古典音乐入门范文（精选8篇）
古典音乐入门 第1篇
古典吉他入门教案提要
朱可翔 1134782160
课程设置目的与要求
本课程面向的对象为愿意学习古典吉他的，但没有或者只有一点关于吉他演奏和音乐认识的初学者。
课程的设计目的在于，使学生能够在完成全部课程之后，建立起对于音乐和古典吉他演奏的基本概念和意识，能够进行简单的独奏和合奏，为今后进一步的学习奠定一个良好的基础——即使学生打算转向吉他弹唱，已经掌握的内容也足以完成大多数的歌曲。
课程设置的原则是，首先尊重吉他学习的规律和现有的教学方法和经验，不因为“枯燥乏味”等原因而回避一些必要却较为机械的练习；其次是在保证必要的训练量之后，适当选取一些具有较好的练习价值的流行歌曲弹唱，以调动学生兴趣；最后是要求完成的作业部分，尽量确保相互之间的联系，既能复习已经学过的内容，又能为接下来的学习打好基础，考虑到具体学生的情况，教授时会酌情布置。
课程提要（按每节课顺序介绍）
第一节：
课程内容：
（一）熟悉古典吉他的构造和组成部分；
（二）学会正确的持琴姿势；
（三）左右手的基础指法：
1、学会左手正确的按弦方式；
2、学会右手p、i、m、a指的靠弦奏法；
3、右手i、m指的交替奏法；
4、左右手能进行初步的协调
（四）基础的乐理了解，学会十二平均律和C大调音阶。
作业：
（一）纵向间隔一品的爬格子；
（二）C大调音阶；
（三）两到三首简单的单音旋律练习曲。
第二节：
课程内容：
（一）右手反向三连音的琶音练习（以爱的罗曼史为例）；
（二）加强右手大拇指靠弦奏法练习；
（三）学会大拇指与其他指头同时奏响。
作业：
（一）《小星星》；
（二）《爱的罗曼史》前四个小节；
（三）《马车夫舞曲》前四个小节。
第三节：
课程内容：
（一）学会a小调音阶；
（二）加深对于右手i、m交替指法的理解和运用；
（三）小横按。
作业：
（一）《马车夫舞曲》五至八小节；
（二）《爱的罗曼史》五至八小节。
第四节：
课程内容：
（一）对音程有初步认识；
（二）左手手指独立性的练习（交叉和横向的爬格子）；
（三）右手2/4，3/4，4/4等几种节拍的琶音练习；
（四）简单的C大调或a小调歌曲弹唱。
作业：
（一）《马车夫舞曲》旋律部分全部；
（二）《兰花草》弹唱。
第五节：
课程内容：
（一）大横按；
（二）双音练习；
（三）大拇指的靠弦奏法加强训练。
作业：
（一）《爱的罗曼史》A段全部；
（二）《欢乐颂》；
（三）《多年以前》。
第六节 ：
课程内容：
（一）右手大拇指与其他指头的协调练习；
（二）琶音训练。
作业：
（一）《马车夫舞曲》全曲；
（二）《小行板a小调》第一段。
第七节：
课程内容：
（一）和弦转换；
（二）左手圆滑音（击勾弦）。
作业：
（一）自选C调歌曲弹唱；
（二）《连音华尔兹》；
（三）《中板》。
第八节：
课程内容：
（一）G调音阶；
（二）琶音练习；
作业：
（一）《小行板a小调》全曲；
（二）《摇篮曲》；
（三）《G大调华尔兹》A段。
第九节：
课程内容：
（一）琶音练习；
（二）反向三连音练习。
作业：
（一）《喀秋莎》；
（二）《爱的罗曼史》B段；
（三）《G大调华尔兹》全曲。
第十节：
课程内容：
（一）左手揉弦练习；
（二）《小罗曼史》。
作业：
（一）《小罗曼史》A段；
（二）《小星星》。
第十一节： 课程内容：
（一）《小罗曼史》；
（二）轮指基础训练。
作业：
《小罗曼史》全曲。
第十二节：
课程内容：
（一）《小罗曼史》；
（二）《雨滴》。
作业：
《雨滴》。
古典音乐入门 第2篇
记谱法
记录乐曲的方法叫做记谱法。
在历史发展过程中，由于乐曲的不同内容和需要而产生了各种各样的记谱方法。如为古琴用的古琴谱，为锣鼓用的锣鼓谱，以及我们现在普遍应用的五线谱、简谱和在我国民间应用的工尺谱等便是。
各种记谱法虽然在其发展中不断地趋向完善，但到目前为止，世界上还没有一种记谱法能够完美无缺地记录音乐。如音高、力度、速度上的细微差异，许多装饰音的奏法等，都还需要演奏者凭其各自不同的理解来加以具体的分析和处理。
正确的记谱对创作和表演都是十分重要的，每个学音乐的人应该很好地掌握记谱法，特别是对学作曲的人来说，具有更为重要的意义。
基础乐理--谱号
前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
通常用的谱号有三种：
G谱号 表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号;另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。
F谱号 表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号;另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。
C谱号 表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。
目前被采用的C谱号有C三线谱号(中音谱号)为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号(次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。
使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。
各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。
基础乐理--音的分组
前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个“组”。
在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。
比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。
小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。
比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。
小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。
大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。
大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。
大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。
基础乐理--十二平均律
将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。
十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载(土育)(1854年)。
半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。
在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。
在钢琴上，相邻的两个琴键(包括黑键)都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成全音。
基础乐理--音律
乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有“纯律”、“五度相生律”和“十二平均律”三种。目前被世界各国所广泛采用的是“十二平均律”。但“纯律”和“五度相生律”在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。
关于音级的介绍
音级是乐音体系中的各音，它有基本音级和变化两种。前者在乐音体系中具有七个独立的名称，钢琴键盘上白键所发出的音是与基本音级相符合的。后者是将基本音级加以升高或降低而得来的。
基本音级的名称，用字母体系和唱各体系两种方式来标记：
字母体系：c、d、e、f、g、a、b
唱各体系：do、re、mi、fa、sol、la、xi
目前国内的音乐基础知识业余考级里所指的音级是调式音级。调式音阶中的各音就叫做调式音级。每个音阶中的主音也就是调式音阶中的I级音。每个调式音阶的主音不同但标记永远以主音为I级。
do、re、mi、fa、sol、la、xi、do
例：C自然大调标记：
la、xi、do、re、mi、fa、sol、la
a自然小调标记：i ii iii iv v vi vii i
大调音阶用大写字母标记，小调音阶用小写字母标记。
练习提示：
1.弹出标准音用来听辩主和弦和主音，把主和弦和主音听辩正确后即能确定你所做的题应是什么调式。
2.弹奏题目中的调式音，用第一步确定好的调试音阶来判断此调式音的音阶。
乐理知识-音及音高
音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。
音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。
音的高低是由于物体在一定时间内折振动次数(频率)而决定的。振动次数多，音则高;振动次数少，音则低。
音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长;音的延续时间短，音则短。
音的强弱是由于振幅(音的振动范围的幅度)的大小而决定的。振幅大，音则强;振幅小，音则弱。
音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等不同。
音的以上四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。试以《社会主义好》这首歌为例，不管你用人声来演唱或用乐器来演奏，用小声唱或是大声唱，虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨认出这支旋律。但是，假如将这首歌的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。
由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。
在我国民族音乐里，噪音的使用具有相当丰富的表现能力。如在戏曲音乐中，打击乐器在其他艺术表现手段的配合下，在塑造人物形象，表现各种思想情感方面，其作用是异常明显的，这是世界音乐文化中非常具有特色的一部分，是值得我们很好地研究和学习的。
乐理知识-音域及音区
音域有总的音域和个别的人声或乐器的音域两种。
总的音域是指音列的总范围，即从它的最低音到最高音(C2-c5)间的距离而言。
个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能达到的那一部分，如钢琴的音域是A2-c5。
音区是音域中的一部分，有高音区、中音区、低音区三种。
在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和五组属高音区，大字组、大字一组和大字二组属低音区。
各种人声和各种乐器的音区划分，往往是不相符合的。如男低音的高音区是女低音的低音区等。
各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的作用。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。
乐理知识-浅谈简谱
题外话:这个好象没有五线来的方便~~~
简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便，因此在我国广泛流传。
简谱有它的优点，但也有它的缺点。例如记合奏合唱，它就不象五线谱在视觉上那么清楚，而记钢琴谱几乎是不可能的。过去有人认为简谱简单、不科学，因而否定了简谱在现实音乐生活中的重要作用，那是错误的。应该承认：简谱对音乐的普及和推广，作出了重大的贡献。在今后相当长的时期内，简谱将会继续发挥它的积极作用，为社会主义文化事业服务。
简谱的创造和发展过程，因为缺乏有关的材料，还不能作准确的介绍。法国的加林(1786-1821)和舍维(1804-1864);英国的格兰威尔(1785-1867)和葛尔文(1816-1880)，在简谱体系方面，都曾作过研究和整理。我国的简谱是由日本传来的。这种体系与舍维的体系已有所不同。按照舍维体系，八分音符和十六分音符的短线，都加在音符的上方。
然而日本的简谱到了我国，特别是解放后十年来，又起了许多变化和发展，现在只将现行的简谱作如下的简单介绍。
在简谱体系中，音的相对高度暖和七个阿拉伯数字来表示的。这几个音的相互关系，除3 4、7 i 半音外，其他全为全音。
标记：1 2 3 4 5 6 7 i
唱法：do ri mi fa sol la si do
在音符的上面加一小圆点，即表示高八度演唱，加两个圆点表示高两个八度;反之，在下面加一个圆点，即表示低八度演唱，加两个圆点表示低两个八度。
要准确地表示音的绝对高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。
为了避免在音符的上面或下面过多的加点，在合唱、合奏谱中，往往应用移高或移低八度的方法来记低声部或高声部。例如：男高音、男低音、琵琶、低胡用高八度记谱;梆笛、板胡用低八度记谱等便是。
音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。
在简谱体系中也应用附点。但只到四分音符为止;再长的音符，如二分音符、全音符则继续用增加短横线来表示。
附点全音符： 1- - - - -
附点二分音符： 1- -
附点四分音符： 1.
附点八分音符： 1.
附点十六分音符：1.
表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目、在0的右面加附点来标记。通常所用的休止符如下：
全休止符： 0 0 0 0 附点全休止符： 0 0 0 0 0 0
二分休止符：0 0 附点二分休止符： 0 0 0
四分休止符：0 附点四分休止符： 0.
八分休止符：0 附点八分休止符： 0.
十六分休止符：0 附点十六分休止符：0.
三十二分休止符：0(下加三横线) 附点三十二分休止符：0(下加三横线)
长达数小节的休止，可用长休止号。写在小节内，上面的数目字表示休止小节的数目。
仅有长度而无一定高度的音，用X记号来表示，音的长短则用在X后面或下面加短横线来标记。
在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。
简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。
速度标记和表情术语记在第一行乐谱开始处的上面。
在多声部的记谱中，小节线多半是分开的，各声部单独记写。但有的器乐曲的小节线是按照乐器的分组连起来的。不论是分开或不分开，各声部的小节线一定要上下对齐。
记谱时要注意音符的空间距离，使小节与小节，拍与拍的距离大致相等，一拍之内音符少的要写松一些;音符多的要写紧一些。少于四分音符的各种音符，低音点要记在短横线下面。
简谱体系中音值组合法的规则，基本上与五线谱相同。只是在复拍子中不用代表整小节的一个音符，而用连线把音符按单拍子分组后连结起来。
休止符的组合法和上面所谈情况相同，当然不必再用连线。
连音记号记在音符的上面，用开口的括弧加上表示连音的数目字来标记。
简谱中的移调非常简单，只要把调号改动一下便可以了。例如C大调的乐曲要移高大二度时，只要把1=C改成1=D便完成了。
简谱中变音记号只用升(#)、降(b)和还原三种，重升(×)、重降(bb)是不用的。
在简谱体系中，较长的确定的转调，不用临时变音记号，而用转调后的调号来标明。
五线谱中所用的装饰音记号、省略记号、力度记号、速度记号基本上都适用于简谱。
为了避免代表断音的圆点和高音点相混，在简谱中断音用或来表示。
短倚音用小的十六分音符或十八音符标记，写在主要音的左上方或右上方，并用连线与被装饰的主要音相连。
前奏、过门、尾声和五线谱一样，用小音符标记，有的也用括弧括起来。
记写和弦时，音符下面的短横线，仅在最低音下记出。
关于简谱的记谱法，目前还没有一个较完整的体系，以上所谈的仅是简谱中一般最普通的知识，是很不全面的。
乐理知识-自然半音及自然全音
由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。自然半音可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级与变化音级形成。
由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。自然全音和自然半音一样，可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级别变化音级形成。
由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。变化半音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级形成。
由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。变化全音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级与变化音级形成。
自然半音和变化半音、自然全音和变化全音，是两种性质完全不同的半音和全音，不应有所混同。
由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。自然半音可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级与变化音级形成。
由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。自然全音和自然半音一样，可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级别变化音级形成。
由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。变化半音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级形成。
由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。变化全音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级与变化音级形成。
自然半音和变化半音、自然全音和变化全音，是两种性质完全不同的半音和全音，不应有所混同
乐理知识-变音记号
用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。
变音记号有五种：
1:升记号(#)表示将基本音级升高半音。
2:降记号(b)表示将基本音级降低半音。
3:重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。
4:重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。
5:还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。
变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。
记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。
更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的调号予先记写清楚，并将最后一条小节线向前移，以便记写新调的调号。
1:增加原有升号或降号的数目。这时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。
2:减少原有升号或降号的数目。这时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。
3:升号变降号或降号变升号。这时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原，在小节线的右边写出新调的调号。
直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。
乐理知识-等音
音高相同而意义和记法不同的音，叫做等音。
等音是根据十二平均律而来的，因为只有在半音相等的情况下才有可能产生等音。
除去#G和bA两个音级外，其他每个基本音级和变化音级都可能有两个以上等音，连它本来的共有三个。而bA和#G只有一个等音，连它本身共有两个。
乐理知识-五线谱
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。
假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
连谱号包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。
括线分花的和直的两种。
花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。
直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器，把它们分成完全的或不完全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线(花的或直的)来连接同种乐器。
在总谱中，独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话，左边只画一条起线，而不加括线。
为了标记过高或过低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线叫做加线，在五线谱上面的叫上加线，下面的叫下加线。
古典音乐入门 第3篇
预习是许多学生都非常熟悉的一种方法。一种有效的预习, 应该是课前的自学。既是自学, 在预习中不仅要熟悉新课的内容, 更重要的是巧妙运用自己已有的知识和技能, 尽可能理解新课的基本内容, 梳理出知识要点;尽可能多地质疑, 善于发现问题和提出问题, 整理出难点和疑点。这样, 带着自己的认识和理解, 带着自己的难点和疑问走进课堂, 去和同学讨论, 去听老师讲解。如有位学生预习了“氧气的实验室制法”后, 对“催化剂”的概念提出了以下问题:①课文中说二氧化锰能加快过氧化氢分解的反应速率, 那概念中的“改变”就是指“加快”吗?②催化剂能不能改变生成物的质量?③二氧化锰对过氧化氢的分解有催化作用, 能不能说只有二氧化锰是催化剂?④二氧化锰是不是对任何反应都有催化作用?⑤过氧化氢分解反应是不是只能用二氧化锰作催化剂?⑥二氧化锰是不是只能作过氧化氢分解的催化剂?能提出这样的问题, 该生的听课效果也就可想而知了。
二、巧观察, 多实验
化学是一门以实验为基础的学科。实验不仅是化学学习不可缺少的组成部分, 也是学习化学的重要手段。通过实验, 不仅可以观察到生动有趣的反应现象, 从而了解物质变化的事实, 加深对所学知识的理解, 而且可以提高我们的观察能力和思维能力, 培养实事求是的科学态度。因此, 对于初学化学的学生来说, 必须从思想上真正认识到实验对于我们学好化学的重要性, 从一开始就要对实验的仪器药品、注意事项、基本操作等进行全面的了解, 并且在观察和实验的过程中注意领会和运用。
三、巧记忆, 多总结
有学生说:“化学是第二外语。”这是因为化学学习中记忆的东西“多碎小混”。概念、物质、仪器药品、实验现象、化学符号等种类繁多, 颜色、状态、气味等事无巨细, 元素符号、化合价、化学式、化学方程式等样样俱全, 元素符号和化学式等易混易淆。这些的确给许多学生造成了麻烦, 但只要我们注意方法和技巧, 多加疏导、善于盘点、总结规律, 一定会让这些东西排好队、坐好位。如对物质的色态味, 要多联系实物, 耳濡目染, 最后达到耳熟能详;对实验仪器要手到擒来、手心并用, 最后做到手到病除;对于元素符号、化学式、化合价、化学方程式等, 要总结规律, 采取多种方法进行理解记忆。只有多种方法并举, 才能收到最佳效果, 为我们以后的学习大开绿灯。
四、巧思考, 多比较
不论是理解概念、认识性质, 还是操作实验、运用符号, 都要注意分类和比较、总结和反思。许多化学概念的形成, 对物质性质的认识, 都要经过“实验—观察—思考—归纳—概括”的过程。在此过程中, 不仅要注意现象的比较、过程的比较、结论的比较, 还要注意相似性比较、相异性比较。通过比较, 才能求同存异, 真正领悟概念的实质。如燃烧与灭火、缓慢氧化与剧烈氧化、化合反应与分解反应、盐酸和硫酸等的比较, 在这些比较过程中, 我们才能实现知识的理解和内化, 最后做到举一反三、触类旁通。
五、巧复习, 多巩固
音乐会欣赏入门 第4篇
为了保证美妙的音乐效果与良好的触感，一般钢琴使用了大量木材或毛毡等天然的素材，这样的素材与人一样易受冷热或湿度的变化影响。
钢琴的定期保养不仅是为了正确调整随时间流逝而变化的音准，更是作为钢琴的综合性健康诊断，具有非常重要的意义。
为了以良好的状态长期使用钢琴，我们建议至少每年1～2次定期调律，练习量多时增加调律次数为佳。
在日常保养中，表面的灰尘要用毛掸子或法兰绒擦拭。键盘用柔和的布擦拭，很脏的部位，拧紧浸有肥皂水的抹布擦拭，酒精或洗涤剂等药品会损坏键盘，因此不要使用。
市场上销售的化学制品抹布或琴面保养材料成分不明，也请不要使用。
为什么需要定期调音
知识窗
知识加油站
音乐会或演奏会，是指在观众面前的现场表演，通常是音乐的表演。音乐可以是由单独的音乐人所表演或是音乐团体的集体演出，像是管弦乐团、合唱团等。音乐会的通俗称号也叫“show”与“gig”。音乐会所举办的地点有着许多的可能，例如公共演艺厅、夜总会、音乐屋、体育馆、谷仓、音乐厅和多功能的表演场所等等。音乐家通常是在舞台上表演。在唱片尚未流行前，音乐会是听众唯一能有机会听到音乐家演奏的途径。
欣赏音乐会前多熟悉曲目
如果你即将聆听的音乐会曲目大多是你所不熟悉的，先让自己熟悉一下曲目是很好的做法。如果愿意掏钱购买CD，当然是最好的办法，不仅可以不限时间尽情欣赏，还可以永久收藏。如果不想花钱，尤其不确定自己是否会喜欢那些曲目，那么向朋友或从图书馆借来听也是省钱的好办法。假如能听到不同版本的演奏录音更好，因为每位演奏者对相同乐曲都有自己独特的诠释风格，欣赏并比较不同的演奏诠释，更有助于你了解曲子的全貌，也可帮助建立你自己的鉴赏标准。如果你没有太多时间听众家版本也不要紧，至少听过一两次，人们对多少有些熟悉的事物，总是比较容易接受和喜爱。
至少先熟悉主要曲目
通常我们未必拥有或借到每一首演出曲目的录音，尤其时间又不够充裕，那么建议先从聆听主要曲目着手。一场音乐会的主要曲目通常是中场休息之后的第一首或整场音乐会最后的压轴曲（如果是交响乐，中场休息之后通常就只有一首），安排于这个次序是为了避免听众于上半场结束后便离去；其次，上半场第二首曲目通常也是颇具份量的。当然，你也可能是因为喜欢音乐会中其他作品而选这场音乐会的，请别误会，非主要曲目并不表示乐曲就不好，通常被选为主要曲目的作品，可能是该演奏者最拿手的代表作，或是最近卖力练习的新作，也可能是整场音乐会中技巧最艰难、最能展现演奏者精湛技巧功力的作品，有时是份量最重、完整一系列的演出，如奏鸣曲1至4乐章全部，另外也有因为是该曲目在该地区的第一次首演，或当地本土作曲家的重要作品，也是常会被选为主要曲目的。
音乐会的穿着礼仪
西方电影老喜欢嘲笑听音乐会的女性，美其名曰为欣赏音乐会的高尚理由，实际上是为了中场休息时的咖啡时间，和其他女性朋友争奇斗艳、闲话八卦、争风吃醋。虽然有些讽刺，但也有写实贴切的描写，比如听音乐会的女性大排长龙进洗手间的画面，真是一点都不夸张。的确，已有不少音乐会还为此延长了中场休息的时间。所以，准备好好欣赏一场音乐会，第一件要注意的事就是，音乐会前不要吃喝太多让你频频跑厕所的食物，当然也不要吃太撑让自己当场打嗝，成为临时加入的最不受欢迎的伴奏。
关于参加音乐会的穿着，国内外最普遍的情况是男性着西装，女性着洋装（裙装）或小礼服，许多正式场合仍认为女性穿着裤装是不礼貌的打扮，若是知名音乐会，如四大男高音的演唱会或重大音乐会等，不论男女甚至要穿着正式晚礼服，欧洲国家较美国更重视穿着。穿着得宜不仅显示个人的素养，也是对演出者的尊重和礼貌，但的确也有些人是借着音乐会的场合，特地展示自己华丽高贵的服装。一般而言，除了户外音乐会不对服装加以要求外，聆听音乐厅的音乐会演出，还是建议大家注意服装仪容的整洁，虽不用过度华丽，但最好避免牛仔裤、拖鞋或奇装异服的打扮。
带儿童参加的注意事项
即使参加的是专为儿童演奏的音乐会，气氛不像一般音乐会严肃，但仍应该事前告诉孩子，音乐會场不像电影院，禁止喧哗或在会场进食，当然更不可能在演出中吃爆米花或喝可乐了。让孩子事先了解这一点，以免进场之后才生气哭闹。演出前，虽要让孩子吃饱，但不要吃太多种类的食物，避免消化不良而中途肚子痛跑厕所，更要避免打嗝或发出难闻的气味，让自己不舒服且引起周围听众的不愉快。若
担心孩子肚子饿或口渴，可于中场休息时再慰劳孩子，并且利用和孩子喝饮料的时间，说说上半场的欣赏心得，如最喜欢哪首曲子？最欣赏哪一段演出？感觉怎么样？最喜欢什么乐器的声音等等。若是欣赏歌舞剧，还可讨论剧情、布景、道具、舞步等，让孩子表达对音乐的神奇体验，以及了解精彩演出背后努力的过程。
此外，当天若健康情况不佳，如重感冒、发烧、咳嗽、流鼻涕等，最好忍痛取消活动，除了消耗精神体力不利复原，想咳嗽却不能咳的痛苦更是令人难以忍受。对国人来说，有一点比较难理解的是，外国人认为音乐会或会议进行中，咳嗽是很不礼貌的行为，当事者通常要赶快躲避，以最快的速度从现场消失，但却对大声擤鼻涕的动作和声音不以为然，甚至在音乐会中也有人公然擤起鼻涕。
准时入场很重要
国人的时间观念一直为人所诟病，尤其是婚丧喜宴，大家对于开席时间不准时早已司空见惯，甚至觉得理所当然。幸好，大都市音乐会不守时的情况已经大大改善，但若是场地不佳、规模较小或地点较偏僻的音乐会，不守时的情况仍然屡见不鲜。
其实，不论哪种场合，迟到都是很不礼貌的行为。最好能于开演前十五分钟左右到场，不仅可以充分熟悉环境，又有充裕的时间阅读乐曲解说。当然，许多音乐会的曲目编排也特别针对此点设计，第一首曲目通常安排时间较短的乐曲，目的就是方便迟到的听众还能于第二首演出前的空档进入，当然，也有愈来愈多的音乐厅严格限制迟到的入场者，演出一开始便将入场的大门关上，迟到的人只能等到中场休息才可以进入了。
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不要制造噪音
如今电子产品盛行，从早期的电子表、BB机到现在人手一部的移动电话，都是音乐会场最不受欢迎的产品。请记得一定要事先关机，以免铃声响起引来众人对你怒目相视。当然，现在很多剧院已经设立了专门的设备，使手机没有信号，省去了不少麻烦。
选择合适的鼓掌时机
聆听曲目不熟悉的音乐会，最让人紧张的莫过于何时该拍手。关于拍错手的笑话也是许多学音乐者茶余饭后聊天的话题。国外音乐会拍错手的机会较少，这当然和他们文化背景、较常接受古典音乐的熏陶有关，虽说拍错手的情形较常发生在第一次听音乐会的人或是对曲目不了解的情况下，但也有因对曲目太熟悉而忘我拍错手的情形。
在国外曾发生过这样的事情，有一次聆听Kiri Te Kanawa女士演唱，会场中不少是上了年纪的乐迷，其中一首歌曲因有多次反复，且结尾的伴奏型态相同，就有人拍错手了，当钢琴伴奏继续弹奏时，气氛显然有些尴尬，但风度极佳的Kiri Te Kanawa女士做了个“不要紧”的手势，并且继续演唱，等到所有反复完毕，歌曲真的结束了，反而没人敢拍手了，这时幽默的Kiri Te Kanawa女士立刻作出“快给我掌声”的手势，于是如雷般的掌声轰然响起，也引起大家会心一笑。其实，拍错手很严重吗？拍手的规矩到底是谁决定的？就连专业的音乐工作者对拍手的意见也有分歧。
大多数人认为应该要尊重乐曲的整体性，所以拍错手可能会影响到音乐的进行，也干扰到演奏者的演出情绪。举例来说，一般独立的乐曲于演出结束后拍手并无不妥，但若有乐章曲式的乐曲，如奏鸣曲、交响乐或是组曲等，虽然各乐章或各舞曲间大多有暂停的时间间隔，但由于彼此之间仍具有关联性，因此在乐章或组曲之间拍手会破坏乐曲的整体性。所以现在全世界的音乐会都有相同的默契，即于整
首交响乐或整组乐曲全部演奏完毕时才一起鼓掌，乐章之间和组曲之间不个别拍手。甚至有些乐团指挥为了不希望观众拍手，会刻意在乐章与乐章之间的暂停时间仍保持手势高举的动作，表示音乐还没有完全结束的意思，也有独奏家会以动作暗示，如保持还要继续演奏的姿势，表示音乐还在进行等等。当然也有更强势的，就直接转头对听众说：“请不要拍手！”
的确，当台上演奏家正全情演出的同时，台下的听众如果也能扮演高水准的聆听者，台上台下固然皆大欢喜，但有些人会问：不就是因为音乐实在太棒，所以才忍不住想拍手，这样难道有错吗？事实上，包括我自己在内，每个有过演出经验的表演者应该都不会否认，有掌声总比没有掌声好。当然，欣赏者若能加强对乐曲的认识，并提升自己的音乐素养，对音乐本身和演奏者而言，都是一种尊重的表现，仍是值得鼓励和学习的，但对于拍错手的朋友，是否也要避免用瞧不起或没水准的眼光待之呢？毕竟每个人都当过入门者，更何况他可能真的受到音乐很大的感动才忍不住鼓掌呢。
在这里，提供给大家一个小诀窍，若对何时该鼓掌没有把握，建议你不妨多观察旁人，等别人先拍手再跟着拍，就不会出错了。同时我也希望演奏者都如Kiri Te Kanawa女士一样机智又有风度，也许聆听者的音乐素养程度不一，但任何听众喜欢你的音乐演出，他们的鼓掌都是一种鼓励和肯定。在我们抱怨古典音乐的听众愈来愈少，音乐会卖座每况愈下的同时，是否更应该要以感谢包容的心情愉快接受呢？
音乐厅中座位的选择
如果跟你说绝大部分的音乐厅都一样，最好的位子在最便宜的票区，而最贵的位子其实是最差的，你相信吗？不要以为我在开玩笑，这是真的。其实音乐厅中最好的位子，刚好就是音乐厅楼上后段的座位，因为声音会向上飘，传到远处刚好融合的最好，而且许多音乐厅的设计是前低后高，所以前排最贵的位置通常是低于演奏（唱）者的高度，所以声音都从这些人的头顶飘过，直接到后方顶端正好完美的融合在一起，再加上来自天花板的反射，坐在上层后排那里的听众彷佛坐在乐团旁边一般，更有身临其境的立体音响，而坐在最前端舞台正前方票价最贵的听众，则更容易听到不平衡的音响效果，可能某个乐器声部特别大声，而另一个声部则特别小声，好像吃到一道盐加太多，而糖放太少的菜肴，口味都走样了。因此，音乐厅后座通常坐的是音乐系学生和真正的行家，反而前面那些贵的位置都是留给穿着华丽的贵宾（反正他们很多都是来亮相的，音响不好不重要，漂亮的服装要让大家都瞧得到才重要）的。所以，不要觉得买最便宜的票不好意思，因为你才是行家。若是覺得距离太远，无法看清台上演奏的姿态，可以携带小型的望远镜，保证看得清晰。
不过，还有一种情形，你可以买中间稍前的位置，就是想让孩子看清楚乐器。虽然也可准备望远镜，但年纪很小的孩子使用望远镜毕竟不方便，所以为了让孩子看清楚各种乐器的演奏方式，这种情形下就可以刻意选择视野较清楚的中段位置，忍痛舍弃最好的音响效果。
音乐会的种类
巡回音乐会：
巡回音乐会是指一系列由音乐家、音乐团体、或一些在不同都市或地点所举行的音乐会。特别在流行音乐领域中，这类的巡回音乐会通常变成大规模的活动，可以持续几个月到数年的时间，能让数百万人有机会参加，并可以赚数百万元的门票收益。巡回音乐会中不同的部分，一般被称为“legs”。
Live音乐会：
Live音乐会是一种现场音乐会形式，歌手在台上演唱，观众站在台下欣赏。因为是站着，所以占地面积相对较小，而且大部分观众都可以和歌手近距离接触，同时也比较容易调动观众情绪。并不像通常的音乐会不许喧哗，相反地，观众可以尽情释放自己的情绪（当然在不伤及他人的情况下），另外，一般的“Live”不允许携带有色饮料。
新年音乐会：
新年音乐会一般在元旦前夜举行，演奏的是最为经典或欢快的曲目，新年音乐会展示的是人类最文明、最欢快、最明亮的侧面，高雅、轻松、豪华、热烈是新年音乐会的最大特点。
新年音乐会大多在古典的音乐厅内表演，但也有另辟蹊径者。2012年12月31日，钢琴王子李云迪在北京工人体育馆上演自己的第一次场馆版跨年音乐会。古典音乐、钢琴、体育馆，几个特别的元素在此齐聚，个中缘由耐人寻味。
可以想象寒风彻骨的冬日里，选择这样一场“围炉乐话”，恐怕是让古典音乐迷们心里再温暖不过的一件事了吧。
古典音乐入门 第5篇
因为这个太好区分了，那么我就随便讲几个重点
哥特：烟熏 耳洞 黑色 红色 黑暗 死亡 恐怖
巴洛克:古典 华丽 蕾丝 精致 复杂
巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期，15世纪中叶到1600就是 “文艺复兴时期”，这两个时期虽然在时间方面的区别不是很大，但在艺术方面的东西有很大的区别，所以把它们分为两个时期！
巴洛克音乐的一些特点（Baroque），它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色，也比较适合我们的吉他翻弹！那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富（度娘知道）
中式古典家具入门知识篇 第6篇
“中岁徒劳振臂呼，檀梨惨殛泪模糊。而今喜入藏家室，免作胡琴与算珠。” 随着红木家具热的升温，如今我们再也不用如一代鉴古大家王世襄先生那般作诗庆幸红木家具珍品未被暴殄天物了。然而，面对当今市场上流派杂陈、品类繁多的红木古典家具，后知后觉者们又该如何下手呢？
带着这个问题，我们走访了苏作家具的老法师，常熟金蝙蝠公司的赵建国先生。赵先生和他的金蝙蝠红木在新中国成立后经历了修补红木老家具；接订单制造出口红木家具；设计制造西式红木家具；专注设计制造苏作明式家具的过程。期间其中西合璧风格的红木桌椅更多次被中南海选做接待各国政要时使用。赵先生本人当年也是红木家具业内少有的家具设计专业大学生，金蝙蝠的许多精品都是他亲自设计的。他欣然带着我们参观了厂里的车间和样品陈列室。边走边说，将中式古典家具的入门之道娓娓道来。
苏作明式：榫卯、线条、精细造
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说到购买鉴赏中式古典家具的门道，赵先生不假思索地点了榫卯结构的名。中国榫卯的起源可能比汉字还要早。
早在7000年前的河姆渡文化中,榫卯技术已经出现在原始先民们居住的木结构的房子中。榫卯是中国建筑中最早具有科学设计意义的语言,而红木古典家具发展则传承了传统建筑木结构原理。欣赏家具的榫卯,不像欣赏家具外表造型那样容易，它理性、内在、似乎作为一种神秘和抽象符号隐藏在家具中（大部分古典家具的榫卯结构是隐藏在外表造型之内）。以明式家具为代表的中国文人气质在造型线条上讲究韵律,材料上讲究花纹意向的完美。
榫卯结构，中式古典家具的精髓
苏作明式博古书柜，和中式圆窗光影和谐，相得益彰
“隔户杨柳弱袅袅，恰似十五女儿腰”。作为苏作明式家具的传人，赵先生用这句诗点出了明式家具的一大特色——线条柔美、曲线玲珑。与讲究雕工繁复、体型敦厚的清式红木家具相比，明式家具整体造型简约、很少大面积雕花，而是处处流动着细巧婀娜的弧线。这些弧线经过了数百年的发展沿革，在工匠们不断追求完美的努力中，很多设计角度已到了多一分太过、少一分不足的状况。另外，明式家具的曲线也是先人们充分考虑了坐卧舒适度而精心设计的，现在的说法叫做“符合人体工程学”。
英语入门教案-英语入门教案 第7篇
英语入门教案-英语入门教案
英语入门教案 每天学习1小时，30天说一口流利的.英语!4天记忆1000单词，30天轻易突破中小学英语、四六级、商务英语、GRE。适合于各类想学英语的人群！ 中国最领先的英语学习。点击进入>>英语入门教案 你能想象吗？用100万倍的记忆力来学习英语，将是怎样一种震撼！也许.....你可以成为这项重大突破的最大受益者！点击进入>> 20最火爆的英语学习方法！ 激活100万倍英语记忆潜能，使英语就像录音一样永久储存于右脑中，绝对的英语语感，像母语一样使用英语！ 点击进入>> 英语入门教案音乐入门读物要规范 第8篇
（一）关于手型与触键方法。主讲者说：“手像握球，要看不见自己的指甲。弹琴一定要用指尖。”但这个说法并不准确。因手呈握球状，且指甲向内藏，导致手型收拢、发僵、放不开，妨碍了五指运动的自然、放松。而用指尖弹琴，既影响各指弹奏的灵活自如，又造成落指不稳，且触键面较小，以致肩、臂、腕、手传来的力，难以均衡到达指端，妨碍了形成最佳弹奏状态。
正确的手型和触键方法，应是手先握拳，再慢慢放开，自如地将五指落于键面。此时，手背的掌指关节（即掌与指相连的关节）自然隆起，各指微弯。在此手型基础上，运用指端的肉垫弹琴（不是指肚，也不是指尖）。中外著名钢琴教授和优秀演奏家，大都遵循此基本法则。电子琴的弹奏，也不例外。
（二）关于指法与奏法。这是两个不同概念。指法，通常指用指的方法，即用哪个指头弹奏方便而有效，一般琴谱都具体标明了指号。奏法，指手指运行的方法，如顺指、扩指、缩指、穿指、跨指、轮指等等。主讲人把二者混为一谈，统称为指法，而未加区别。
（三）关于西洋小调与中国羽调。该教程将江苏民歌《紫竹调》划归小调乐曲。主讲人还含糊其词地说：“《紫竹调》是民族调式，也可以算小调。”其实，我国民族调式与西洋大小调式，是两种完全不同的调式体系，此曲并非西洋小调，而是地道的中国民族羽调式。
（四）关于调式和弦。主讲者认为小调乐曲中出现的大三和弦，是借用了大调和弦。小调里原本就有大三和弦，如自然小调Ⅲ级的do-mi-sol、Ⅵ级的fa-la-do、Ⅶ级的sol-si-re,和声小调还有Ⅴ级的mi-升sol-si等等。而大调也不全是大三和弦，原本就有Ⅱ级的re-fa-la、Ⅲ级的mi-sol-si、Ⅵ级的la-do-mi等小三和弦，它们在各自调式中，具有不同功能。
（五）关于大、小三度音程。两者根本区别在于含全音、半音数的不同。如果按相隔黑键数的多少来定位，则变得复杂化了！主讲者说：“两个白键隔两个黑键是大三度，两个白键隔一个黑键是小三度。”那么一个白键和一个黑键隔一个黑键的re-升fa、mi-升sol、la-升do等作何讲？而两个黑键隔一个黑键的升fa-升la、降sol-降si又作何讲？很简单，一句话：它们都是含两个全音的三度音程，皆为大三度。而两个黑键隔两个白键的升re-升fa、升la-升do，以及一个白键和一个黑键隔一个黑键的升mi-升sol、fa-降la等等，因其都含一个全音和一个半音，故均为小三度。
（六）关于附点音符的名称。主讲者说“带附点的二分音符和四分音符，叫二分附点音符和四分附点音符。”此说不规范，因为二分音符、四分音符皆整体性专用名词，不可从中分割开。如附点全音符、附点全休止符，同样不能称作全附点音符和全附点休止符。
（七）关于谱表与谱号。五线四间构成谱表，用以记录各音。为区别不同谱表，再标以谱号。主讲人混淆了二者，说：“中央C在高音谱号下加一线，也就是低音谱号上加一线。”“la在高音谱号第二间。”“第三组的do在高音谱号第三间。”正确的说法,应是哪个音在高音谱表或低音谱表的哪条线或哪个间。还有，将联合谱表说成了“联合谱号”，也是不准确的。
此外，《教程》大字标题中，将“音阶”错写为“音节”，“低”音谱错写成“底”音谱。更不可思议的是，将前捷克作曲家德沃夏克《自新大陆交响曲》第二乐章主题旋律的片段，变了一下拍子，整个错说、写成了美国民歌《起伏的山丘》。