文艺复兴时期范文（精选12篇）
文艺复兴时期 第1篇
绘画作为一种可视的艺术形式, 当然离不开线、明暗、色彩等最基本的造型因素, 下面分析文艺复兴时期艺术大师的作品, 通过学习了解他们如何创造的运用各自独特的艺术形式, 达到与内容的完美结合创造出不朽的作品。
在早期文艺复兴时期, 我选取的主要画家是乔托和波提切利。乔托在形式上创造了一个更现实的绘画风格, 乔托之前的壁画作品的形式主要受拜占庭艺术的影响, 其风格从总体上来看, 首先是狭窄的, 缺乏深度的空间关系, 其次是平面的线描的装饰效果, 而且不关心体积的塑造。乔托在其作品上摆脱了拜占庭的影响, 创造了一种用简洁的整体的形状概括的描绘事物的方法, 他赋予画中的人物以体积, 他力图在平面上表现真实的空间感, 给人物以真实的质感。他在作品中还运用了近大远小的透视法, 从而使观众感觉到画中的人物是活生生的存在过的。运用这种造型方法, 乔托做到了想要达到的艺术思想——表现一个现实的世界。他的绘画在表现形式上最突出的特征是单纯以及叙事的直截了当和干净利落。
波提切利作品中的形式因素, 是其信念的完善表达。波提切利艺术风格的形成跟他所处的时代和社会环境有密切的关系, 他精心研究过新柏拉图主义哲学——唯灵论的宗教学说。波提切利用线准确·柔和, 并能表现出形体的起伏变化, 他被誉为“世界美术史上最出色的线条大师之一”人物造型比例修长充满韵律。出色的做到了线面的结合。波提切利的清新美丽的画风是以其新柏拉图主义神秘宗教信念为出发点, 支撑这一切的是虔敬的描绘现实的心态。
我之所以选取文艺复兴盛期三杰的作品, 是因为他们在绘画的形式上, 都做了开创性的贡献。
达·芬奇将科学与艺术完美地结合在一起, 他通过科学研究去寻找客观现实中的真与美, 然后再运用适当的美术形式去表现。达·芬奇从不轻信或盲从任何前人经验, 这种精神促使达芬奇在现实中研究写实技法。他认为画中人应处身于有空气感的空间中, 用一种柔和的明暗对比法使轮廓线变淡甚至消失, 从而使画面中的人物和空间关系融合在一起, 这种形式在他之前的画家作品是不曾出现的。他还认为绘画形式中光是塑造形体的重要因素。他发明了空间透视法, 利用这种方法使作品具有真实的、深远的空间关系, 他把色彩作为一种装饰因素, 对用明暗塑造的形体起装饰作用。本人想强调的是达芬奇尤其重视明暗造型的重要作用, 并把这一因素上升到表达人物的精神境界与绘画气氛的高度。通过以上形式因素的分析, 本人认为达芬奇深邃、神秘的画面风格, 是他推崇的明暗形式因素, 与其科学的艺术追求精神的高度统一。
米开朗基罗的审美标准相对于同时代的画家来说是相当独特的, 在当时有其独特的审美标准。他认为应根据直觉自由地创作, 而不应该受任何其它事物的约束。如果说达芬奇追求的是完美的数学变量和比例, 米开朗基罗追求的则是复杂、奇特、伟岸的艺术风格。他认为人体是自然万物构造中最完美的, 人体的美不仅在于自然形态, 还有其精神的美, 肉体是灵魂的载体, 也是思想和性格的载体。因此他的壁画人物大多是裸体形象具有超人的体魄和扭曲的动势。与达芬奇的绘画作品中的人物比较可以看到米开朗基罗造型的特点, 外轮廓清晰、完整富有雕塑感;注重明暗与结构的统一, 经过高科技清洗的西斯廷壁画呈现给我们的是明亮、透明的色彩。由此我们可知他的用色的特点, 并与其造型相协调, 通过米开朗基罗的绘画作品, 我们可以知道精神所指 (激动、雄伟) 必然带动其载体形式做出相应的选择 (超人的比例、扭曲的动势) 。
拉斐尔吸取达·芬奇、米开朗基罗等人的优点, 凭自己的才能进行融会贯通, 形成了自己圆满调和纯厚爽朗的绘画风格。在肖像方面拉裴尔采取写实手法, 以求忠实的再现所画对象的外貌和精神世界, 拉裴尔还把现实的客观的风景加在了人物的背景之中。在圣母像中拉裴尔也是兼容众家所长而又具自身特色, 其构图与人物的造型方法上学习达·芬奇, 背景则是其他画家的方法。拉裴尔作品中人物造型得益于他的弹性的用线, 与蛋形和螺旋形的造型方法, 色彩受威尼斯画派影响。拉裴尔的壁画有纪念碑式的宏大风格是其吸取科学知识方面的结晶, 可见拉裴尔是一个“集大成者”如把米开朗基罗比做高山, 拉裴尔则是湖泊, 吸纳百川之流, 终于达到明朗圆融的境界, 与其可以一比的西方绘画史上也许只有毕加索。
文艺复兴时期的文化 第2篇
第一节
文艺复兴时期的文化
中世纪的黑暗统治：约公元476年~公元1453年），是欧洲历史上的一个时代（主要是西欧），自西罗马帝国灭亡（公元476年）到东罗马帝国灭亡（公元1453年）的这段时期。另有说法认为中世纪结束于文艺复兴时期。
“中世纪”一词是15世纪后期的人文主义者开始使用的。这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治。封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪早期在欧美普遍被称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。人物不曾作过长途旅行，不会说四五种语言，不在几个专业上放射出光芒。《自然辩证法》
罗马教皇为了保持自己的独立地位，建立了教皇国，并且伪造了《君士坦丁赠礼》文件，声称当年君士坦丁大帝把罗马城，拉特兰宫等地交给了教皇。意大利一直不能统一。
教会统治非常严厉，并且控制了西欧的文化教育。教士不能结婚，主张禁欲，要求人们将一切献给上帝才能死后上天堂，另一方面圣职买卖现象又很严重。宣扬三位一体、原罪说等经院哲学，严格控制科学思想的传播，并设立宗教裁判所惩罚异端，学校教育也都是为了服务于神学。在教皇格里高利一世（公元590年 ~公元604年）时期，古罗马图书馆也被付之一炬。
骑士，或称武士，是欧洲中世纪时，受过正规军事训练的骑兵，后来演变为一种荣誉称号，用于表示一种社会阶层。在此阶段的纷乱局势中，国王和贵族都需要一些在战争上具有压倒性优势的兵种，为此他们会悉心培育一些年轻人，使之成为骑士。而骑士的身份，往往不是继承而来的，其本质也与贵族不同，除了和贵族一样能够获得封地之外，骑士也必须在领主的军队中服役，并在战争时自备武器与马匹。
在骑士文学中，骑士往往是勇敢、忠诚的象征，每一位骑士都以骑士精神作为守则，是英雄的化身（实际情况不一定是如此），欧洲的骑士制度和日本的武士制度亦有相似。一、文艺复兴的背景
1、经济背景： 14世纪开始，意大利的一些城市中出现了资本主义萌芽。其中，佛罗伦萨、威尼斯和热那亚最为突出。佛罗伦萨（手工业中心）14世纪的手工工场与资本主义萌芽。呢绒加工业与贵族政治。
佛罗伦萨： 是13、14世纪欧洲最著名的手工业、商业和文化中心。它有极其发达的毛纺织业、丝织业、五金业和建筑业。其商业网遍布于西欧，在土耳其、埃及也有商号，其商人的足迹甚至于远涉中国。佛罗伦萨的金融业最为突出，其银行、钱庄超过100家，所铸造的“佛罗林”，为欧洲和近东地区之通用货币。15世纪时，美第奇银行家族控制了城邦政权，不仅包揽了教廷税收，而且是许多君王的债主。
文艺的“保护神”： 新的生活方式，新的市民阶级，需要新的文化生活。佛罗伦萨的统治者柯西莫·美第奇提出“和平、繁荣和文化”的方针，对外实行和平外交，对内注重市政建设，给贫民以实惠，让富人更富有，佛罗伦萨因此成为资本主义经济最为发达的地区。柯西莫崇拜古典文化，他的身边聚集了许多著名的人文主义者，他还在佛罗伦萨建立了一所柏拉图学院，因此被称为文艺的“保护神”。
罗伦佐大公：罗伦佐·美第奇大公，柯西莫的孙子，他不仅是杰出的政治家、外交家，还是一位人文主义诗人，他的宫廷是文学家、哲学家、雕刻家、画家、建筑学家、音乐家和诗人荟萃之处。他有极其丰富的古典杰作收藏，还开办了一所美术学校。佛罗伦萨在美第奇家族统治时期，经济和文化空前繁荣，被历史学家称为“文艺复兴的摇篮”。
2、文化背景： 意大利继承了希腊、罗马的文化遗产，又通过拜占庭、阿拉伯文化的联系，得到许多古希腊的许多典籍和艺术珍品。意大利学者通过对这些来自东方世界的文化珍宝的研究，发现了与欧洲中世纪文化绝然不同的文化宝藏。
1453年，基督教世界的坚固堡垒君士坦丁堡被奥斯曼土耳其人攻陷。大批的希腊人涌入西欧，他们带来的古典文化成果引起好一阵的文化休克。接着，一个对古典文化模仿和复兴的过程就开始了。
3社会心理背景:自14世纪以来，由于城市经济的发展和罗马天主教的庇护，越来越文雅化的意大利人对中世纪以来文学艺术的鄙陋状况越来越不满，人们纷纷指责古典文化结束以后，直到14世纪，在西欧没有出现过稍有水平的文化作品。
4、意大利人的文化秉性背景： 文艺复兴，在很大程度上，可以说是意大利人的文化秉性与古典文化相结合的产物。其间，古典文化只不过是一种媒介，而意大利人固有的功利主义、感性主义和个人主义才是真正起作用的东西。
崇拜感性主义:意大利文艺复兴时期的文化，是一种艳丽的感性文化。意大利人当时还处于崇拜权威的阶段，只不过他们用古典时代的权威代替了中世纪的权威，而实际上他们又用感性主义的权威取代了古典时代的权威，于是，古典权威成了愰子，而崇拜感性主义才是实质。人的感性的解放:文艺复兴的时代精神是人性的解放。而这里所说的人性的解放，主要是指人的感性的解放。他们以感性意义上的人性反对抽象的神性，用人的正常情欲和感官享乐反对中世纪的禁欲主义和普遍虚伪。这种时代精神所规定的基本社会生活原则，就是感觉主义和唯美主义。
二
文艺复兴时期的人文主义和文学
（一）人文主义
中世纪早期，神学是至高无上的学科。从14世纪起，一些学者开始研究以人类和人类社会为内容的学科，如哲学、语言学、文学、历史、政治、经济等。人文主义这一名称，就由此而来。
是文艺复兴时期新兴资产阶级反封建反教会斗争中形成的思想体系、世界观或思想武器，也是这一时期资产阶级进步文学的中心思想。它主张一切以人为本，强调人的价值和尊严，提倡个性解放自由平等。反对神的权威，把人从中世纪的神学枷锁下解放出来。
人的发现:文艺复兴早期的意大利诗人彼特拉克把自己研究的学问叫做“人学”，或“人文学”，自称“人文主义者”。以后，人们就称他为世界上第一位人文主义者。人文主义的特征：
1、提倡以人为中心，反对以神为中心。
2、提倡个性解放，意志自由。
3、追求知识，重视实验科学，主张探索自然，用科学方法了解自然。
4、否认教皇和教会的绝对权威，揭露教会的腐败，嘲笑僧侣的无知。
正面的人文主义
当时，几乎所有的人文主义者在思想和行为上都表现出一种我行我素的自由人格。这有力地推动了人文学科的复兴和文学艺术的繁荣，特别有利于使人从中世纪普遍虚伪的状态下解放出来，实现人的觉醒。
人性的觉醒首先表现为个性的解放，普遍人格的发展首先表现为对每 一个个别人格的尊重。人道主义就首先表现为个人主义。要摆脱抽象的神性对人的生活的主宰，最方便的办法，就是打出感性的个体的大旗。
由于个性解放和人格的发展而导致的普遍的人性觉醒，与崇高典雅的古典文化相结合，就产生了这一时期意大利所独有的“在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人”（恩格斯：《自然辩证法》）负面的人文主义
1、道德方面，就更为糟糕。
马基雅弗里说：“我们意大利人较之其他国家的人更不信奉宗教，更腐败。”
文艺复兴时期意大利人的道德堕落与他们的艺术成就一样著名。在北欧人的心目中，一个意大利化的英国人，就等于是魔鬼的化身。在莎士比亚的笔下，意大利人多为坏蛋，比如伊阿古（《奥赛罗》）、夏洛克（《威尼斯商人》）之流。
布克哈特认为，由于个性的高度发展，非道德发展到了登峰造极的地步。许多人把犯罪作为体验的对象，为犯罪而犯罪。他们抨击教士，不是针对教士们人性的弱点，而是针对他们由于过分的唯灵主义理想所导致的普遍虚伪。
人文主义不是廉洁和自律的运动，其目的是想让教士小偷小摸的欲望满足和感官享乐成为所有人的理直气壮的行动。
它还是美第奇等显贵家族支持的豪华运动，是意大利享乐主义和古典文化相结合的产物。它本身是贵族式的，根本与人民大众无缘。
（二）文学三杰
人文主义者从古典文献中寻找在中世纪文化中失落了的古典文化精神。
他们研究古代的文献，不是从中去寻找神学的合理性证明，而是因为他们由衷地欣赏这些宝贝。
人文主义者从古代文献中领略到许多新的人生体验，使他们感到惊异的是感到自己与古 人的距离竟然比自己和中世纪文化的距离小得多。
他们意识到直抒胸臆是一件很值得一做的工作，就这么作了，于是就有了人文主义的文学创作。
1、但丁（1265-1321）
出身于佛罗伦萨没落贵族之家。早年曾在波伦尼大学学习，深受古典文化的熏陶，后又留学英国和法国。但丁在政治上属于代表市民阶层和下级贵族的圭尔弗派，曾任佛罗伦萨执政官之一，后因反对教皇，于1302年被逐出佛罗伦萨，最后客死他乡。
但丁最负盛名的作品《神曲》分为《地狱》《炼狱》《天堂》三部份。
但丁在《神曲》中对教会、教士、贪官作了无情的揭露和批判，指斥教皇的宫庭是“基督整日被买卖的地方”，他对在烈火中受煎熬的教 皇的灵魂说：“你的贪婪使世界陷于悲惨，把好人蹂躏，把恶人提升”。“你们把金银做你们的上帝”，他甚至在作品中为当时在世的教皇卜尼法斯八世在地狱的火窟中预留了一个位置。
在《神曲》中，但丁歌颂了人的理性、自由意志、才能和智慧。他说，人“生来就有理性的力量”，人有天赋的自由，自由一种崇高的力量，“人生来不是为了象野兽一般活着，而是为了追求美德和知识”。
但丁歌颂现实生活，激励人们投入现实世界的斗争，去追求美好的现实生活。把但丁救出困境并引导他游历天堂的不是天使，也不是圣徒，而是童年时代倾慕的美女（贝亚特丽契）。但丁仰慕荷马、泰勒斯、苏格拉底、柏拉图、德谟克利特等先贤，尊称他们为“大师”、“圣哲”，并以能见到他们的亡灵为荣。这反映了他对古典文化的高度推崇。
2、彼特拉克（1304-1374）
生于佛罗伦萨的阿雷佐城。十二岁入大学学法律。后改学文学、修辞和宗教，他经常外出旅游，到过法国和德国。长期在教会供职，对个中黑幕所知甚详，但对其仍表敬意。
他热爱古典文化，到外搜求古希腊、古罗马的手稿、文物，专心研究，声称要来一个“古代学术的复兴”。他把自己的研究称为“人文学”，与以宗教为主研究的神学区分开来。其主要著作有《歌集》《意大利颂》等。
1324年，彼特拉克获得“桂冠诗人”的称号。
彼特拉克在研究当中，因接触到古罗马西塞罗的作品而热情倍增。在思想上，他深刻地体验到灵与肉、精神与物质的冲突，感到中世纪与近代、理想与现实之间的矛盾。他博学，极有文化气质，并敏感到了人的生命本质和人的生活态度之类的大问题，却生活在中世纪和近代两种文化的夹缝中。在山上与上帝对活的飘渺之感，那是完完全全的灵的召唤；但现实 世界的生活又总是把他从美梦中拉回，又不得不回到人间，与愚昧的人们讨论各种愚蠢的问题。
彼特拉克认为，人应当首先认识自己；不认识自己，就决不能认识上帝。他说：“我不想变成上帝，或者居住在永恒中，或者把天地抱在怀里。属于人的那种光荣对我就够了。这是我所祈求的一切。我自己是凡人，我只要求凡人的幸福。”
凡人，既极力追求善良美好的生活，又为自私的欲望而烦恼；既向往永恒不朽的价值，又企求尘世的声誉；时而踌蹰满志，时而心灰意冷。他是一个行动、企求、和创造着自己的美和尘世命运的人。
“凡人的幸福” ：主要是爱情和荣誉。其所作《短歌集》，是赞美其情人劳娜的十四行诗集。他说：“我同时爱她的形体和灵魂”，这种爱，与中世纪所提倡的精神之爱大相迳庭。
彼特拉克还反对人们迷信权威。他说：亚里士多德是一位伟人，但仅仅是人而不是神，其著作不可能也的确没有穷尽一切的知识。因为在他出生之前，人们就已经有了许多知识，而在他死了以后，人们还在不断地发展知识。因此，亚里士多德并不是空前绝后的权威。
3、薄伽丘（1313-1375）
佛罗伦萨一个商人的私生子，儿时所受的教育非常马虎，十岁去巴黎学习经商，几年后成了他父亲的推销员。他的父亲发现，他所买的书籍，比他卖出的货物要多得多。其父因他学商不成，就打发他去那不勒斯大学学习法律。他学习努力，但法律实非他的心中所爱。在那不勒斯，他有机会出入宫廷，结识了许多人文主义者，也接触到了不少的古典著作。
1430年，他回到故乡。在政治斗争中，他站在代表市民利益的共和派一边，曾多次代表共和派出使其他城邦。在佛罗伦萨，他结识了彼特拉克，受益非浅。
薄伽丘的代表作： 《十日谈》
三、文艺复兴时期的艺术
人文主义思潮的兴起，使绘画和雕刻在思想内涵、风格和题材方面发生了巨大的变化。呆板的宗教画被世俗生活的新画卷所代替。
人的发现，是艺术家的重大成就。一方面，艺术家力图表现人的复杂性格、思想、感情、以及人的地位和价值。另一方面，是把艺术家自己的思想、感情和要求熔入作品中，使作品具有时代精神和个人的风格。与人的发现具有同等是自然美的发现。在艺术家的笔下不再是清一色灰暗的天空和大地，而是绚丽多彩的大自然，艺术家都努力地表现大自然的秀美和壮丽，并用自然风光作为人物画的背景。
艺术家们还将解剖学、光学、几何学等的成果引进了文艺创作，使创作方法和艺术技巧都发生了革命性的变化。在创作肖像和雕刻作品时，首先考虑的是骨骼、肌肉，然后才是外形、肌肤、衣饰。光学和几何学引进绘画，确立了三维空间的度量概念，使画面呈现层次和立体感。艺术与自然科学相结合，把文艺复兴时代的艺术推向了高峰。
(一)早期绘画
1、乔托（1267-1337）
佛罗伦萨画家。文艺复兴绘画的先驱。
他把人文主义精神和新的技法带到绘画中，开创了一代新画风。他的代表作《逃亡埃及》《犹大之吻》都取材自《圣经》，却带有浓烈的生活气息。
乔托绘画的创新意义，在于发明了一套直接观察自然，以再现客观现实的绘画实验方法，开创了绘画早期的科学时代。
他所塑造的宗教人物犹如雕像般的浑厚，个个都是有血有肉有人情味的世俗男女，不再是中世纪的幽灵；在画面艺术处理方面，力求在平面上再现立体空间的效果，空间具有空气感和深度感，画中形象具有体积感和量感；在人物安排上，善于突出主体形象，具有视觉的吸引力，这种艺术处理的方法，成为后来欧洲绘画的典范。
乔托是公认的使西方美术摆脱中世纪美术程式的第一人，从而成为开创写实画风的鼻祖，被誉为欧洲近代绘画之父。
乔托打破了平面结构的传统画法，开创性地运用了透视的新技巧，使绘画具有丰富的层次和立体感。他开始用自然景色作为绘画的背景，而且正十分注意刻划人物的感情世界。
《逃亡埃及》 在这幅画中，乔托把画中的人物极为平静，连驮人的驴子似乎也停止了迈动蹄子，马利亚的恐惧收敛得到家，一点也看不出来，只是急行在前的约瑟强调了这一事件的危急和可怕。一个忧愁的天使飞翔在前方的上空引路，背景的山树画得单纯，质朴，显示文艺复兴初期，人的思想意识总是放在“人”上面的。
《犹大之吻》 画中，犹大紧抱着老师，身体前倾，紧皱的眉重重地圧在眼眶上，目光灼灼，燃烧着痛苦的火焰。肥大的衣袍包裹着颤抖的他和目光绝望而内心平静的耶稣。基督的必死和犹大的负罪，都 是上帝的旨意，上帝已把酒交到子的手上，把吻交到犹大的嘴上，尽管他们都不情愿。乔托在画中把犹大拥抱并亲吻老师时的无奈、痛心表现得十分深刻。
2、波提切利(1445-1510年)
波提切利真名叫亚历山大·菲利普。少年时代就酷爱绘画，开始时当金银艺匠学徒，因为有绘画天资，15岁时被做皮革匠的父亲送到画家菲利普 ·利比的画室学画。
利比带着波提切利一同描绘现实生活中的人，并借鉴古希腊艺术中的理想，所以他们创作的圣母子和神话人物都具有世俗的情态：和蔼可亲、动作轻盈、身着绢纱、临风飘逸。
后来波提切利又转从委罗基奥门下，与比他小7岁的达·芬奇同窗。
《春》里，一群象征春天的女神在阳光灿烂、树木葱茏、鲜花盛开的林间草地上翩翩起舞。小爱神丘比特自天而降，射来了爱情之箭。此画使人感到春回大地、爱洒人间的盎然生机。本图是波提切利最有名的作品之一从右边起，画中的人物依次是西风神泽费罗斯，花神克洛莉丝，花神弗洛拉（弗洛拉是克洛莉丝和泽费罗斯结婚后变成的成熟女性），画面中央是爱与美的女神维纳斯，接下来是美惠三女神，她们分别象征华美贞淑欢悦，接着是众神的使者墨丘利。人物从右向左的排布顺序象征情欲转变为知性之爱，而维纳斯则是促成这一转变的原因。
《维纳斯的诞生》，作于1485年，描绘美神维纳斯从碧波荡漾的爱琴海 中诞生，赤裸着身躯踩着贝壳飘然而来。节奏舒缓，韵律优美，色彩明丽。
（二）文艺三杰
达·芬奇，力求探索人的理性，人与自然的奥秘，有如深邃的大海； 拉斐尔，表达人的善良情感和美好心灵，有如明媚的原野。
米开朗基罗，表现人的斗争精神和蕴藏着的强大力量，有如峻峭的山岳。
1、达·芬奇（1452-1519）达·芬奇出身于佛罗伦萨一律师之家。画家、雕塑家、建筑家、工程师、哲人、还精通文学和音乐，以至于有“旷世奇才”之称。
从小爱绘画。14岁入佛罗基阿画坊。此地为艺术中心，亦为人文主义者聚会之所。受其影响，把理解世界、反映自然作为创作的原则。
为画好作品，亲自解剖30多具尸体，以深入了解人体结构。故其画，不仅能反映人的外部特征，还能表现人的肌肉、骨骼、以至于流动的血液。又研究光学，便于用色彩的变化表现出画面的立体感；研究力学与数学，以便精确地表现人体的比例和运动中的人体结构；研究植物学、地质学、以便使画面背景反映出壮丽的自然景色。
以往无一画家用如此丰富的自然科学知识进行绘画，故人称“科学的画家”。
他的《画论》把绘画诸要素：光线、明暗、透视、构图等整理成科学的法则，以人物的形象传达内心的情感。
代表作《蒙娜丽莎》。作品表达了对女性美、人的丰富、复杂、微妙的内心生活的赞美。少妇的右手被认为是美术史上啊完美的创造，如玉似脂的手上似乎可以看到内部流动的血液。蒙娜丽莎淡淡的微笑，给人以无穷的遐想，启迪人去探寻女性内心世界的奥秘。仅凭微笑，就能表达出如此丰富、变化不定的情感，真是神来之笔，空前绝后，不可模仿。还用透视法在背景上画出了起伏的山峦、茂密的森林、蜿蜒的河流，整幅作品中人生和自然的颂歌，充满了人文主义精神。
代表作《最后的晚餐》，为米兰城圣马利亚教堂作的大壁画。耶稣神态镇定安详，且流露出对叛徒的轻蔑。门徒露出不同的姿态与神情：惊愕、气愤、怀疑、表白自己，耶稣右二的犹大，震惊、恐惧，且身子后缩，脸部处于灰暗的阴影中，露出惶恐的心情，颤抖的手紧握钱袋。
美与丑，正义与邪恶，和谐地统一于同一作品中。
2、拉斐尔（1483-1520）出身于意大利中部乌尔宾诺城绘画世家。成年后在许多著名的画坊里学画。1540年来佛罗伦萨，接触到人文主义。他一直得到贵族的保护，过着优裕的生活，还得到教皇的赏识，为梵蒂冈宫殿画壁画，并主持圣彼得大教堂建筑工程。
最著名的作品是圣母像。有《西斯廷圣母》、《草地上的圣母》、《圣母子》（一称奥尔良圣母，因良家族收藏而得名）等。
世俗化的圣母： 他是用人文主义思想来画圣母，圣母成为一个健康、美丽、温柔、善良的世俗女性，充满了母爱。《草地上的圣母》近乎农村风光画，一位母亲领着孩子在阳光下的原野上嬉戏，洋溢着天伦之乐。《西斯廷圣母》中，圣母抱着孩子降临人间，表现出把爱子奉献给人类的慈母的崇高心灵。拉斐尔的圣母像以秀美、温柔著称，但过于纤弱，可能是画家本人常出入于贵族社会之故也。
拉斐尔在梵蒂冈教皇宫大厅留下了许多辉煌的壁画。其中最有名的是《雅典学派》 《雅典学派》，描绘的是古希腊著名学者苏格拉底、柏拉图、亚里士多德、毕达哥拉斯、阿基米德等人的群像。有的在辩论，有的在沉思，有的在创作，画面上一共有50多位名人，其神情不一，个性突出，但画面又是一个整体。由于对透视法掌握纯熟，背景显得十分深远、浑厚，带有雄浑、笃实、深沉和老到的风格。
3、米开朗基罗（1475-1564）
他的成名之作《哀悼基督》。
大卫像： 大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死非利士巨人哥利亚，肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左肩扛着投石器，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。作品解剖准确，人体结构表现细腻，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。
《创世纪》： 1508年，米开朗基罗受教皇之聘，负责绘制梵蒂冈西斯廷教堂穹顶的壁画。工作十分艰巨。《创世纪》，西斯廷教堂天顶画。大800平方米，有300多个人物。这件雄伟的杰作，是米开朗基罗用4年的时间完成的。晚年，他还完成了祭坛画《末日审判》。他努力使他们的作品“要使希腊人和罗马人黯然失色”。
四、西欧诸国的文艺复兴 国家 代表人物 作品
英国
莎士比亚 四大悲剧：《哈姆雷特》《奥瑟罗》《麦克白》《李尔王》 四大喜剧：《威尼斯商人》、《仲夏夜之梦》
《皆大欢喜》、《第十二夜》
法国
拉伯雷
《巨人传》 荷 兰
伊拉斯谟
《愚神颂》
西班牙
塞万提斯
《唐吉诃德》
1、莎士比亚(1564～1616)英国诗人、剧作家。
莎士比亚的创作:莎士比亚在20多年间共写了37部戏剧，154首十四行诗,两首长诗和其他诗歌。分为历史剧、喜剧、悲剧和传奇剧。他的作品代表了整个欧洲文艺复兴文学的最高成就。
历史剧： 莎士比亚早期创作的英国历史剧共9部，其中8部可以归纳成为两个四部曲。《亨利六世》上、中、下篇和《理查三世》；《理查二世》、《亨利四世》上、下篇和《亨利五世》。此外有《约翰王》。
他写历史剧的主旨：要求在一个开明君主的统治下，巩固国内和平与统一。喜剧：约从1593至1600年,莎士比亚写了10部喜剧：《错误的喜剧》、《温莎的风流娘儿们》、《威尼斯商人》、《驯悍记》、《维洛那二绅士》、《爱的徒劳》、《无事生非》、《仲夏夜之梦》、《皆大欢喜》、《第十二夜》等和一部悲剧《罗密欧与朱丽叶》。这些喜剧各有特色但均以爱情为主题，反映了莎士比亚主张个性解放的人文主义理想。
悲剧：从1601至1607年，莎士比亚写了 “四大悲剧”、5部以希腊罗马故事为题材的剧本和两出“喜剧”。
这一时期的剧作，思想深度和现实主义的深度大增。
莎士比亚写的悲剧是他对他那个时代的重大问题深入思考的成果，是新兴资产阶级思想最生动的形象的再现。
2、塞万提斯（1547-1616）文艺复兴时期西班牙最杰出的现实主义小说家。
《唐吉诃德》没落贵族的后裔 唐吉诃德因读骑士了迷，自己决心成为一名游侠骑士，于是带着侍从桑 却，出门去行侠仗义。
他沉浸于幻想中，把乡村旅店当作城堡，把风车当作巨人，把羊群当作军队，把理发匠当作武士，闹出许多笑话。
这部小说反映了西班牙从中世纪向近代过渡的社会现实，塑造了唐吉诃德这一不合时宜的理想主义者的生动形象，成为世界文学国外地里的一朵奇葩。
五、文艺复兴的历史意义
1、文艺复兴是一次伟大的思想解放运动，它唤起了人的觉醒，使人们把关注的重点从来世转移到现世，激扬起为创造现世的幸福而奋斗的乐观进取的精神。资产阶级正是在这种精神的指引下创造近代资本主义世界的。
2、文艺复兴是人类向精神世界的大进军，在文学、艺术、政治思想及自然科学领域内创造了丰硕的成果。文艺复兴时期创造出来的精湛的艺术品及文学杰作，成为人类艺术宝库中的无价瑰宝。文艺复兴提倡科学方法和科学实验，为日后自然科学的大发展打下了基础。
探析文艺复兴时期的艺术设计 第3篇
从当时文艺复兴时期的风格特征来看，具有古典写实主义和庄重典雅的气息。在精神领域，秉着人本主义，肯定现实世界，歌颂世俗生活的信念，使得这个时期内的艺术家与工匠分离，各门类区别开始出现，艺术家的地位逐渐上升。当然，这时也伴随着重要转变，由宗教性质的工艺美术变成了宫廷性质的工艺美术。工艺品的生产与人们的生活需求发生了更为紧密的联系。随之工艺美术已能更多地反映出艺术家的创作热情。但是传统工艺美术种类日渐衰落，家具、玻璃、陶器获得更多的发展空间，更注重造型或色彩等各方面的比例与协调。由此可见，文艺复兴时期对艺术设计领域的影响，有着以下五个方面的深刻的造诣。
建筑类
当时的欧洲摒弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。持续了几百年的哥特式风格受到人文思想的强烈冲击，在建筑的形式设计和室内的装饰设计上，都产生了一系列变化。共同特征是设计者运用数学比例关系来研究建筑，使空间充满生活气息。
北京的紫禁城是集中国古代建筑艺术之大成，是明朝建筑艺术的巅峰之作。是当今世界上现存规模最大、建筑最雄伟、保存最完整的古代宫殿和明代建筑群。整组宫殿建筑气势辉煌，布局谨严，秩序井然，寸砖片瓦皆遵循着明代的封建等级礼制，映现出帝王至高无上的权威。
绘画类
在当时社会政治与经济的影响下，中西方在绘画题材方面都有宗教题材。中国以宗教题材的话只有版画和油画，只占绘画中的一小部分，而且画的是佛教题材中的飞天、罗汉、佛祖及佛教故事，如明代版画《北藏经》。西方国家很多画都以宗教为题材，内容主要是《圣经》里面的故事，主人公为耶稣和圣母玛丽亚，如奇马布埃的《圣母子》和乔托的《逃亡》埃及等。在技法和材料的选用上，亚麻布、油画颜料、素描纸、铅笔等更能体现出油画和素描，注重光线、色彩与空间感，塑造事物的体积感的特点。随着绘画艺术的蓬勃发展，诞生了一批能够代表当时时代风格和人物特点的画作。这些大家被后来人所熟知。其中中国有仇英、商喜、唐伯虎、沈周、文徵明等。在西方则有达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等名家。
图一：文徵明 《关山积雪图》
文学和戏曲
中国历史上的四大名著三部出自明朝。《永乐大典》是明代永乐皇帝下令编纂的一部盖世大书，全书一共22937卷，装订成11095册，总字数约3.7亿字。它的编成是明朝的一个文化盛事。从明代开始，小说这种文学形式才充分显示出它的社会作用和文学价值，打破了正统诗文的垄断地位，在文学史上，取得了与唐诗、宋词、元曲相提并论的地位。明代通俗小说内容丰富，形式多样，既有长篇巨帙，又有短小精悍之作。其中代表人物和代表作分别是：英国——大戏剧家莎士比亚。代表作为四大悲剧《麦克白》《王子复仇记》等。中国——大戏剧家汤显祖。《牡丹亭》《桃花扇》《金瓶梅》、《三言二拍》以及稍晚问世的《聊斋志异》《儒林外史》等，多是揭露封建社会痼疾、呼唤人性解放、赞美自由、憧憬一个良好社会的杰作，大可以与欧洲文艺复兴的作品媲美。形成了中国小说创作的一个
高潮。
昆曲从明初的诞生，到明朝隆庆、万历之交的驱于成熟，到明代晚期，这是昆剧艺术最有光辉和成就最为显著的阶段，剧作家的新作品不断出现，表演艺术日趋成熟，行当分工越来越细致。昆曲的历史、文化和艺术价值体现在文学、音乐、舞蹈、表演、服饰等广泛领域，代表了中国古典戏曲艺术曾达到的最高艺术成就和最高品位，后起的任何一个戏曲剧种不得不以它为宗，是当之无愧的世界非物质文化遗产。
陶艺
在西方，陶制品的低廉迎合了市民需求，地位得到重视。首先在意大利发展，进而影响到欧洲诸地。代表作品有意大利的马略卡式陶器、法国的田园风格陶器、德国的哈夫拉式陶器。
而在當时的中国，明代瓷器在我国制瓷史上占有承上启下的重要地位。青花瓷至明代达到了鼎盛时期，明代永宣青花瓷器被予为中国青花瓷的极品。此后明中期的成化斗彩瓷器更是举世无双，由于东西方文化的频繁交流，景泰蓝瓷器又名“铜胎掐丝珐琅”工艺在明中期又独领风骚，到了明代后期的万历五彩瓷器等彩瓷新品种的烧制成功，更为以后釉上彩瓷的大发展奠定了扎实的基础。
从烧制的方法和内容来看，马略卡式陶器工艺是先成型素烧，然后施白色陶衣，干后绘饰，再二次烧成。早期绘制得内容为图案化的纹样晚期——以写实手法表现神话或日常生活。
图三：动物纹陶壶
田园风格陶器的代表人物是伯尔拉尔·巴利希（1335～1590）装饰手法以浮雕代替了绘画常见题材：鱼、昆虫、虾、蛇和蜥蜴，手法写实，趣味奇特。
家具工艺
文艺复兴风格的家具最早兴盛于15世纪后半期的意大利，随后很快风靡法、英、德等国。家具工艺大大推动了西方家具的造型设计、制作工艺和装饰手法的进步。
明代是中国家具艺术出现鼎盛的一个辉煌时期，家具的形式与功能日趋完美统一。明式家具最具时代特征的标志是硬木家具的形成和流行。所谓“硬木家具”，是指以红木、紫檀、黄花梨、黄杨、榉木、铁力木、鸡翅木等优质硬木为材料所制成的家具，以木质而名。明代黄花梨家具更将中国家具带入了一个出神入化的境地。因为明代是中国汉室皇权统治的最后一个封建王朝，以儒学为主干的古代文化已经非常成熟。释道两家，也在理学上大成于世。明代的知识分子享数千年的文化积淀，无疑具备了前所未有的学术修养。黄花梨家具之所以诞生在明代，显然与当时文人士大夫阶层的修养及审美意识所达到的高度，密切相关。
明式家具很早以前就给欧洲留下过深刻印象，比如明式家具中的“三弯腿”就比欧洲古典家具的“三弯腿” （如图七）产生要早，或可揣测西方家具借鉴于明式家具的蛛丝马迹。可以肯定的是，明式家具是西方现代家具的鼻祖，那种不事雕琢的造型与线条，对西方现代家具的极简风格显然具有启蒙价值。这种三弯腿比较常见，从束腰处向外膨出，然后内收，到下端再向外兜转，形成三道弯。足部一段有涡纹足、外翻马蹄足。
文艺复兴时期人本思想初探 第4篇
1. 人的起源
在茫茫宇宙中, 人从何而来, 又由何构成?基督教经典《圣经》记载, 人来源于神, 由上帝所造。上帝按照自己的形象, 用泥土造了一男人名叫亚当, 又用亚当的一根肋骨造了一个女人叫夏娃, 这一男一女即是人类的祖先。上帝不仅造人而且创造了整个世界。他是至高无上的本体, 是真实的存在, 经院哲学家安瑟伦、托马斯曾绞尽脑汁用本体论、宇宙论证明其存在, 奥古斯丁用最美的言词赞颂他:上帝“至高、至美、至能、无所不能, 至仁、至义、至隐、无往而不在, 至美、至坚、至定……负荷一切, 充裕一切, 维护一切, 创造一切, 养育一切, 改进一切’, 一切都体现了上帝的智慧与安排, 如不是上帝的意志, 人的一根头发也不会掉下来。既然人世间的一切全由上帝安排就绪, 人生在世的使命或价值就不是希腊哲人所主张的理性地面对自然本体, 获取真知, 而是崇信上帝, 顺从神意, 跪在神灵脚下, 甘当仆役。因为人本是由泥土构成, 低下卑微, 如同粪土。人应当蔑视自己, 崇敬上帝。安瑟伦说:“轻视自己的人, 在上帝那里就受到尊重。不顺从自己的人, 便顺从了上帝”。可见, 你应把自己看得很微小, 这样, 在上帝眼中, 你就是大的;因为你愈是为人间所蔑视, 你就愈是得到上帝的珍视吻。人只有轻视自己, 谦卑顺从, 甘当仆役, 才能取悦上帝, 受到上帝珍视, 获得拯救。按照基督教人学, 至高至尊的本体神在造人时, 曾赋予人以自由、永生与幸福, 但人却堕落了。
2. 人的堕落
人是什么、本性如何?人生存的境况又如何?《圣经》作了一番神奇的描述。上帝按自己的形象造了人类的始祖亚当与夏娃, 并赐福于他们, 使他们具有从善的意志和自由, 在伊甸园中过着自由、善良、永生与幸福的生活。但夏娃却受蛇的引诱, 与亚当偷吃了上帝禁吃的善恶果, 违抗了神命, 犯了罪, 为惩罚他们, 上帝将其逐出伊甸园, 由天堂堕落到人间, 从此就生存于罪恶、必死、匮乏与劳苦的境况中。由于人类的始祖犯了罪, 所以整个人类都犯了原罪, 因而所有的人生来都是有罪的, 都有着从恶的本性, 是一个邪恶的有限存在物, 在上帝面前, 人人都是罪人。为说明人性本恶, 有着犯罪堕落的本性, 奥古斯丁在他的《忏悔录》中花了相当的篇幅作了反复论述。他16岁那年与同伴们偷走了邻居梨树上的梨, 偷梨的目的并非想吃梨, 而是拿去喂了猪, 因他家有比它更好的梨。他不厌其烦地说明偷梨是“为了欣赏偷窃与罪恶”, “为罪恶而爱罪恶”, “罪恶是丑陋的, 我却爱它, 我爱堕落, 我爱我的缺点”, 这种爱堕落爱罪恶恰是先验邪恶本性的必然结果。正因为人性本恶、罪孽深重, 无力自拔, 不能凭自身能力救赎自己, 便只有靠全能无限的上帝, 才能使人重返向善的本性, 赦免一切罪恶, 拯救人类。
3. 人的拯救
人来自何方?来自上帝, 本与上帝合一, 处于自由、善良、永生与幸福之中;因为人性本恶犯罪堕落, 处于罪恶、必死、匮乏与劳苦之中;人又将走向何方?能否超脱罪孽, 获得拯救回归于上帝?基督教人学的回答是肯定的。
人要获得拯救, 按奥古斯丁与托马斯的观点, 必须具备爱、信、望三种美德。人首先要全心全意地热爱上帝, 才能无限虔诚地信仰上帝, 相信“只有上帝才能满足那种存在于人类心中的欲望并使人幸福’, 热爱信仰上帝必然导致对来世的天国充满希望, 对现世的人生充满厌倦, 人在现世是达不到至善与幸福的, 只有来世的天国才是希望所在幸福所在, 才是人类生存的全部价值, 追求的最终目标, 得救的唯一场所。因此人生是虚无, 是短暂的过客, 是风中的残烛, 是参拜上帝的旅客, 要尽力摆脱万恶之源—肉体欲望的束缚—禁欲修身, 忍受苦难, 以求拯救不死的灵魂, 超脱罪恶的尘世, 回归幸福的天国。否则将受天国报应说的惩治, 只能堕入地狱永无升天之日。
全部基督教人学实质上是关于人类拯救的学说, 虚构了一幅人类起源、堕落犯罪、赎罪获救的奇特画面, 指出了一条人类否定自身、超脱尘世、走向天国、皈依上帝的艰难路程。它反映了人类对自身以及生存困境的迷惑, 是“对这种现实的苦难的抗议”, 是“被压迫生灵的叹息”, 表现了无力摆脱苦难的人们的追求与渴望, 只得把一丝可怜的希望寄托于神灵的拯救, 来世的幸福。
二、人本主义取代中世纪宗教人学
社会经济、文化的发展决定制约着人学思想的发展。随着封建社会的衰落, 新兴市民力量的增长, 经院哲学的异端唯名论开始复兴, 新兴自然科学思潮开始萌芽, 宗教人学思想也日趋衰落, 古代理性人学思想则重被发掘, 在新时代的曙光中发扬光大。
近代科学先驱罗·培根还在托马斯时代就大胆呼吁:反对阻碍真理发展的四种假相, 把盲从权威列为头等障碍, 主张科学实验是获取真理的唯一道路, 推崇科学理性, 反对盲目崇拜。后期唯名论代表司各脱、奥康也把眼光从上帝的天国转向了尘世的事物, 强调对个别事物的经验认识才是真正的认识, 从而继承了古代人学思想, 标志着宗教人学思想的终结, 并开始以理性人学取代宗教人学, 以理性方式认知尘世事物取代以信仰方式崇拜天国神灵, 以科学理性的观点解释人及一切取代以神灵信仰的观点解释人及一切, 为理性人学的重建奠定了理论基础。随着封建时代的结束, 资本主义新时代的来临, 近代理性人学也悄然兴起, 它借助古代理性人学的思想反对中世纪宗教人学。人文主义思潮以人的本体论反对神的本体论, 以人性对抗神性, 以人权拒斥神权, 肯定了现世人生的幸福, 否定了超自然的神灵, 反映了人的主体意识的觉醒。路德宗教改革的“因信称义”说, 使个人主观的理性意识战胜了对外在权威的盲从, 人只要信仰上帝, 便可成为义人, 获得拯救, 拯救的力量在于人自身, 在于人内在的理性认知力。哥白尼的“日心说”反映了科学家们为求取真知敢下地狱的无畏的理性精神。其后弗·培根和笛卡儿的学说则宣告了近代理性人学的诞生, “知识就是力量”的口号喊出了近代人的价值观, 人的力量在于知识在于理性, “我思故我在”的命题歌颂了人的主体逻辑思维的理性精神, 理性是衡量一切的尺度, 人的本质就是理性。这种理性人学不仅是对古希腊人学的回归, 更是在近代科学文明基地上的新发展新创造, 经过洛克、斯宾诺莎、休漠、康德等人, 直至黑格尔将理性人学发展到顶峰, 人完全为理性所吞噬, 异化为理性的绝对精神的工具, 这种极端的理性主义必然导致自身的终结、非理性主义的出现和马克思主义的诞生。
参考文献
[1]陈丹.人文主义思潮的兴起与西方教育观念的转变[J].辽宁科技学院学报;2009 (1) .
欧洲文艺复兴时期的美术ppt 第5篇
一、意大利文艺复兴美术的开端（13、14C）1、雕塑：尼古拉??皮萨诺(Nicola Pisano，约1220―1284)，意大利中世纪艺术家中最早表现出对古典艺术的兴趣，活动在比萨。作品是比萨大教堂布道坛的雕刻上，如《基督降生》、《博士来拜》、《基督受难》等，人物造型都显得庄重典雅，衣纹处理的厚重而有质感，层次变化丰富，明显带有希腊罗马古典艺术的痕迹。
2、绘画：a、奇马布埃（Cimabue, 约1240―1300），乔托的老师。以壁画为主，神圣题材的世俗化，明暗对比法的首次运用。《圣母子》。b、杜乔（Duccio di Buoninsgna，约1250―1318），锡耶纳画派的创始人，与佛罗伦萨画派不同，采用富丽高雅的色彩和优美的线条，成功地将拜占庭艺术的庄严感于锡耶纳的神秘性杂揉一处，突出了画面的抒情效果。代表作《光荣圣母》、《最后的晚餐》。
3、佛罗伦萨画派：乔托（Giotto，约1266―1337）创始人。意大利文艺复兴艺术的伟大先驱者之一。他的艺术是中世纪与文艺复兴的分水岭。用现实生活的人物来表现宗教故事。代表作有《逃亡埃及》、《犹大之吻》。尽管其写实技巧还显得比较幼稚、生硬，但在欧洲美术史上具有极其重要的意义，他实践中提出的问题正是后来艺术家所要面临的问题，如戏剧性情节的构图，人物的表情神态，人与环境背景的关系，画面的空间层次，物体的体积感、质感和明暗关系等。
二、意大利文艺复兴早期的美术（15C）1、15 世纪的佛罗伦萨画派继承了乔托的现实主义原则，对解剖学和透视学的研究首次体现了科学与艺术的结合。约在1420 年左右，佛罗伦萨三位大师的出现标志着早期文艺复兴的来临。a、建筑师布鲁内莱斯基（Filippo Brune leschi,1377―1446）。作品有佛罗伦萨大教堂1-6。b、雕塑家多纳太罗（Donatello，1386―1466），是15 世纪意大利最杰出的雕塑家。他的雕塑创作彻底摆脱了哥特式风格的痕迹（模仿自然的现实），复兴了古希腊罗马的古典样式（高贵、典雅）。《加塔梅拉塔骑马像》、《大卫》。c、画家马萨乔(Masaccio,1401―1428)，继承和发展了乔托的传统，以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。他的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。《出乐园》，《纳税钱》。2、15 世纪佛罗伦萨画派最后一位大师：波提切利（Sandro Botticelli，1444―1510），他的绘画多取材于文学作品和古代神话传说，不在使用宗教题材，能更自由的抒发个性和世俗的感情。注重用线造型，强调优美典雅的节奏和富丽鲜艳的色彩，如《春》、《维纳斯的诞生》。
三、意大利文艺复兴盛期的美术（16C 上半叶）1、达芬奇（Leonardo da Vinci，1452―1519），整个文艺复兴时期最卓越的代表之一，画面充满科学精神和哲理思考。代表作有《天使领报》、《岩间圣母》、《最后的晚餐》、《蒙娜丽萨》等。2、米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti，1475―1564），在作品中倾注于自己满腔悲剧性的激情。代表作有《大卫》、《创世纪》、《摩西》、《圣母子》、《哀悼基督》等。3、拉斐尔（Raphael Sanzio，1483―1520），以优美的、诗一般的绘画语言体现了人文主义的思想。代表作《雅典学园》、《西斯廷圣母》、《圣家族》、《圣母子与圣约翰》、《圣母玛利亚的订婚》等。
四、威尼斯画派（15―16C）1、乔万尼??贝利尼（Giovanni Bellini，约1430―1516），被认为是威尼斯画派的创始人。他注重风景的描写，把自然景色诗意化，使作品充满宁静和淡雅的情调。《有小树的圣母》、《神的欢宴》、《湖的圣母》。2、乔尔乔纳（Giorgione，约1476―1510），贝利尼的学生，是从贝利尼风格过度到威尼斯画派全盛时期的人物。诗一般的画面，并不单纯是一种优美的视觉效果，而且有丰富的人文主义内涵。《暴风雨来临之前》、《田园合奏》、《沉睡的维纳斯》。
3、提香（Tition Tiziano Vecelli，约1487―1576），乔尔乔纳的同学，其作品不象乔尔乔纳那样抒情和宁静，而是显得壮丽、热情和富于想象，色彩强烈，用笔奔放。《维纳斯》、《带手套的男子》、《保罗三世》、《花神》。4、委罗内塞（Paolo Veronese，1528―1588），比提香晚一辈，他在1553 年来到威尼斯，这时的威尼斯已过度了它的繁盛期，贵族和商人抓住最后的时光饮宴享乐、花天酒地，这从另一侧面反映出威尼斯人追求的不是宗教的禁欲，而是世俗的欢乐与自由，他把这一切都搬上了自己的画面。《利未的家宴》、《格利戈里的宴会》。
5、丁托列托（Jacopo Robusti Tintoretto，1518―1594），在威尼斯画派中别具一格，他的艺术理想是“把提香的色彩和米开朗基罗的形体结合起来”。他的画也是具有规模宏大的构图，复杂激烈的人物、动态和异乎寻常的透视角度。《圣马可的奇迹》、《自画像》。6、柯罗乔（Antonio Correggio，1499―1534），他是与威尼斯画派的乔尔乔纳、提香同时的一位著名画家，主要活动在北意的巴马，在画风上受威尼斯画派的影响较大，画面上色彩明快，诗意盎然，妇女形象美丽动人。《圣夜》、《丽达与天鹅》。他的作品已看到巴洛克的前兆。第二节尼德兰文艺复兴时期的美术（地图）
一、总体特征1、中世纪的尼德兰包括现在的荷兰、比利时、卢森堡以及法国东北部的一些地区。2、由于雕刻作品现存极少，在15 世纪尼德兰美术中绘画方面的成就便显得非常突出了。尼德兰画派的艺术家们创作了大量祭坛画与独幅木板画，因为尼德兰美术脱胎于中世纪的哥特式艺术，使得尼德兰文艺复兴初期的绘画有比较浓郁有宗教气息，总的绘画倾向是：严肃、静穆，人物形象不够生动自然。另一方面，尽管这些作品大多表现了传统的宗教题材，却由于画家对描写世俗生活和周围环境的兴趣大大增长，作品中便不时体现出现实主义倾向。
二、奠基者1、罗伯特??康宾和扬??凡??埃克是尼德兰画派的主要奠基人。2、罗伯特??康宾，他的著名作品《受胎告知》虽然是宗教画，却通过某些细节描绘，使画面上流露着市民生活的情趣；同时，画面上所描绘的风景为风景画在尼德兰地区成为独立画种奠定了基础。代表作还有些《肖像》。3、扬??凡??埃克，虽然他的画大部分为宗教画，但却突破了宗教画的传统技法，非常重视对人物性格与心理的刻画，非常注意写实，细心研究了光和色的表现，还对油画方法作了重要改进；题材因为现实世界和世俗生活，体现了人文主义观念，开辟了尼德兰文艺复兴的道路。代表作《教堂中的圣母》、《阿尔诺芬尼夫妇像》1-4、《罗林的圣母》1-3 等。
4、罗吉尔??凡??德尔??维登，康宾的学生，1450 年曾去过意大利，意大利人文主义者称他是自杨??凡??代克以来尼德兰最优秀的艺术家，通过它的活动，扩大了尼德兰画派在国际上的影响。代表作有《受胎告知》、《下十字架》、《最后的审判》、《妇女肖像》等。
三、15 世纪时期1、15 世纪中叶，在北方随着经济的兴旺发达，文化艺术也十分昌盛，以哈勒姆为中心形成了北方画派。德尔克??波茨（约1415―1475）是北方画派的重要代表画家，曾经为鲁汶市圣彼得教堂绘制了祭坛画，《最后晚餐》一画，画家没有按照宗教内容来展示事件发生的时间、地点，而是将最后晚餐的场面大胆地移至15 世纪尼德兰市民住宅的餐室中。他的重要作品还有《地狱》、《基督在西门家》等。
换个角度欣赏欧洲文艺复兴时期艺术 第6篇
摘 要：艺术与哲学都是时代的精华，艺术作品往往体现着艺术家的哲学理念，而一个时代群体的哲学理念精华又会渗透到艺术家的血液里，成为其艺术创作的心理定势。那么是什么样的精神和心理因素推动了文艺复兴时期艺术家创作呢？在我国往往把人文主义和反封建、反宗教迷信放在一起，常常使我们觉得它的社会意义大于它的文化意义。
关键词：信仰；精神；真理；自然
欧洲文艺复兴时期诞生了许多经典的艺术作品，它们是具有永恒的魅力。马克思谈到希腊艺术时说道：“困难不在于理解希腊艺术和史诗同一定社会发展形式结合在一起。困难的是，它们何以仍然能够给我们以艺术享受，而且就某方面说还是一种规范和高不可及的范本。”[1]毋庸置疑，欧洲文艺复兴时期的艺术也是如此的高不可及，具有永恒魅力。艺术与哲学都是时代的精华，艺术作品往往体现着艺术家的哲学理念，而一个时代群体的哲学理念精华又会渗透到艺术家的血液里，成为其艺术创作的心理定势。那么是什么样的精神和心理因素推动了文艺复兴时期艺术家创作呢？后来的学者把它称作人文主义。人文主义思想打破了经院哲学统一的局面，为以后的思想进步扫清了道路。但是人文主义又是个十分广泛而混杂的概念，在我国往往把它和反封建、反宗教迷信放在一起，常常使我们觉得它的社会政治意义大于它的文化意义。本文旨在试图发掘这一时期艺术家创作背后较深层的艺术心理中情感因素与精神动力，以更好的欣赏、学习与实践“西画”这一外来画种。
哲学和艺术的关系的紧密的，而讨论文艺复兴时期的时代哲学是和基督教分不开的。在日常用语中，“哲学”一词又可以引申为个人或团体最基本的信仰、概念和态度，哲学一词可以是指一种宗旨、主张或者理念。那么文艺复兴时期人们的最基本的信仰是怎么？对于自然的态度是什么？对于他们的国家、社会和人民有怎样的主张和理念？这些对于我们了解这一时期的艺术家背后的人群的集体潜意识哲学是必要的，那我们必须要从《圣经》与基督教说起。《圣经》是基督教的主要经典，是西方文化的主要思想基础。它对于基督教文化的西方国家来说，是其传统文化的重要组成部分，已经渗透到西方社会哲学、法律、教育、艺术以及科学等各个领域对人们思想观念影响也是根深蒂固的。
1 真理认识的变化与技术的革命
这里的“真理”是指对于圣经的认识。首先文艺复兴作品的产生和时代发展一定是分不开的。人们不断的追求真理，从蒙昧到较为正确，不断进步。从事的技术也同样是不断革新进步，从而带来文明的进步。
从公元七世纪末期开始，统治者为限制教派的权利，歪曲圣经中出埃及记二十章4节“不可为自己雕刻偶像，也不可雕制任何上天、下地、和地底下水中之物的像”。发起了反偶像运动，由于破坏偶像运动的兴起，使得绘画艺术遭到禁止，艺术却突然衰微下去，绘画技术的发展遭到了扼制。中世纪初期是没有专门的画家，都是农民或匠人，因此很多绘画显得幼稚、格外粗糙，如外行人画的画。中世纪后期，为满足主教和贵族的订画要求，绘制教堂壁画和贵族肖像，出现了专门从事短期绘画的匠人画家，绘画技术也在不断地进步，经过一段时间后，最终进入了文艺复兴的辉煌时代。在公元六、七世纪的时候，壁画技术和羊皮纸上的细密画的技术也发展起来。但是，布面油画的产生，对绘画技术而言，是又一次质的飞越。写实绘画逐渐成熟，画面表现更加真实自然。如果说由于绘画技法的进步使画面的效果更加逼真，接近自然，使神的形象更接近于人的形象，那就定义为肯定人权，反对神权的人文主义思想的论断，那显然还缺乏说服力。我们来看看《圣经》是怎样说的，创世纪一章二十六节“神说，我们要按着我们的形象，照着我们的样式造人”。[2]我们从这里可以推测出圣经本来就说神跟人就是一个样子。
黑格尔在他的著作《美学》开篇即论“自然美是无用的，艺术家是神的代言人”[3]。芬奇把绘画被称为“上帝的孙儿”[4]，他在绘画和诗歌的比较中认为诗包容伦理哲学，绘画则研究自然哲学。假使诗歌描写精神活动的，绘画则研究是反映在人体动态上的精神活动。
欧洲文艺复兴时期艺术是我们了解传统西方思想文化精髓的较好载体与媒介，不应简单视为西方宗教迷信思想下产生的作品，也不应简单视为历史上社会制度更迭过程中精神对物质进步的反映。否则我们会戴着有色眼镜去看这些重要的艺术品。我们的艺术创作者也容易被误导的解读艺术创作的他律性
2 真理的寻求——对文艺复兴时期人文主义思想的解读
中世纪的艺术工匠范本是专门供艺术家作样板用的素描或版画集。中世纪的范本书包括普通的图样，例如各种姿势的人体以及动物、花卉等，提供给画家、雕塑家、手艺人使用。达·芬奇曾给后人这样的忠告：“画家若以他人的画为准绳，就只能画出平凡的作品。要是他愿意向自然学习，就可以获得优异的成绩。从罗马人以后的绘画里可以看出这一点。他们彼此抄袭成风，以致艺术不断衰落，一代不如一代。直到佛罗伦萨人乔托出来，才不满足于模仿他的老师奇马布埃。乔托出生在荒僻山区，其间只有山羊之类走兽出没。但自然将他引向艺术，他开始在岩石上画下他所看管的山羊的动态，继而描画在山村能见到的一切动物，就是这样经过了长年研究之后，不仅超过了当代画家，也超过了过去几个世纪以来的所有的画家。但后来人又专门抄袭即成的画，画艺再次衰落，而且江河日下。”[4]贡布里希在《艺术发展史》中论到：“正是在十三世纪，艺术家有时会抛开他们的范本，去表现自己感兴趣的东西，我们今天很难想象这一点有什么重大意义。”[5]这两处都提到抛开范本去表现，表现什么呢？一句话，感兴趣的自然。以此我们可以看出文艺复兴时期艺术作品的产生和艺术家的对待自然的态度是分不开的。
人文主义背景，自由、平等、尊严、高尚的人。“人文主义”（humanism）一词在英文中也人道主义，人本主义，人文学的意思是西方是指社会价值取向倾向于对人的个性的关怀，注重强调维护人性尊严，提倡宽容，反对暴力，主张自由平等和自我价值体现的一种哲学思潮与世界观。
人文精神不但是艺术的旗帜，也是科学诞生的胎记和社会本能。
文艺复兴时期的艺术家往往感恩上帝创造的伟大自然与人类，《圣经》中教义的正面体现“神爱世人”“神是爱”等积极教义。
文艺复兴时期的艺术哲学的是“有神”的而不是“无神”的，文艺复兴时期的人文主义思想精华是人类探索人生意义的宝贵思想。从文艺复兴时期的作品来看，是明显带有“神”的印记，这一时期对上帝的敬拜从教会转移到了自然。那么，艺术家又怎样看待自然和神的联系的呢？达·芬奇曾做这样的论述：“蠢材中有一派叫伪君子的，不断地自欺欺人而且欺人多欺己少。他们居然指责那些为了真正了解万物形态而在节日进行观察并专心致志以求尽量理解这些形态的画家们。让这类判官们住嘴吧！因为这是了解创造美不胜收的万物的创造主的办法，这是去爱伟大创造主的办法。事实上，大爱生于对所爱物的大了解，如果你不了解它，你便少爱，以致不爱它。”[4]达·芬奇认为绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者。在这段话中我们可以清楚的看见，艺术家把自然看成是了解和敬拜造物主的途径，对二者充满敬畏之情，并称绘画是一门科学，是自然的合法的女儿。
文艺复兴的一个基本方面，当时思想家从这一方面把人重新纳入自然和历史世界中去，并以这个观点来解释人。在这个意义上人本主义是造成17世纪科学革命（下转第页）（上接第页）的基本条件之一，因而在一定程度上也是促使“科学主义”诞生的一个条件。因此笔者认为对于西方的民众正是基督教和《圣经》起到了思想和文化普及的作用，然后才有了人们自觉的人文主义意识。从这里我们发现宗教信仰和人文主义文化是具有人类共同意义的，人文主义都是人类发展历史上合理存在的精神内核，是人类自身发展共同的、本质的文化需求。在如今世界一体化的今天，对于世界各国、各族人民的文化交流都是有重要意义的。作为两种性质不同的意识形态的人文主义和宗教之间仍有千丝万缕的联系。二者相互支持，相互补充，相互影响，相互渗透，并导致你中有我，我中有你。就是说，这种人文主义含有宗教的因素和性质，这种宗教也含有人文主义的因素和性质。我国近代美学的奠基人王国维曾说“夫哲学与美术之所志者，真理也。真理者，天下万世之真理，而非一时之真理也。”我非常赞成他的观点哲学和美术的共同理想是寻求真理，而真理的属于全世界的，绝不是一时一地。
3 结语
我们要明确一点，宗教和信仰是两个概念。宗教是人搞出来的形式，信仰则是“法”，是“道”，是真理。宗教是人在这些理的基础上搞出来以方便人瞻仰修行的一种形式。基督教、道教的腐朽也不代表着耶稣、老子的腐朽。文艺复兴时期人们开始质疑宗教的权利，质疑他们是否是神的代言人，人们开始发现宗教权利的不公义、不合理，是有违上帝的旨意的。他们有了自己对上帝敬拜的方式，对圣经的教义有了更准确的理解。不一定需要通过教主、教皇再来表达对上帝的崇拜。但是我们可以发现文艺复兴时期的这些艺术家是有信仰的，并且是虔诚的，否则就是违心之作，不可能给人一种神圣永恒的力量。艺术家们只是希望找到人与神，人与自然之间一种理想的状态，提倡人性，也提倡神性，提倡人权以反对宗教的权利，而非反对神，笔者认为至少在文艺复兴这个时期大抵还是这样的状态。
本文旨在指出文艺复兴时期的艺术家是有虔诚信仰的。这一点对于艺术家创作出那样的艺术精品是有巨大的影响力和作用的。信仰和道德都对艺术产生重要影响，信仰对道德又产生重要影响，因此信仰对艺术产生的影响是极为重要的。信仰对于艺术家是极为重要的，对表现“真、善、美”是极为重要的。很多人很喜欢西藏藏区的人，觉得他们很美，甚至比西藏的景色更美其实是青睐他们背后的信仰，感觉很圣洁，虽然脸是黑黑的，但是灵魂的干净的。我们艺术创作也应该以此为目标。无论是什么样的形式、内容与题材，在艺术品的背后应该蕴含着高尚圣洁的精神品质。
参考文献：
[1]马克思恩格斯文集（第八卷）[M].北京：人民出版社，2009：35.
[2]旧约圣经（创世纪一章二十六节）[M].台湾：福音书房，2005：11.
[3]弗里德里希·黑格尔（德）.美学[M].南京：江苏人民出版社，2012：2.
[4]莱奥纳多·达·芬奇（意）.达·芬奇论绘画[M].戴勉，编译.广西师范大学出版社，2003：10，36，42.
[5]贡布里希（英）.艺术发展史[M].范景中，译.天津人民美术出版社，2006：107.
作者简介：王春艳（1980—），女，内蒙古巴彦淖尔人，内蒙古大学艺术学院2014级硕士研究生。
英国文艺复兴时期诗歌的音乐盛会 第7篇
1 音乐,
可以通过各种乐器演奏出来。人类的情感在各种音乐中得到共鸣, 诗歌和音乐这两种艺术共同创造出一个魅力十足的美好世界。在欧洲, 诗琴 (lute) , 作为14-17世纪的一种拨弦乐器, 是能够弹奏出各种动人心弦, 或悲或喜的美妙乐曲的。诗人们在创作诗歌时, 也微妙地在诗歌中借助用诗琴弹奏的音乐来表达诗中主人公的情感思绪。托马斯·坎皮恩是英国文艺复兴时期一位颇有成就的诗人和音乐家, 他创作了许多抒情诗, 并为这些抒情诗都谱了曲。因此他的许多抒情诗也都成为被谱了曲的音乐作品。诗琴贯穿托马斯·坎皮恩的抒情
诗When to Her Lute Corinna Sings。这
首诗是以一名男子的口吻写成的, 倾诉对一名女子的深情。除了托马斯·坎皮恩这首抒情诗中的诗琴奏出的爱情之歌以外, 我们在克里斯托夫·马洛的《牧羊人恋歌》 (The Passionate Shepherd to His Love) 一诗中也听到了牧羊人激昂动情的歌声, 那是一首牧羊人召唤心上人与他相爱, 典型的及时行乐的情歌。这首诗中, 我们看到了俊俏秀丽的山峦, 风光明媚的山谷田园, 铺满玫瑰花的床铺……牧羊人为情人创造出了一个令人向往的浪漫世界, 再加上他深情的歌唱, 这怎能让女子不动心呢?虽然诗人并没有描述到牧羊人唱了什么, 但字字句句中, 我们都能听到他的声声爱语, 能感受到这位痴情牧羊男子对心上人的浓浓爱意。
2 自有诗歌以来,
大自然就被纳入它的视域。尤其是在英国诗歌中, 许多诗歌都是人类与大自然最直接最密切接触的再现。文艺复兴时期前后, 人与自然和谐融洽的关系才在文学作品中得以体现。自然界中, 植物的灵性在生长, 动物的灵性在感性, 人类则独有理性。人类的理性, 睿智和丰富的想象力也在文艺复兴时期“人文主义”的旗帜下更加散发出耀眼的光芒, 它们将自然界的灵性用更深邃, 更高度抽象的诗歌语言表达出来。因此在文艺复兴时期的诗歌中, 不仅仅是大自然中的山水, 花鸟, 鱼虫, 日月……所有这一切的美好被展示地酣畅淋漓, 而且源于大自然的各种声音也是那么地和谐美妙, 犹如一曲曲醉人的音乐, 为人们带来焕然一新的听觉效果。
托马斯·纳什一首《春》 (Spring, the Sweet Spring) 是英国抒情诗中赞美春天, 描写自然的优秀代表作品之一。“百花争艳, 少女围舞欢唱/乍暖还寒, 百鸟齐鸣交响/咕咕, 啾啾, 扑———喂, 托-威脱-呜/羔羊嬉戏, 绿荫农舍生辉/莺雀唱和, 妙曲欢歌优美”。诗中, 百鸟齐鸣:布谷鸟的咕咕声 (cuckoo) , 夜莺的啾啾声 (jug-jug) , 麦头凤鸡的扑———喂声 (pu-we) , 猫头鹰的托-威脱-呜声 (to-witta-woo) , 还有莺雀的唱和, 它们共同奏响了一曲动听的来自大自然的春天交响乐。
3 倾听完天籁之乐,
我们再来倾听文艺复兴时期在人文主义者宣扬的“一切以人为中心”的口号下, 个性得到解放和尊重的人们对生活的歌唱。
在追求爱情赞美爱情的同时, 人们也歌唱友情。其中莎士比亚的第1首到第126首的十四行诗就是歌颂他和一位集真善美于一身的少年之间的深刻友谊。
文艺复兴时期的诗歌内容繁多, 宗教诗也占据了一席之地, 人们对上帝的赞美之歌也歌声不绝。其中代表人物有乔治·赫伯特, 他创作的一首《复活节的翅膀》 (Easter Wings) 中, 想借云雀婉转的歌声歌颂上帝, 此时云雀的歌声已经不再是我们刚才听到的来自大自然的纯朴歌声, 而是被赋予了宗教的韵味:上帝创造了人类, 人类却因为罪恶失去乐园, 但只要人类心上上帝, 跟随上帝, 定能救赎这一罪过, 重获新生。
人们对文艺复兴的普遍共识是它建立了人的尊严, 人性得到肯定和解放, 人们自由地歌唱人生, 因此我们在英国文艺复兴时期众多天才诗人创作的不朽诗歌中不仅欣赏到了一幅幅百花齐放的画面, 也聆听到了一场来自大自然和人们心底的多首赞歌汇集的音乐盛会。
参考文献
[1]朱光潜:《诗论》[M].合肥:安徽教育出版社, 2003[1]朱光潜:《诗论》[M].合肥:安徽教育出版社, 2003
[2]胡家峦:《英国名诗详注》[M].北京:外语教学与研究出版社, 2003[2]胡家峦:《英国名诗详注》[M].北京:外语教学与研究出版社, 2003
[3]李正栓:《英国文艺复兴时期诗歌研究》[M].保定:河北大学出版社, 2006[3]李正栓:《英国文艺复兴时期诗歌研究》[M].保定:河北大学出版社, 2006
浅析文艺复兴时期的油画艺术 第8篇
关键词：文艺复兴,油画,达芬奇,乔尔乔纳,提香,马萨乔
伟大的文艺复兴运动是人类社会所经历的前所未有的最伟大的进步性变革, 这场运动在改变了社会和人的思想观念的同时, 也推动了人类的科学、文化和经济的发展。始于意大利的文艺复兴运动迅速的越过阿尔卑斯山和整个北方大地, 其影响遍及欧洲差不多所有的国家。文艺复兴的原意是, 在古典规范的影响下, 艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人, 以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视, 使他们对人和自然做出了新的评价。实际上, 文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点, 其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人, 他们要求文学艺术表现人的思想和感情, 科学为人生谋福利, 教育发展人的个性, 要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来, 提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的油画艺术就是在这个基础上发展起来的。
文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念, 即不仅注重作品要描述某一事件或事实, 还要揭示出事件或事实的前因后果, 于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时, 画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等, 形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系;焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间, 画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同;明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下, 形成由近及远的清晰层次。也可以说文艺复兴时期的艺术家们的作品反映了广阔的社会生活, 他们那种使艺术与科学结合起来的人文主义思想成为了近代西方美术发展的地理论基础和里程碑。
列奥纳多··达··芬奇是那个时代的文化、科学和艺术的最伟大的集大成者。他在油画方面所做的大量革新和探索对欧洲近代油画艺术的发展产生了不可抹灭的影响和作用。在他所生活的佛罗伦萨成为了欧洲油画艺术的重要中心, 产生了著名的佛罗伦萨派。这个画派崇尚自然, 追求科学与艺术的结合, 使得这个时期的油画艺术的绘制技巧达到了成熟阶段。古典油画的一些基本表现技法就是在那个时代定型的。那个时代的画家比较注重明暗法的运用, 画中景物的暗部统一笼罩在阴影中, 明暗交界线呈柔和的过渡, 造就了画面集中而浑然的效果, 说到这我们就不得不提到达芬奇的“薄雾法”的油画技法, 在他的笔下的人物不再只是那种近乎单线平涂的剪影效果, 他极其擅长用细腻的层次和微妙的明暗关系去烘托画中的人物形象和景物。由于外轮廓的变化虚实有致, 使她笔下的人与物无论从体积和塑造还是空间关系的表达, 都更接近真实的感觉, 从而更完美的体现出活生生的人的思想感情。l.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。绘制的方法大致如下: (1) 用胶液和熟石膏粉或大白粉作出画底。 (2) 用单色或者接近皮肤的颜色在画底上勾出物体的轮廓, 并用蛋胶粉完成初步的素描关系。 (3) 用油画颜料进行透明罩染, 最后涂上光油。
在同一时代的意大利的另一个著名的城市威尼斯, 有着被后人尊奉为近代欧洲油画的革新者和意大利油画的创始人的乔尔乔纳, 还有和他一脉相连的徒弟提香。以他们为代表的威尼斯画派在艺术创作中更强调追求一种世俗的享乐和愉悦的富于感官的美感, 从而更加完美的表现出人的思想感情。
乔尔乔纳时代, 油画一般都是被按照严格的作画程序进行的, 艺术家的作画方法大致如下:
(1) 先用涂红或深综色制底;
(2) 在此之上用单色颜料完成简单的素描关系;
(3) 所有的颜色都需调入白粉 (包括暗部) , 使每笔颜色都显得比较厚实。
(4) 透明罩染, 最后涂光油。
威尼斯画派最杰出的顶级人物是提香, 他同时也是一位极富创新精神的艺术家, 他对油画技法的做出了大胆的改良, 从而极大的丰富了油画的表现语言。比如, 他常常根据不同的画面色调的需要采用不同纹理的画布和不同色彩的画底作画, 并在作画时第一次采用直接画法和一些特殊的技巧, 他不是将色彩最为素描的附庸, 而是直接用它去塑造形体, 因而使色彩在油画中从此有了独立的意义。提香是控制和驾驭色彩的高手, 他一般仅仅使用有限的几种颜色作画, , 透明颜料的多次复叠, 忽厚忽薄的笔法, 又使色彩与形体有机溶合, 造就出质感效果。他的画面色调总是呈现出一种绚烂的光辉, 犹如黄金的光辉一样, 故人们称他为金色的提香。
马萨乔, 在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中, 彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味, 把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。代表作品《纳税金》, 是一幅描绘宗教主题的大型壁画, 不同人物、不同场景, 都显得十分真实, 富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中, 人物位于各自的位置上, 就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子, 饱满的人物形体也许有点儿笨拙, 但却非常实在, 直线性的造型节律, 加强着壁画的纪念性。
综艺上述我们可以得知, 任何一种绘画方法和技巧的产生都不是空穴来风, 他都是产生于一定时间、空间然后经或一个漫长的、有简至繁、逐渐成熟的演进过程的。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容, 不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约, 呈现出不同的面貌。只有我们对这种进程有了几分的了解的时候, 我们才有可能用一种比较理性的心态去看待它, 从而找到自己的切入角度, 并对之进行选择和把握。
参考文献
文艺复兴时期器乐音乐创作手法探析 第9篇
在中世纪时期,不论是教会音乐还是世俗音乐都是以声乐为主。器乐在中世纪宗教音乐中,历来被视为道德价值不够格的音乐形式,而且教会文艺从其神学意识出发,势必要削弱和抵制艺术的情感力量。因此在该时期,并没有完全独立的器乐曲或器乐体裁。从文艺复兴时期开始,西方音乐中的器乐体裁逐渐增多,最初主要是对某些舞曲和声乐旋律素材进行加工,使之成为一首器乐曲,所以通常情况下,演奏家同时也是作曲家。他们独立处理乐器,使器乐有了自由和充满幻想的活力,加快了它摆脱声乐的枷锁。
作曲家在对声乐曲或舞曲的旋律进行加工时,并不是一味地模仿旧有的曲调,他们尽量地避免这些曲调在被作为一首器乐曲时的缺陷。作曲家对原有的素材进行加工创作,证明了一位作曲家可以在旧有曲调的严格框架内充分地发挥他的创造性。如作曲家把一首声乐作品改编为键盘乐曲时,由于键盘乐器缺乏音的持续能力,还需对作品做一些补救。作曲家们很少使用长音符,而几乎是以装饰的方式把长音符分成众多的短音符。虽然在这个时期作曲家创作器乐曲的手法还比较单一,但是经过他们的努力,器乐音乐获得了较大的发展,并且逐渐上升到与声乐音乐平等的地位,对后世器乐体裁的发展具有了一定的影响。本文就从以下几个方面来探讨这个时期的作曲家创作器乐曲时常采用的创作手法,这些手法通常都是对旧有的曲调进行加工创作。
1、重复和对比
重复和对比并不是新的作曲手法,二者都是作曲的基础,在西方音乐开创初期两者就已经出现。但在文艺复兴以前,主要是教仪的要求、歌词的形式或舞蹈型的特征支配着重复和对比的应用。在中世纪时期,游吟诗人、恋诗歌手等世俗音乐的传播者,他们弹拨乐器如琉特琴和竖琴为自己伴奏,有时重复与声乐相同的旋律作为加强。重复是延长和保存旋律思维生命的自然方法,无论对哪个时期的音乐文化都同样适用。在文艺复兴时期,器乐作曲家在创作器乐曲时也普遍采用这种方法。安德列亚·加布里埃利(1)的一首器乐曲“Ricercare del I2°tono”中的主题也说明了这个重要的结构原则(谱例1),在这首器乐曲中把这两个主题不断的重复,变换音区或是变换声部。b主题还有一个变体c也在这首器乐曲中的一个主题。在这首器乐曲中也体现了对比的原则,第二段采用主调风格而与其他的段落形成了对比。
2、装饰
在早期的一些源自声乐作品的器乐体裁中,主要是通过对牧歌、尚松等歌曲的改编曲装点上一些回音、颤音和其他一些装饰音等。到了文艺复兴后期,这种旋律的装饰技艺已达到了很高的水准,作曲家开始大量的使用各种装饰的技巧,具有炫技的特征。装饰的手法也是源自于即兴表演,但是随着时间的推移,作曲家开始把它们都在乐谱上标记出来,使器乐演奏更加严格的依照乐谱进行。在当时这也是对旧有曲调进行加工创作的一种手法,也为以后的器乐曲的创作提供了一个可循之道。
3、模仿
模仿是文艺复兴时期常用的一种创作手法,不论是声乐作品还是器乐作品。“问与答”这个原来完全是单声部的概念通过流行旋律,越来越多的进入多声部,引起模仿时使用。乔瓦尼·加布里埃利(2)的坎佐纳“septimi e octaritoni”(七度音与八度音),这首乐曲开头的一小段是所有乐器的合奏,两个铜管组与一个弦乐组交替演奏,经常是一组以应答的方式回应另一组,把音乐不断地向前推进。有时所有的乐器一起奏出音响厚重的乐段,可以听出织体内的模仿手法,有时仅是一组重复另一组。在这个时期,作曲家最初是把声乐曲改编成器乐曲,通过模仿的手法,出现了模仿性的器乐音乐形式——坎佐纳和利切卡尔,它们分别是尚松和经文歌的器乐对应曲。文艺复兴时期,坎佐纳被用于琉特琴或键盘乐器演奏的法国尚松的改编曲,在供键盘乐器独奏或器乐重奏(16世纪末17世纪初)时也被称为“演奏的坎佐纳”。16世纪后半叶坎佐纳作为一种独立器乐形式其发展具有重要的历史作用。利切卡尔的意思是“探索”或“尝试”,最初在用于键盘曲时采用模仿短句,后来借助于乐句的重复和成对模仿的平衡经过句而获得了更为清晰的形式。到1540年出现了一系列无鲜明个性或对比主题组成的利切卡尔,每个主题都以模仿来发展,实际上它就是无歌词的模仿经文歌。
4、变奏
变奏是自古已有的创作手法,然而在这个时期得到广泛地运用。通常作为变奏基础的曲调都较为短小、简单,原曲调的旋律可能在整套变奏中始终不变,只是时而从一个声部转到另一个声部,常见的是在一些变奏中旋律由于音型法而断开,因此它本来的面貌并不是清晰可见的。变奏的素材也丰富多样,有的源自对比性的舞曲,有的是牧歌改编曲,前奏曲,有些民间的曲调也作为变奏的主题。在16世纪初人们把喜爱的成对舞曲,帕凡和加亚尔德或帕萨梅佐舞曲和萨尔塔雷洛舞曲结合起来,在这两对舞曲中第一首都是慢而庄重的两拍子舞曲,第二首则是三拍子的较活泼的舞曲,常根据相同的旋律或它的变奏写成。
文艺复兴后期最伟大的键盘作曲家是英国人约翰·布尔(3),他是一位举足轻重的变奏曲作曲家。谱例2是他采用的一首旋律、节奏简单的曲调,然后通过变奏的手法使其整个变成为一部精致复杂的作品。
变奏的方式也是较为多样化的,有时会随着作品的进展而加强活泼程度,而又插入较为平静的间奏段形成对比。有时也加进节拍的改变,也有作曲家同时用两三种不同的节拍来写作同一段变奏来卖弄学识。常见的是最后一段变奏速度较慢,以丰满的音响和厚实的和声把主题加以宽广的再叙述。在这个时期,作曲家把原有的素材加以延伸和扩展,不仅显示了作曲家的技巧,也为器乐的发展开创了更广阔的天地。
结语
在文艺复兴时期器乐得到初步的发展,虽然在这个时期作曲家的创作手法还比较单一,还有一些仍是声乐或是舞曲的改编曲(当然不能排除有作曲家开始独立创作器乐曲),但是我们可以看到这些作曲家为器乐音乐的独立发展所做出的贡献。“15世纪的老作曲家利用尚松或者弥撒曲的旋律,翻译成器乐时进行了改写、着色,16世纪的作曲家已经走上了独立器乐风格之途,把整个合唱作品改编为器乐演奏,显示出了不起的技巧。”(4)作曲家采用这些作曲手法为以后的一些独立的器乐体裁的发展奠定了一定的基础。如作曲家发现了一个把几首舞曲连接起来的扩大作品的方法,这个在器乐史上极为重要的原则导致了组曲的产生;变奏手法的发展也使变奏曲的形式达到成熟的地步;15世纪末复调声乐曲中开始采用模仿进入,在器乐利切卡尔中,以及后来在坎佐纳和随想曲中,都相继仿效这种做法,最后形成了赋格。
当时的作曲家采用这些创作手法增强器乐曲的活力,使之更富有幻想性,并且在对素材进行加工时尽量的弥补原曲调缺乏的动力。当然,作曲家在创作一首器乐曲时,并不会只采用一种创作手法,多数会同时使用两种以上的手法来进行创作,使一首器乐曲更多样化。在文艺复兴时期,器乐虽然还没有完全独立发展,但是器乐的发展在这个时期受到广泛的重视,是器乐发展史上的一个重要的时期,也是器乐音乐的起步时期。器乐音乐在这个时期开始逐步发展并为以后的充分发展奠定基础,它的进一步发展由巴洛克时代的音乐家完成,为以后的器乐发展的鼎盛时期奠定了一个良好的基础。
本文中谈到的手法并不足以概括当时所有的手法,只是当时常用的一些创作手法,并且这些手法经常是被用于对旧有曲调的改编和加工。还有一些器乐曲是由作曲家独立创作,并不基于已有的曲调。
摘要：器乐音乐是西方音乐史上重要的音乐形式,在文艺复兴时期之前,器乐一直是依附于声乐,还没有完全独立的器乐形式。但是文艺复兴时期是器乐音乐发展的一个重要时期,虽然这个时期创作器乐音乐的手法还比较简单,但是标志着器乐音乐开始摆脱声乐的束缚,走上独立发展的道路。
关键词：器乐音乐,创作手法
参考文献
(1)《牛津简明音乐词典》[M]
(2)《西方音乐史》格劳特[M]
(3)《西方音乐文化》[M]蔡良玉人民音乐出版社
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(5)[美]保罗·亨利·朗著《西方文明中的音乐》[M]贵州人民出版社
(6)《外国音乐辞典》上海音乐出版社
文艺复兴时期的城市规划思想探究 第10篇
1 文艺复兴时期对城市规划思想的启发
曾经一段时间, 文艺复兴被认为是简单的恢复了古典文化。其实, 文艺复兴并不是要将古典文化真正“回复”, 而是借此抨击当时的文化和制度, 以建立新的文化, 为建立新的社会制度体系而创造舆论。资本主义萌芽的出现也为文艺复兴的兴起提供了可能。城市经济的繁荣, 使事业成功财富巨大的富商、作坊主和银行家等更加相信个人的价值和力量, 更加充满创新进取、冒险求胜的精神, 多才多艺、高雅博学之士受到人们的普遍尊重。这为文艺复兴的发生提供了深厚的物质基础和适宜的社会环境。文艺复兴是“黑暗时代”的中世纪和近代的分水岭, 是资产阶级革命的舆论前提。文艺复兴是使欧洲摆脱腐朽的封建宗教束缚, 向全世界扩张的一个前奏曲, 推动了欧洲文化思想领域的繁荣, 为欧洲资本主义社会的产生奠定了思想文化基础。
城市规划也在这段时间内毋庸置疑的成为了建立在“物质主义”基础之上的“形体规划设计”, 只有好的形体环境才能增强这一时期人们的幸福感、安全感, 这种形体上的环境改观可以通过规划设计来加以改造和控制, 只要加强设计和调控就能在一定时间之内形成适应该时期人们居住生活的形体环境。事实上, 对于城市规划甚至可以追溯到文艺复兴之前, 只是此时已被习惯的视为是建筑师的分内之事, 不过是基于城市层面之上的建筑设计。虽然单体建筑和城市规划有着异常密切的联系, 但似乎并没有本质上的差别。二战以后的城市规划大多是建筑师的杰作, 这之前, 传统的“物质性体设计”还是占领着主导地位的, 这一时期开始“美学概念”已经悄然成为城市规划的核心与出发点。这体现了由“艺术”到“科学”系统理性的城市规划, 也是城市规划从“物质形体设计”到“崇尚系统分析方法”的转变, 这是一个理性决策的过程, 是科学性的规划。
文艺复兴时期城市规划思想受到的启发所强调的是理性的分析、结构的控制和系统的战略, 但城市规划中系统的方法与理性的决策之间或多或少的都存在一些差异, 不能一概而论。前者是针对过程, 后者则延伸到了从业人员。
2 文艺复兴带来的崭新城市生活
人文主义是当时主流社会思潮核心, 自14世纪在欧洲文艺复兴时期兴起以后, 一直是西方思想史发展的一条主线, 比如马克斯·韦伯, 就是19世纪末20世纪初德国人文主义社会学的代表人物之一。韦伯承认西方资本主义一直依赖于技术因素, 同时, 韦伯也认为某种社会精神气质 (ethos) 对于资本主义精神的发展, 尤其是对于它的起源是至关重要的。而这种社会精神气质, 无疑是文艺复兴的产物。
从经济因素考虑, 14~16世纪西欧各国封建社会内部先后产生了资本主义生产关系, 新的资本主义要求为自己的发展扫清道路, 正在形成的资产阶级为了取得政治上的合法地位。首先向教会神学统治和封建意识形态发起了冲击, 文艺复兴是在资本主义生产关系和人文主义倡导下产生的。最早滥觞于意大利的佛罗伦萨, 佛罗伦萨工场手工业发达, 商业贸易规模大, 为了发展资本主义经济, 新文化的发展必然要冲破教会的桎梏和摆脱经院哲学的世界观, 于是新兴资产阶级就从文化的各个方面向封建制度和教会展开了斗争。
从政治因素考虑, 意大利之所以成为文艺复兴的摇篮, 和某些城市政权的支持是不可划分的。意大利美第奇家族当政时期是佛罗伦萨的黄金时代, 其中罗伦佐·美第奇不但是“文学家的保护人”, 他本身也是一位杰出的学者, 对建筑、音乐、诗歌都十分爱好, 他统治期间, 佛罗伦萨的文化达到最高峰。有些统治者出于统治的需要, 重用人文主义者, 到15世纪中叶, 人文主义者已大量充斥于各地的政府机构中, 对推动文艺复兴运动无疑起了积极作用。
从文化因素考虑, 若干世纪以来, 这里一直是古罗马文化的中心;由于地理位置和历史条件, 使意大利在对古希腊文化吸收方面在西欧各国独占鳌头, 从古代继承下来的文明还继续居于领导地位;它们有丰富的古典藏书和完备的图书馆系统, 独步全欧的经济发展产生了一系列文化效应——文化的世俗化和非闭锁型倾向、注重文化教育投资的城市观念、物质归向于文化型的市民消费特征等, 都成为意大利文艺复兴起源的原因。
人文主义者重视人的价值, 提倡个性与人权, 主张个性自由, 反对天主教的神权;主张享乐主义, 反对禁欲主义;提倡科学和文化, 反对迷信。中世纪基督教神学否定人性, 否定现实, 认为人生来就有罪。人文主义者认为主宰世界的不是上帝, 而是人。天堂不在来世, 而在现世。现在, 人文主义已泛化成一种强调人的作用、地位的世界观或意识形态。
3 文艺复兴对现代城市规划的启迪
随着欧洲各国大众开始表现出来的越来越强烈的要求民族统一的愿望, 从而在文化艺术上也开始出现了反映新兴资本主义势力的利益和要求的新时期。新兴资产阶级认为中世纪文化是一种倒退, 而希腊、罗马古典文化则是光明发达的典范, 他们力图复兴古典文化, 而所谓的“复兴”其实是一次对知识和精神的空前解放与创造。这对城市规划学的影响在现代也是不容忽视的。
例如加利福尼亚州拉霍亚市文艺复兴式别墅, 该社区形成了一个意大利式的山地城镇主题, 处于对施工的经济性方面的考虑确定了两个标准的建筑模式, 在场地的特征被确定后, 他们要么独立存在, 要么成双成对的修建。设计纲要也规定了一些要素, 比如面砖屋顶、灰色水刷墙面、券和柱子、以及按不同角度来布置建筑等等。带有藤架和喷泉的庭院也强化了这一意大利式的山地城镇主题, 采用了与众不同的连拱廊和受文艺复兴启发的穹顶。其中不乏古代希腊罗马柱式构图要素, 但就这一点上已经很符合文艺复兴运动的人文主义观念。
4 结论
综上所述, 文艺复兴时期对于规划定位城市的性质、城市的发展方向, 既存在宏观意义上的影响又存在微观意义上的引导。这场思潮带来的不仅是令城市规划向着科学与艺术方向发展, 更使人们对城市发展的战略和设计得以重视, 在一个新的视角上重新审时度势。无论从这个时期的复杂性还是社会各界的价值取向的多元化来看, 于城市规划的思想进展都是一个极大的飞跃。
摘要：城市的形成是人类文明史上的一个飞跃, 是人类社会经济文化发展到一定阶段的产物。城市的发展是人类居住环境不断演变的过程, 也是人类自觉和不自觉的对居住环境进行规划安排的过程。在城市发展的过程中, 城市规划定位城市的性质, 决定着城市的发展方向。
关键词：城市规划,思想演变,文艺复兴
参考文献
[1]张京祥.西方城市规划思想史纲[M].南京:东南大学出版社, 2005.
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[3][英]泰勒, 李白玉, 陈贞译.1945年后西方城市规划理论的流变[M].北京:中国建筑工业出版社, 2006.
[4]周国艳, 于立.西方现代城市规划理论概论[M].南京:东南大学出版社, 2010.
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[7]孙施文.现代城市规划理论[M].北京:中国建筑工业出版社, 2007.
文艺复兴时期 第11篇
文艺复兴时期佛罗伦萨最负盛名的建筑，当属佛罗伦萨大教堂。这座气势不凡的大教堂又被称作“圣母百花大教堂”。教堂的墙面全部用白色、深绿、粉红三色大理石建成，精致而典雅。值得一提的是这座教堂的大穹顶，雄心勃勃的佛罗伦萨人为了显示自己的地位，一心要把教堂的穹顶建成当时世界上最大的穹顶。当时负责这个项目的设计师布鲁内勒斯基可以说是一个传奇人物，他艺高胆大，居然不画一张草图，不作任何计算稿，完全凭心算和精确的空间想像，开工建造了这个大圆顶——连同采光亭在内，这座穹顶总高约100米。布鲁内勒斯基不光是一个建筑天才，也是一个谋略家。在建造大圆顶时，他知道随时都有人觊觎偷走他的设计图，所以不留下任何图稿，因此这座大教堂的整个建筑结构至今都是一个谜，只有他自己才知道个中奥秘。当工程进行到一半时，有人想取而代之，便设陷将他关进牢里，但由于没有图纸，不知道如何建造下去，最后还是不得不请他出山。教堂落成时，连教皇也惊讶于这个“神话穹顶”。佛罗伦萨大教堂的穹顶的建成，标志着意大利文艺复兴建筑史的开始，理所当然地成为佛罗伦萨的重要地标。布鲁内勒斯基为了这个穹顶呕心沥血，他本人就长眠在教堂下面，而教堂外的广场上还矗立着他的塑像，手指着他心爱的圆顶。
比起大教堂来，横跨在阿尔诺河上的“老桥”——韦基奥桥则更富于浪漫色彩。韦基奥桥最早建于公元10世纪，曾两次受到洪水侵袭，只剩下两个大理石桥墩，现在这座三拱廊桥是1345年在原有桥墩上重建而成的。韦基奥桥整体色调呈黄色，桥面过道两侧坐落着三层楼房，桥面的中段两侧留有约20米宽的空间作为观景台。
这座古桥承载了太多的历史，但更多的人记住这座桥，是因为伟大诗人但丁在这里演绎了另一个“廊桥遗梦”——在这座桥上，但丁邂逅了他的梦中情人比阿特丽彩。但丁与比阿特丽彩的相遇一生只有两次，其中第二次就是在韦基奥桥边。面对惊鸿一现的比阿特丽彩，但丁心情澎湃，激动得说不出话来，目送着他的天使渐渐远去。但丁在他的诗集《新生》中这样描述当时的情景：“那位最高贵的圣女又在我眼前现身了。这一次她身裹雪白的服饰，走在两个比她稍微年长一点的女人中间，当她走过时，竟然向我点头示意，我顿时万分心慌……”
这一时期，佛罗伦萨还诞生了其他著名建筑，如圣十字教堂。这座教堂之所以出名，不仅仅在于这里是上帝的家，更是欧洲人文主义先驱们的安息之所——许多如雷贯耳的历史人物就长眠在这里——但丁、米开朗基罗、伽利略、马基雅维利等。教堂里有宽大的三大殿，从教堂入口到三大殿尽头，地板全都用旧墓石铺就而成，窗户玻璃上绘有彩画。教堂的圆顶也是由布鲁内勒斯基设计的，装饰有壁画《圣十字架传说》。
文藝复兴时期的佛罗伦萨建筑，终结了中世纪建筑的那种黑暗的蒙昧，尤其是宗教建筑中千篇一律的哥特式塔尖，而显得更富有人性味，因此开创了人文建筑的新时代。如今，在佛罗伦萨街头，随处都可以品味古老而辉煌的人文建筑，仿佛能听到那些伟大的建筑师在述说着他们与这座古城千丝万缕的故事……
文艺复兴时期与明代肖像画的对比 第12篇
1 文艺复兴时期与明代的历史背景
文艺复兴时期和明代都是历史变革的新时期, 文艺复兴时期是人们在经济艺术等多个领域上的一场觉醒和精英文化运动, 随着资本主义萌芽的出现, 多数欧洲地区的资本阶级力量登上经济政治和艺术的阶梯, 成为推进文艺复兴历史进程中一股不可忽视的力量。人文复兴的思想家们强调人的自主意识, 崇拜赞美人的力量, 反对封建神学蒙蔽主义以及天主宗教的愚昧对人们的束缚, 鼓励人们及时享受现实生活。这股新思潮推动了肖像画艺术的发展, 画家会着重描绘被画者的精神面貌和状态, 体现了写实性。
而明代在此时虽然没有明显地资本主义萌芽的出现, 但是随着封建统治力量的削弱, 同时与国外的通商交易刺激了工商业的繁荣发展和市民阶层的扩大, 出现了一定形式的资本主义生产方式, 封建主义有了瓦解的趋势, 随着生产力的发展和经济水平的提高, 人们开始肯定现实生活和关注自身价值, 在明代中后期各种市民艺术兴盛一时, 人们对于地位肯定和需要借助媒介表达价值取向的需求促进了肖像画的发展, 在当时富庶的江浙等地区还出现了专门为人画像的拥有精湛技艺的画家群体, 其中涌现出很多优秀的肖像画画家, 如曾鲸 ( 1568 年- 1650 年) 等, 使肖像画的形式在明代展现了别开生面的面貌。
2 文艺复兴时期与明代肖像画的对比
2. 1 造型分析比较
东方传统绘画艺术自古以来就有尚意的特点, 明代的画家普遍认为临摹写照是工匠的事情, 而真正绘画艺术应当做到笔简意足, 以形写神和神形兼备, 崇尚平面性意境造型的营造和诠释。肖像画并不是对于被画者一五一十的刻画, 而是画家在追求传神基础上的形似写实。一副出色的肖像画只有形似还是不够的, 必须要达到一种高度理想化的神似, 因为绘肖像画不仅仅是描绘被画者, 还体现了绘画者本身的艺术素养和被画者内在特点的把握。而西方绘画深受人文主义的影响, 旨在表现人的特点和精神面貌, 许多艺术家为了表现逼真的人像, 结合了当时最先进的科学技艺糅合到绘画的技巧当中, 例如光学、解剖学和透视学的使用, 都加深了被画者的立体性和生动性, 以 《徐渭像》和 《蒙娜丽莎》为例, 两者在造型上有着很显然的区别, 相较于徐渭与蒙娜丽莎具体的面部特侦来看, 徐渭的眼窝、鼻梁和颧骨有一定深度, 但整体表现出平面性的特征, 而蒙娜丽莎整体圆润有立体感, 特别是鼻翼和眼睛处, 画家都画出了具体的阴影使观者有着立体的感觉, 在这些部位都使用了透视法使整体自然立体, 西方肖像画画作普遍重视透视和写实的特点使画作栩栩如生有立体感, 而明代的肖像画普遍以平面性为主, 立体感只是点缀。
2. 2 色彩分析比较
从色彩分析方面, 明代的肖像画较随类赋彩, 用色较主观, 而文艺复兴的画家追求逼真, 色彩较写实。以 《张卿子像》为例, 以传统的笔墨, 用线勾勒出人物的形象, 注重骨法用笔, 人物面部及裸露肌肤的部分, 用的墨色比较淡, 且用笔细腻圆润, 而衣、冠、履则用笔苍劲, 墨色也相对浓重, 整体观之, 人物形象轻松自然, 就像是头脑中思量推敲着诗文妙句, 捻须轻笑, 闲庭信步将要走出画面来。然而人物这种强烈的真实感, 则是依靠了新的设色技法。作者将重点放在了对对象面部结构的刻画和五官的表现上, 先用淡墨烘染数十遍, 使面部层次分明, 眼神深邃, 鼻子高挺, 双侧面颊部分, 也将骨骼肌肉的层次立体感表现出来, 再根据画面的需要进行色彩的渲染、勾填, 以及赭石色的勾提。于是, 张卿子这位集诗学与医学造诣于一身的奇才, 便以怡然自得的神情跃然于普通的二维画面之上。“波臣派”的肖像画都采用了这种进步的新技法来表现自己作品中的人物形象, 每人的具体手法及借鉴程度当然也有所区别, 总的来讲, 是宋元以后中国人物肖像绘画技法的一大进步。另一方面, 比较明代肖像绘画和欧洲文艺复兴时期肖像绘画作品也不能绕开绘画材料与工具区别的问题。这个问题也是造成东西方绘画点、线、面、色这些基本要素区别的重要原因。这也说明不管什么时候, 中国绘画对于西洋绘画的一套不可能照单全收, 而只能借鉴, 并且要经历一番碰撞、取舍、融张卿子像曾鲸明汇的 “阵痛”, 才能够为己所用。
总的来说, 这里笔者将中国明代和欧洲文艺复兴时期的肖像画放在一起讨论, 主要是由于它们所处的年代基本相同, 并且当时中西方绘画才开始真正意义上的交流, 因此绝对不能否认它们之间会存在联系、存在影响, 并且这影响一定是随着时间发展越来越广泛、越来越深入。它们各自的发展道路上也许有缓急的不同, 也许有对彼此影响或深或浅的阶段性, 但因为各自都具有自己的特点, 不能就某些原因来分出个伯仲。绘画艺术的优劣也从来不是这个样子能 “比”得出来的, 其他艺术门类也一样, 都是基于各自的文化环境而产生和发展的。
参考文献
[1]李元雪.漫谈中国明代与欧洲文艺复兴时期的肖像画[J].美与时代·美术学刊, 2011 (04) :36-37.