产生绮丽而辉煌的梦幻般的效果。
米奈型陶器 这是伊斯兰陶瓷艺术设计中色彩最华丽、装饰最丰富的类型，又称“七彩器”。其技法是先在白色底釉上描绘蓝彩纹样，施无色釉烧成后，再绘以赤、黑、金、褐等各色纹样．并经低温烧制。
奈良三彩 奈良时代开始从唐代引进“唐三彩”的烧制技法，并加以仿造，成为“奈良三彩”。为铅釉低温烧制陶，其创造之处在于，把唐三彩以“褐”为主色的褐、黄、白釉色，改为以“白、绿”为主色的白、绿、褐三色。在形态上，以日常生活用容器为主，或是模仿铜合金佛用器具烧成的壶、瓶、钵、盘、碗等。
莳绘 漆工艺技法之一，将金粉以蒙上沙网的竹管抖落于漆器纹样上，形成自然效果。以淡雅而优美的表现形式，不拘泥于自然景象的描写，将其归纳为纹样，以比较自由的莳绘形式来表现绘画一般的效果。在技法上，出现了研出、莳绘、平尘、沃悬地等。
友禅染 江户时代中期出现，在丝绸上印染有花鸟、草木和山水、人物等图案的印染方法，是印染技术上的一场革命。它是先在丝绸地上用胶描绘纹样后印染，最后再用水将胶洗掉从而完成制品。这种技法可以忠实地表现出作者想要表现的内容。
圣遗物箱: 是欧洲中世纪金属工艺美术的种类，用来安放基督教圣者遗物或骸骨的容器。有各种材料制作的，尤以金属制作并以宝石、珐琅、玻璃等材料加以装饰的作品最为精美。造型有：建筑形、人物形、动物形
彩绘玻璃窗 彩绘玻璃窗主要盛行于罗马式和哥特式时期。先用铅条编连成各种抽象的轮廓，然后再用小块的玻璃镶嵌彩绘而成，所以带有单线平涂似的绘画意趣。色彩比较丰富，基本色调是红、蓝、紫3种。纹样比较简明，大多为抽象纹样或植物纹样。
田园风格陶器 文艺复兴时期著名法国陶工伯尔拉尔·巴利希 创造了“田园风味的陶器”，它浮雕式的装饰手法，常见的装饰题材是鱼、贝、昆虫、螫虾、蛇、蜥蜴等，表现手法写实、趣味奇特
穆拉诺式玻璃器： 是文艺复兴时期意大利的玻璃工艺，早期的穆拉诺式玻璃器的装饰是在成型的器皿上加以彩绘，然后二次烧成，常见的有玻璃高脚酒杯、碗和盘等等。在装饰上是以彩绘形式表现神话故事，寓意人物。
“戈贝兰式花壁毯” 路易十四的宰相戈培尔成立了为宫廷服务的“戈贝兰织物所”,负责人就是宫廷画家夏尔·勒布伦,闻名于世的“戈贝兰式花壁毯”即由此而来。代表作品：《国王的故事》、《亚历山大的故事》、《十二个月》、《路易十四加冕式》
德尔夫特窑陶器是巴洛克时期工艺美术品种，受东方陶瓷的影响。17世纪后半期，荷兰德尔夫特窑的陶工艺开始领先于全欧洲。用本地软质陶仿制远东硬质瓷，但完全按照西方的审美而设计。
玫瑰色蓬巴杜式 塞弗尔窑瓷器装饰特点在器皿的两面中央绘以罗可可式的装饰纹样，以青、绿、黄或玫瑰色为底。大多以蓬巴杜夫人所喜欢的玫瑰色作底色。又称“玫瑰色蓬巴杜式” 乔桑·韦奇伍德韦奇伍德既制作实用瓷也生产装饰用瓷，最著名的装饰瓷器是用“黑瓷”和“碧玉炻器制成的。其色彩有各种浓淡的蓝、绿、黄、紫、褐等。以绝对均匀无光泽的底子将模塑的白色装饰浮雕衬托出来，与硬石雕刻极为相似。常用于复制古代的手工艺名作。 二 简答题结合古代埃及主要成就分析工艺美术与环境的关系。
自然环境是古埃及文化形成与发展的重要因素： 1埃及地理位置的封闭性使古代埃及人产生了孤立主义情绪和以埃及为世界中心的思想；2各种自然力如太阳、尼罗河和风强烈地影响着埃及人的世界观和宗教观；3埃及地形、地貌的一致性使埃及人敬畏一切破坏这种一致性的事物,进而把它们全部人性化；4埃及地形的对称性则使埃及人的宗教、文学和艺术呈现出对称性的特点。
2古希腊陶器的历史分期及其主要特征
古希腊陶工艺发展分期： 几何纹样期（前9世纪~公元前8世纪）第一阶段：平行线、交叉线、三角线、s纹、回纹等为主要特色；第二阶段：图案化的人物装饰为其特色。
尾等
黑色纹样期（公元前6世纪）赤色、黄褐色陶壁上用黑色剪影纹样，以刻线表示纹路结构。色料着色效果强、重实用性装饰内容以神话东方纹样期（公元前7世纪）受古埃及、亚述、叙利亚等东方国家影响。纹样：动植物纹、怪兽纹、棕榈纹、莲花纹、狮头、羊身、蛇故事和英雄传说为主，常常是以两耳为界，分为两个大的画面。
红色纹样期（公元前5世纪）在赤褐或黄褐色的陶壁上用黑色或深褐色作勾勒和装饰，然后再在形象以外的部分涂上黑色色料。其效果较之黑纹式的刻线显得更为灵活自如、丰富多彩。装饰主题：出现许多日常生活场景
彩色纹样期（公元前5世纪后半期）作品器形小巧精制，艺术风格倾向于华美、柔和。3试论伊斯兰教工艺美术的装饰特征及形成原因 伊斯兰艺术以具有象征性和装饰性的抽象纹样为主，形成独特而精美细密的阿拉伯纹样体系：植物纹、几何纹、阿拉伯文字纹样。装饰风格的形成原因 地理环境：阿拉伯半岛大部份地区是沙漠或干燥草，人们梦想的家园应该同《古兰经》所描述的天国一样。这种巨大的反差,迫使伊斯兰艺术家创造出慰藉心灵的艺术。即复杂的装饰图案和蓝绿两色频繁使用，蓝色比喻水天一色,绿色象征植被和生命。
单一的宗教信仰：伊斯兰教讲求绝对服从，禁止偶像崇拜。这使得伊斯兰艺术转向象征性和装饰性的抽象纹样，形成独特的阿拉伯纹样体系。
多重外来文化（波斯、希腊、罗马、印度、中国等）的影响：阿拉伯人所征服的很多地区,都曾经拥有辉煌的古代文明,这些高度复杂化的古代文明并没有湮灭伊斯兰的艺术,而是被伊斯兰所吸收和利用。在恪守朴素的伊斯兰基本信仰的基础上,对可调和的东西采取包容的态度,这也是伊斯兰艺术能够发展壮大的根本原因
4文艺复兴、巴洛克、洛可可及新古典主义时期艺术风格区别 文艺复兴 在人文主义思想影响下，呈现出庄重典雅、和谐含蓄、充满古典意蕴和世俗情调的风格特征。在材料运用，制作工艺，表现题材等方面有了显著提高。
巴洛克 表现出与古典艺术形式的对立，追求标新立异。创作风格豪华壮观、大气磅礴，充满阳刚之气。注重外在表现形式，作品充满强烈的动势。
洛可可 纯粹的宫廷艺术，带有明显的享乐主义色彩。注重精致、纤细秀美的装饰效果；热衷于精雕细琢的表现手法，作品造型多用曲线；呈现出阴柔之韵和矫揉造作的气质。洋溢着东方特别是中国情调。
新古典主义一种崇尚庄重典雅、带有复古意趣的艺术风格,反对罗可可艺术的过分雕琢,给欧洲带来了一股清新的装饰风。5 原始社会工艺美术的特点 1最初的工艺美术是为了有效的劳动和生存的保障而产生的，决定了当时工艺文化的特性 2实用功能大于审美功能，符合当时的生存条件和生活动机，原始工艺美术作品始终将实用功能作为先决条件； 3材质决定技术和工艺形式，材质是工艺美术创作的“灵魂”，离开了材料就没有工艺美术可言。4不断创造，由最初的使用自然材料，逐渐掌握改变自然材料性质的技能 5工美是人类精神文明和物质文明的结晶 6工美的存在发展以及风格不是孤立的，它离不开人类生存的环境，宗教信仰民族文化和时代发展的影响
6简述古代日本工艺美术的发展历程
1上古文明时代的日本工艺美术，装饰和造型不受任何外邦文化的影响，具有深刻的内涵和自然属性；
2佛教传人日本之后，工艺美术的发展产生了极大改变，基本上成为中国大陆和朝鲜半岛佛教文化的派生体，至8世纪，日本工艺美术呈现“唐风”一边倒的态势；
3至平安时代，日本工艺美术摆脱了外来文化的影响，并完成了由“唐风”向“和风”的过渡
4至室町时代，日本工艺美术受到禅宗和中国宋元文化的影响，呈现出寂静和典雅的风格特征。之后，这种在禅宗思想影响下的工艺文化一直在日本占有主导地位。
7文艺复兴时期工艺美术出现的几个转变
1工艺美术活动中心已逐渐摆脱了教会的控制，而出现了封建君主的宫廷工坊，即由宗教性质的工艺美术变为宫廷性质的工艺美术；2工艺品的生产与人们的生活需求产生了更为密切的联系，促进了工艺美术的繁荣；3此期的工艺品更多的反映出艺术家的创作热情，艺术家的才能和智慧得到了更为充分的发挥；4中世纪传统的工艺美术种类呈衰落倾向，而符合广大市民阶级需要和材料自身价值较低的木质家具、玻璃器皿和陶器则得到了广阔的发展；5文艺复兴时期的工艺美术更注重造型和色彩方面的比例与协调，一般器物的造型也考虑到适用和便利因素。