油画表达范文

油画表达范文（精选7篇）

油画表达 第1篇

关键词：中国当代油画,写意,民族化

中国的油画创作的研究已经经过近一个世纪的摸索。到了当代, 中国油画不再是单一的写实主义或现实主义, 很多优秀的艺术家开始探讨与研究, 中国油画发展新的创作理念、新的理论基础、新的表现方式。

一、中国当代油画的现状

油画在中国发展百年有余, 现在已是与中国画比肩的人画种, 是中国现代艺术中最具探索精神的重要艺术形式。中国油画自上世纪八十年代开始复苏, 逐渐发展成现在的多元格局。当代中国油画的多元生态主要表现为新占典、新具象、新表现、抽象四个方向, 艺术形态的多元是中国油画艺术健康和成熟的表现。

当前中国油画多元状态既是多样的又是发展线索可循的, 从风格来分析, 大致可以划分新具象, 新古典, 新表现, 抽象等四个方向。中国的新表现绘画是在欧美表现主义的影响下产生的, 还吸收了西方哲学思潮、中国传统哲学与艺术观, 由于人民大众的接受水平, 决定了写实绘画占主流而表现抽象绘画的非主流状态, 它的受众面十分狭窄, 基本上在艺术这个圈子里被人接受, 甚至还不是全部的接受。比表现绘画走得更远的是抽象绘画。抽象艺术在中国油画界发展一十余年, 从对康定斯基, 蒙德安、德库宁、波洛克、塔皮埃斯的模仿到重建自己的抽象语言, 抽象艺术家付出了艰辛的劳动。西方的抽象绘画是对传统绘画形式的反叛, 而中国抽象画家却借抽象这一形式语言进行着文化反思。

把油画分成新具象、新古典、新表现、抽象这四种风格形式, 有些勉强, 这与西方按顺序来演变的艺术风格不同, 我们是在同样一个时间里同时进行对西方艺术流派的模仿、实验与体验。模仿作为“拿来主义”实行过程中难免的现象, 是创造的准备, 学习的方式。但模仿毕竟处于艺术活动的底层次, 它有待提高和升华, 有待独创的出现。当代中国油画历经_十余年的艰难探索才有的多元格局正在育着“独创”的出现, 我们正生活在自汉唐以来中华民族再次伟大复兴的关键时刻, 我们的艺术也正处于自汉唐以来最宽松和发展的最好时期, 一种融合世界文化的新中国风格即将诞生。

二、中国当代油画的写意发展

当代中国油画有关写意性的学术探讨曾引起了人们极大的关注和深入的探讨。中国油画写意性这一美学命题的提出, 不但为中国油画的本土化制定了一个审美层面的标准而且还为中国油画的美学品格竖立了一个标杆。油画这一外来画种与中国传统文化写意意象美学精神重新建构, 在遵从内心的油画写意中, 结合当代的观念以写意、象征、表现等手法进行创作, 是当代中国油画家探索的现实课题之一。

1、吸取消化的艺术

融合发展中的中国油画凝聚着画家的民族写意性情结, 画家和审美大众有了更多的共同语言。中国油画吸取、消化、融合了西方现代艺术中的形式美、表现性因素, 增强了现代意味的写意性和表达的感染力, 使中国油画在理念上与西方当代的油画产生一定的共鸣和互补。民族油画意象写意创作手法应该是不着力对象特征的。表达, 而是在继承中国传统文人画的本质特点基础上突出表达具备现代主义基本特征的主观情绪。画面中的形象处理甚至可以与日常生活逻辑不完全吻合, 但画家并不是渲染与自然逻辑的对立与冲突, 而是将传统西画色彩与快面的狂欢转换为带有文人画意味的抒情。中国油画是在具象写实的基础上对客观物象赋以中国意象美学观的油画创作。

2、顺从内心的艺术

遵从内心的油画可以脱离物象、拥有独立生命、作为载体寄寓画家的情感。然而说到具象, 遵从内心的油画写意又是最具象的。它抓住物象最基本和本质的特征, 对物象进行了高度的提炼和概括, 不仅使人了然于心, 而且赋予物象生命和情感, 可以说是具象中之具象, 是超越真实之具象。遵从内心的中国文化元素的写意具象, 既不是单纯客观世界的再现, 也不是纯主观的表现, 而是主客互渗、物我相融的意象写意, 遵从内心的写意, 写的是一份心情、一种态度、一片坦然, 是心灵深处的流淌。写更是一种功夫、一番感受, 并经由一个写字, 把画家的内心情思和性情感怀淋漓尽致地表白, 这正是中国传统写意精神的实质内涵。

3、源于心灵的艺术

画家有时候把自己回避了, 不敢认可自己, 从画面上能看出画家徘徊矛盾的心态。不是为自己画画, 是为迎合别人, 感觉已经不真实, 绘画应该表现自己的内心世界, 这也说明做人的真实, 任何绘画风格都是属于画家自己的。不要赋予绘画更多的功利上的负担, 放松心态。尽管我们每个人的生活可能会面临着这样那样的困难, 这样那样的压力, 但是不要使绘画承载得太多, 只有让它在我们心灵里生根, 才能够结出丰硕的成果。艺术的大忌就是急功近利和心浮气躁的心态。

一个画家, 你可以吸收许多画家的艺术精髓的东西, 但是认真反思一下, 这样的艺术跟我有什么关系, 这样想, 就有很多可以放下的东西。形式和风格是自发的, 它是一个艺术家的属性一部分。风格的形成是时代、民族或画家在艺术创造上摆脱了各种教条化和形式化的束缚, 从而形成具有特定个性和较为成熟稳定的创作倾向的反映, 它是画家的艺术创作趋于或达到成熟的基本标志。

中国写意油画已经历和跨越两个世纪, 经过了几代艺术家的辛勤探索, 中国写意油画对传统美学观念进行继承与创新、对西方油画体系进行接受与再造。我们有理由相信, 新一代的艺术家会不懈努力, 继续创造具有中国传统美学审美精神和富有时代气派的中国当代油画, 21世纪的中国当代油画将迎来崭新的发展纪元。

参考文献

[1]郎绍君.论中国现代美术[M].江苏美术出版社, 1988.

油画创作美学中线条的表达 第2篇

[关键词]线条;意境;油画创作

[中图分类号]J213  [文献标识码]A     [文章编号]1005-3115（2015）10-0060-02

为追求当代油画创作的创新，通过学习、借鉴、融会贯通的方式来激发自身的创造力，不仅出现在我国的艺术领域，在西方艺术领域也普遍盛行。线条的研究不仅是技法的研究，也是更深层面的精神体系、视觉观念等构成的全新审美追求。在创作规律、时间空间、形式法则、意境情感、视觉语言等方面，深入探讨在油画创作中如何运用线条，为当代油画家的创作提供了新的思路和观念。在进行油画创作时，可以大胆地用流畅的线条勾画整体轮廓，把线条当成技术手法，通过线性的创作思维进行。

一、线条的美学特征

（一）线条的意象性符号

克罗齐为了阐释主观的重要性，在谈到美学的基础时说：“是情感，而不是思想，赋予了艺术灵活轻盈的符号：被包进表象之内的灵感——这就是艺术。”这种情感即为“自我表现”：表达了主人翁的感情、灵感以及潜在意识。这就要求出现一种与客观现实不同的直觉，有着较强的表现力和概括能力的技法，它不是有很强模仿功能的“光影”，而是“线条”这样可以展现事物形状特征的创作方式。线条作为一种符号标示在油画中被批量使用，并注入意象状态，是创作者精神的本源性活动意向。从此，线条的意象性符号便与外界发生了各种各样的联系，传达人能感受到的一切。

（二）线条的美学特征

线条可以营造出一种意境。从塞尚有秩序的色线排列，到凡高强烈情绪化的笔触，从毕加索自动流淌的结构，到德·库宁纵横恣意的线条……不管崇尚什么主义，美术是无界的，都具有主观化、非理性化、形式化、装饰化、多元化、抽象化等当代油画美学的共性特征。而这些共有属性又与东方的线条所追求的是同一种意境。

（三）以“意”生线的创作方式

作为油画的重要造型方法，线条也对风格的形成起着关键性作用。油画重意境而轻语言，油画中出现的“线”，主要是表现一种隐蔽的线性观感，而不仅仅指一条具体的线条。比如，维纳斯雕像的站姿呈现的是S形曲线，并排站着的人的头顶连成一条高低起伏的横线等，这都是指一种关系线。

艺术创作者认为，能够快速将灵感付诸于创作的手法就是线条，它有力且直接地体现了创作者的心情和灵感。通过线条创造画面意境的线形，在创作手段上寻求突破是个好方法。

二、线条在意境营造中的作用

（一）线条直接唤起情感

强调主观情感，张扬个性，艺术家在尊重自然的同时更加尊重个人的感性经验。《星月之夜》是梵高对世界深入灵魂的感受，在画中，直的笔触很少涉及，总是如一条条有力的钢条却又像丝带，如果说是什么赋予了笔触那么丰富的质感，是什么赋予了笔触那么生动的情绪，那一定是线，是挥洒在画布上每个角落里各种彩色线条的组合。这幅画中，星空仿佛在旋转，树木仿佛在燃烧，而房屋和村落仿佛在低声歌唱。一切是那么激动又是那么美妙。它体现了现代油画极度张扬个性、宣泄情感的特征，即注重情感表达的直接性、瞬间性、情绪化，最大限度地唤起观众的情感。

（二）线条对形象美的决定作用

对于形象造型语言来说，油画中也出现线条，然而写实油画里线条必须完全用来勾勒形体，由观察者看不到的平面角落和部分形体组成。油画中的线，则是放大创作者个性成分的情感表现与行为流程，无法将它归纳为一致性的技法程序。油画的线条自身所包含的文化积淀，使创作者只有在一个相对的范围内才能发挥最大效果，否则就失去了它的审美意蕴。

（三）线条对形式美起决定作用

油画在构架中必然要遵循一定的形式美感法则。现代油画应该是具有时代气息，能充分表达内容，表现力强、艺术性高的油画。作为油画之父，塞尚曾经尝试以几何的角度去观察世界，塞尚对于“形式的意味”的追寻正是他用新的眼光进行的艺术创作。塞尚认为：“画画是为了追求现实世界各种关系的和谐，而非一味地去复制实物。”在《圣维克多山》这幅画作中，塞尚用线条状的乡间小道、树干和远处的小桥流水来表现抽象的形式，不仅气势崇高、庄严，更是带了淡淡的忧郁气息，尽情地展现了塞尚丰富的精神世界。从这幅画中，我们能够感觉到线条、笔触、色块等较为抽象的视觉要素仿佛脱离了客观事物的图像，而在画中展现出一种新的现实意味，而这正是塞尚油画艺术的精髓。塞尚画作里线条所谓的“意”解释为“意味”，也就是“有意味的形”——色彩、线条在各种风格的画作中用一种特别的手法体现出某一种形式和它们之间的关系，唤醒人们的审美兴趣。它们以一种感人的审美形式组合在一起，成为西方现代油画创作中又一种表现形式和转换手段，即把线条的作用扩展至线状层面，掌握了形体的轮廓构成，即把“有意味的形”发展成为所有视觉艺术的共性。

（四）线条表露时间和空间

在油画作品里，空间的描绘和时间的表达紧紧地联系在一起。在波洛克的“行为油画”创作中，其延续性与伸展性均离不开一条条“随意”的线。不管这种意向线条是画上去的还是泼上去的，它的重点是“随意”，看上去偶然发生、随意出现，实则不是。波洛克的画作是偶然为之，并未进行特别构思，但是可以将强有力的生命形态表现出来。最有代表的是他在 1950年创作的《薰衣草之雾》，油彩颜料以不同速度和方向落在画布的表面后，形成重叠交织的效果。

（五）线条强化视觉语言

线条除了在形式上带来强烈视觉效果，在意图上进一步扩展了线条传达意境的概念和界限。杜马斯的作品最具有代表性。在她的画中，强烈的视觉形象冲击着观察者的内心，迸发出一种奇特的视觉效果，引发人们的深思。和马蒂斯不同的是，杜马斯还特别重视表达观念和主张，造型和色彩已经不能满足她的需要。她的作品中很少有鲜艳的色，甚至可能就是一种灰褐色，但是依然那么具有表现力，其中重要的创作手法为：将线形外围与笔痕的线性瞬间进行缠绕、交汇，线里还是线，综合了观念的意图与瞬间的精彩。其中最好的例子就是她的《变色病》系列作品。

三、以“意”生线在油画创作中的运用

（一） 在创作方法上的运用

在创作者外出采风写生以及自身的创作实践过程中，线条的最好运用就是自动主义。它也是超现实主义的一个突出特征，它将人类的心灵和行为、意象和语言与实践活动紧密地联系在一起，将线性思维作为一种创作手段。对于画家来说，完全能够从某一处着笔，再用好比在一张白纸上连续写字的方式来创作，而非在油布各个位置进行作画。自动主义一个显著的特征就是连续性，而它也是创作超现实主义画作的根本要求。

（二） 在观念与笔法上的运用

线条是以符号的方式将情感转化为观察者的知觉。意向线条在中西方艺术领域没有区别，它是为了强调将观念体现在技术手法上的一种线性关系。既然艺术的创造源于情感，如果没有心灵和想象的重要作用，油画将会只考虑技术问题，只顾探索色彩、形式和颜料应用表达情感的不同方法，极可能表现出消极的顺从，这就诞生了超现实主义。线条应冲出空间和时间的束缚，其所采用的技术手法本身是一种平面意向，而所呈现出的期待是一种立体意向。在进行油画创作时，可以运用线条勾画整体轮廓，把线条当成技术手法，进行尝试和实践，寻找更多油画创作的可能性。

四、结语

在油画画创作中，线条应冲出空间和时间的束缚，其所采用的技术手法本身是一种平面意向，而所呈现出的期待是一种立体意向。在油画创作的过程中，将中西方的元素和自身的创作进行大胆的突破，发掘出在创造意境时线条所发挥出来的共同特性，并在创作中进行长期的运用：对情感的直接唤起、对结构和形象的塑造、对形式美的影响、表露时间与空间、强化视觉语言五大用途，深入研究、反复尝试。这类探索不仅包括技术与创作手法，更涵盖了制作的方式，它决定了创作的效果，因此要寻找油画语言的新突破，激发艺术创作者潜在的无形力量。

[参考文献]

[1]杨成寅.艺术美学[M].北京：学林出版社，2008.

[2]孔新苗.中西美术比较[M].济南：山东美术出版社，2008 .

[3]李润生.多视角美术赏析——中西名作解读教程[M].北京：人民美术出版社，2006 .

油画创作中色彩与情感的表达 第3篇

色彩作为绘画中一个特别重要的元素, 其包括明度、纯度和色相三个要素。我们普遍认识到色彩可以影响人类的情绪, 如蓝色和绿色能够让人平静, 而红色、黄色和橙色则能够让人兴奋……色彩可以让人产生一定的联想, 也是艺术家表达情感的重要手段。由于每个人对色彩的认识感知程度不同, 所以相同的色彩语言变化对不同的个体产生的情感作用也存在差异。康定斯基说:“色彩对人的有机体产生巨大的作用, 并且直接影响着精神。”

凡.高是表现主义的奠基人, 他不仅从大自然中获取色彩而且把自己被大自然感动的情感色彩表现在画面中, 使画面中的色彩具有很强的表现性。他的代表作《向日葵》, 以饱满的黄色调, 展现了艺术家内心激荡着的无尽的热情。那一团团金灿灿的向日葵, 不仅表现出艺术家对生活的热切渴望与不懈追求, 而且宣泄着艺术家对生命的狂热体验与无限冲动。在画中, 绘画作者所表现出的色调与观赏者的情绪联系在一起, 当这些颜色及绘画技巧与观赏者产生共鸣时, 观赏者就会感受到艺术家的情绪和情感。

马蒂斯是野兽派的创始人和主要代表人物, 他以单纯而强烈的色彩而著名。他认为艺术创作中色彩的选择应根据自身的生活体验、对生活的感受观察, 以及情感表达的需要。马蒂斯说:“奴隶式的再现自然, 对于我是不可能的事。我被迫来解释自然, 并使它服从我的画面的精神。色彩的选择不是基于科学, 我没有先入之见的运用颜色, 色彩完全本能地向我涌来。”在作品《红色中的和谐》中, 马蒂斯运用对比色来描绘整幅画, 桌布和墙面的红色, 与天空的蓝色和草地的绿色形成鲜明的对比。他在桌布和墙面上用蓝色的花纹把水平的面和垂直的面区分开。这些色彩表现出画家自我情感的释放及自身的体验。

塞尚的色彩不追求对客观事物的真实再现, 他是在真实描绘自然色彩的基础上加入了自己的主观色彩。在色彩的运用上, 塞尚说:“按照自然来画画, 并不是意味着摹写客体, 而是主观色彩的印象。”其代表作《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》, 在表现手法上, 塞尚不是用传统的光影来表现质感, 而是采用色彩与形体的结合, 达到一种画面的平衡与和谐。

总之, 色彩的魅力在于它的以色传情。色彩是艺术品的灵魂, 在实践中要根据情感表达和审美对象加以灵活运用。色彩语言的表现既需要艺术家对色彩本身有敏锐的感觉, 又需要对色彩进行创造性地概括提炼。艺术家应在色彩语言的表现和构成形式上发挥主观创造性, 这样才能创作出真正的艺术品。

艺术家们往往借助不同的色彩来表达自己的情感, 进而形成艺术家独特的绘画风格。同时, 情感又把色彩作为艺术媒介, 如毕加索的“蓝色时期”, 在作品用艺术家用蓝色来表达内心的情感, 在蓝色的氛围中, 人物与物象远离了它们自身的性质成为表现灵魂和精神的实体, 表现出艺术家珍惜生命和畏惧死亡, 以及对贫穷的同情和腐败的憎恶。而他的“粉红色时期”的情感表现得比较明朗, 艺术家用这种喜剧的形式来展现社会的不公和生活的悲剧, 表现了艺术家对现实的不信任和社会的内在悲剧性。

在油画作品中, 人的情感会与整体统一的色彩语言产生共鸣。人们可以通过情绪情感来理解色彩, 也可以通过色彩语言的多样性来体验艺术家内心的感受, 从而感悟其情感和意境。艺术家常以人们自身对各种色彩的不同感受为依据, 进而创造出各种色彩情调, 并把独特的情趣意境和思想情感通过色彩再次表现出来。可以使观赏者在色彩中感受到那种情感和意境, 从而引起共鸣或同感。

人们可以通过视觉器官来观察事物多种多样的颜色, 但由于自身的能力有限并不一定能运用色彩语言充分地表达出来内心的情感。后印象派画家高更说:“只有通过不断的尝试, 并经受失败, 色彩才能够在语言表述之前引发人类内心的反映。”艺术家不仅要能够感知色彩, 而且要细致地观察, 并运用色彩的规律精心地营造, 这样才能找到更能体现创作内容的色彩语言, 表达艺术家对色彩的内在情绪和情感。

综上所述, 色彩与情感的关系是极其复杂的、微妙的。艺术家运用最基本的颜色、线条、构图等来表达情感, 使油画艺术创作在情感表达的过程中得到升华。然而情感又是艺术的灵魂, 假如艺术中不存在灵魂, 那么这件艺术品便是一个躯壳。油画艺术创作是运用色彩语言来传达和表现情感的, 情感往往需要借助色彩来呈现。我们应该对色彩和情感在绘画中的重要作用予以重视, 创作出具有个人特色的作品。

参考文献

[1]、[美]保罗.芝兰斯基等著.色彩概论[M].文沛译.上海:上海人民美术出版社, 2004

[2]、姜海犁著.现代色彩构成[M].重庆:西南师范大学出版社, 2000

[3]、邓福星, 李广元著.色彩艺术学[M].哈尔滨:黑龙江美术出版社, 2000

[4]、王易罡, 牟达器编著.色彩艺术表现[M].沈阳:辽宁美术出版社, 1998

[5]、康建邦, 颜岭梅, 吴丹著.马蒂斯画风[M].重庆:重庆出版社, 1992

浅谈油画创作中色彩的主观性表达 第4篇

关键词：主观性色彩；情感表达；绘画创作

一、主观性色彩的概述

（一）主观性色彩

主观性色彩是绘画色彩语言中的重要概念，油画艺术中主观性色彩首先是指艺术家在绘画创作中，不是简单的模仿自然中客观事物的色彩，被其左右。主观性色彩是艺术家根据自己的创作动机、精神情感以及审美理想等诸多因素，将现实事物的客观性色彩加以强化、夸张或者完全改变等艺术化的主观处理后，带有强烈主观意识的色彩语言。这需要艺术家对自然元素以及自我情感元素加以巧妙的融合，从而使得艺术家笔下的色彩充分表达自我内心情感。这样的色彩也才更表现力。主观性色彩其次还包括了艺术家在艺术创作过程中对画面的色彩构成等方面进行主观的调整和改变，从而使得画面的色彩更有利于自我内心情感表达。主观性色彩不仅是艺术家绘画创作的精神情感和审美情趣的集中体现，同时它也深刻反映着艺术家的艺术个性。

（二）西方油画主观性色彩的发展

主观性色彩的概念是相对于客观性色彩的，在西方色彩观念中，简单来说可以划分为写实性绘画中的客观性色彩和表现性绘画中的主观性色彩。它们在西方油画艺术的色彩语言中都占据着重要位置。其中19世纪印象派的出现是西方绘画色彩观由客观性向主观性发展的重要转折点。印象派以前的绘画基本遵循着物体的固有色进行表达。然而光色原理的发现直接影响了印象派的产生，画家开始注意到不同光线下物体所产生的色彩变化，还有色彩的冷暖关系，对比关系，互补关系以及环境色等色彩原理。印象派画家们纷纷走出画室，捕捉自然光线下转瞬即逝的微妙色彩，造就了像《日出》，《大碗岛的星期天》等经典名作，他们完全超越了物体固有色的观念，但印象派的绘画色彩表现方法依然被客观自然的变化所左右，所以究其本质，印象派的色彩观仍然属于写实的客观性色彩表现手法。但自后印象派以来，艺术家逐渐冲破了客观自然色彩的束缚，按照自我主观情感的需要来调配和选择色彩，对于他们来说色彩语言只是画面情感表达的工具，而非目的。自此油画色彩观念真正走向主观性表达之路。

二、色彩的主观性表达对油画创作的影响

（一）多姿多彩的色彩绘画语言

从后印象派开始艺术家不再满足于单纯追求自然的光色变化，而是强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观情感，不再过分束缚于色彩与客观自然的关系，而是更为主动、大胆地运用色彩，通过色彩表现自己的主观意图、内在情感和个性特征。从后印象派开始，伴随着各种绘画流派蜂拥，主观性色彩语言开始越来越丰富，有充满激情色彩的梵高；追求向平面化以及强烈色差对比的高更；不顾现实而根据自己的主观视觉经验直接大胆应用强烈色彩的马蹄斯；还有用浓郁色彩表达内心压抑情感的蒙克；亦有为了表达心中爱与乡愁而色彩梦幻的夏加尔；再到康定斯基时，色彩摇身一变成为抽象的音乐符号，演奏着艺术家内心的喜怒哀乐。在艺术家们不断的探索中，绘画色彩观念由客观写实性色彩向表现性绘画的主观性色彩转变之路愈演愈烈的同时，油画的色彩语言也走向更自由和更广阔的天空，呈现出多姿多彩的面貌。

（二）更加内心化的情感表达

色彩的主观性表达使艺术家不再受制于自然客观事物的固有色，艺术家可以根据自己的主观需要随意改变画面中的任意色彩。这让艺术家的情感能够最大限度的展现在画面上，因为艺术家不再受到任何束缚，只需要听从了内心的感受而表达自我，而不是纠结它与现实中那块物体的颜色像不像。梦幻主义大师夏加尔为了描绘他童年关于故乡记忆，画面中总是不可思议的出现绿色的牛，梦幻的蓝色星空，各种色彩的人脸；表现主义先驱蒙克早年亲人相继生病去世的经历，使他的作品往往表现出对生命与死亡的感受，他的画面色彩浓郁而带有强烈的情感特征。1893年他创作了《呐喊》，画面中的色彩带有强烈的主观性色彩。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来：“突然间，天空变得血一样的红，一阵忧伤涌上心头，深蓝色的海湾和城市，是血与火的空间。朋友继前行，我独自站在那里，突然感到不可名状的恐怖和战栗，大自然中仿佛传来一声震撼宇宙的呐喊。”由此我们便不难理解为什么他画面中云彩会那样鲜红，海水又为何那般深沉，因为这些都是他深刻感受到的真实情感。

三、油画创作中色彩的主观性表达对当代绘画的意义

主观性色彩语言的成熟应用伴随了油画历史的发展还有科学技术的进步，以及艺术思想观念与各时期大师们的探索不断积累而成。在油画色彩语言极大丰富的当代，主观性色彩的绘画发展历史为当代绘画提供了丰富的养料，让绘画色彩语言走的更高更远。同时也让我对绘画创作有了更加深刻的认识。主观性色彩具有特殊的表现力和情感力量，可以在绘画创作中展现出特殊的艺术效果，但主观性色彩并不是凭空捏造出的绘画技巧，更不是一种无病呻吟的情感表达，它需要的是一种源于内心的，真实的情感诉说，如此我们的绘画作品才会有“活的灵魂”。

参考文献：

[1]流畅.《色彩在西方油画艺术中的发展》.

[2]苏珊·朗格.《艺术的问题》.

[3]夏加尔.《我的画就是我的记忆》.

[4]何光政.《蒙克》.

浅谈油画创作中的情感表达 第5篇

关键词：油画艺术家,创作,情感,表达

情感性是艺术创作的一种特性, 情感是一切艺术的基础, 根本不存在离开了情感的艺术。情感的表达与油画创作有着必然的联系, 雕塑家罗丹曾说过:“艺术就是情感”。情感, 必须包括在艺术创作上, 反映人的思想和感情的作品, 是值得人们去欣赏和感悟的, 还能够启发人们的思考。油画一直发挥着关键作用的心理因素是情感, 一件优秀作品体现了创作者独特的情感寄托。用笔画, 线条, 色彩, 和独特的成分来激发和表达自己的内心曾经经历过的感情, 所以观众还可以体验同样的情感。这个过程被称为艺术创作。例如:《自由引导人民》是德拉克罗瓦的杰出的代表作之一, 作品富有浪漫的想象, 强烈的色彩, 奔放的笔触和丰富的动态组合, 产生了向上的力量, 歌颂了为争取自由解放反对黑暗政权的革命精神。传统古典主义追求的理性庄严与视觉和谐都让位于动人心的情感表现。

一、油画创作中构图方式的情感表达

艺术家在表现作品的主题思想时, 需要对画面的人、物的位置与关系进行合理构图, 进行艺术加工。马蒂斯说:“创作是艺术家用来代表所有的情感元素的基础上, 合理安排装饰感和艺术的形成。”构图不仅是一项技术问题, 同时还反映画家的内心情感。构图是艺术作品情感的外在表现, 画家对现实生活的认识和感悟可以通过构图的设计完美地显现, 体现着画家的艺术情操和审美感情。油画创作中根据画家的绘画意图, 对画面中点、线、面、体积、空间等形式语言进行合理的安排布局, 来表达创作者的思想情感。

在绘画中, 艺术家往往根据自己的思想与情感运用美的形式法则构成画面。艺术家由对生活经历的积累、反思和严谨的思考, 将画面中的线条、色彩、空间合理地布局, 传达着作者的思想情感与所要表达的主题。不一样的构图往往传递着创作者不同的情感。达·芬奇经典肖像画杰作《蒙娜丽莎》, 利用正置三角形构图, 金字塔的造型突出了人物的端庄与沉稳。达·芬奇笔下的蒙娜丽莎健康、高贵而又乐观, 集理性于一体, 深刻地表达了文艺复兴时期人文主义的思想内涵, 表达了画家内心真实的情感。同时, 艺术家拉斐尔的作品《圣母图》是个纯洁的圆形构图, 以“S”形曲线来分割整个画面, 让观者有一种优美、和谐、亲切的感受, 使作品更具形式美感, 突出了画家的内心情感。

二、油画创作中笔触的情感表达

笔触是绘画中的基础语言, 它的价值显而易见。艺术家运用画笔、画刀等工具进行创作时在纸或画布上形成不同的痕迹, 这些痕迹就是笔触。不同的笔画可以巧妙地表达艺术家的个性, 气质, 性格和内涵。艺术家们心随笔动, 在运笔中加入自己的主观情感, 笔底显真情。

随着时代的发展, 艺术家越来越关注社会生活和个人情感, 他们发现笔触能够更加突出表达自己的个人意趣和主观情感。我们可以从表现主义画家蒙克的油画作品《呐喊》中看到, 扭曲的像骷髅的脸在惊恐中发出最后一声呐喊, 在变形的尖叫的人物形象上, 起伏波动的笔触揭示了他灵魂中被撕碎的伤痕, 长长的笔触表现了人的极度孤独和痛苦的感情, 充分发挥了笔触的作用。现代艺术家把笔触看成是发泄自我情感的一种独特工具, 他们通过笔触的运用向欣赏者诉说他们的经历, 笔触深度地表达出其作画时的内心情感。维米尔的代表作《倒牛奶的女仆》中的光纯洁而又温暖, 画家用急促短小的笔触描绘阳光中的物品, 让我们真实地感受到阳光的存在。

笔触的作用与价值是永恒的, 在油画艺术中, 我们应突出笔触的意义, 这对今后油画创作的发展是相当重要的。笔触不仅显现创作者的思想情感, 同时还显现着自身独具一格的审美价值。

三、油画创作中色彩的情感表达

色彩是绘画的灵魂, 属于艺术家情感的表达, 是情感的符号。色彩的变化与人的情感相对应, 西方绘画将色彩作为情感表现的“晴雨表”。色彩具有丰富表现力和动感的感情张力, 它可以为创作者与观者的心灵之间构建起一道相互沟通的桥梁。因此色彩是画家表达思想情感的独特造型艺术手段, 它是能够诉诸心灵的。

艺术激发情感运动, 画家借助色彩表达内心情感认识, 赋予作品生命。凡·高的油画能够打动观众, 在于他笔下的色彩是从艺术家心灵深处流淌出来的, 激发观众的情感, 更激发我们潜意识中平常生活中所蛰伏起来的生命对运动的渴望。梵高说:“我不想准确地在我面前重现的东西, 我的自由和随意的色彩运用, 目的是为了有效地表达自己。”不同的颜色会呈现出不一样的情感特征, 是绘画语言情感色彩最直接的表现。诺尔德, 德国表现主义运动的先驱, 他的作品透露出强烈的想象力和艺术张力, 明亮而厚重的色彩, 总是表现出愤怒和紧张的感情。与达·芬奇的“最后的晚餐”不同, 他笔下的“最后的晚餐”的颜色强烈, 红色和黑色的衣服, 将人物的痛苦又发黄的脸鲜明地衬托出来。他削弱琐碎的造型, 经过强烈的颜色对比和形象的人物表情描绘, 生动地表现了色彩的意蕴与价值, 传达了真挚的情感。

四、油画创作中自我的情感表达

我们生活的环境正日益恶化, 雾霾问题已成为全社会关注的焦点, 每个人的健康都受到了巨大的威胁。看完有关雾霾的大型纪录片《穹顶之下》后, 我深有感触, 决定借助这个题材创作一幅画。在雾霾笼罩的天气里, 我们往往会戴上口罩来避免我们受到更大的伤害。孩子是我们祖国的未来, 因此我准备画一组戴口罩的儿童的头像。

从创作题材的确定、到素材的搜集完成, 再到作品的渐渐完善, 一直到最终结束, 情感贯穿着始终, 让作品更有生命力, 自己的内心情感也得到表达, 我也愈能感觉到情感在油画创作中至关重要的作用。

艺术创作的源泉是情感, 所有的艺术通常伴随着情感活动。塑造艺术形象并不是艺术创作的最终目的, 其最终的目的是为了传达艺术情感, 表现作品包含的意蕴。艺术家往往会将内心积蓄的饱满的情感付之于画笔, 借助艺术作品来抒发和表达自己内心的感受。艺术品也只有在能够充分表达情感意蕴的基础之上才能获得审美价值。因此, 情感的表现是传达艺术家思想的一个主要来源, 情感表现的方式则是多种多样的, 在创作中一定要重视情感的作用。

参考文献

[1]罗丹.罗丹论艺术[M].人民美术出版社, 1978.

[2]苏珊·朗格.艺术问题[M].中国社会科学出版社, 1983.

[3]孙美兰.艺术概论[M].高等教育出版社, 2008.

浅谈油画作品中“美”的表达 第6篇

一、画面中的“观念美”的表达

“世界也可以是这样的。”每个人观念中的世界都是不同的, 描绘出来必然也会大不相同。

夏加尔的画看似抽象, 其实描绘的是人类内心的精神层次的美, 作品使人联想到生活本身的持续性, 它不仅拓展了人的想象力和对精神世界的认知, 还增添了一份梦一样的幽默。“我不喜欢‘幻想’和‘象征主义’这类话, 在我内心的世界, 一切都是现实的、恐怕比我们目睹的世界更加现实。”夏加尔告诉我们, 他的艺术虽看起来奇怪, 却是发自内心的情绪和感触, 不是凭空乱画的, 是艺术上的真实。他也有一幅描绘生日的画作, 1915年生日那一天, 他的爱人贝拉手捧着生日蛋糕和鲜花, 轻轻走进他的画室, 画家被突如其来的惊喜感动得大跳起来, 回头搂住爱人亲吻——这就是《生日》的内容和缘起。在这幅画中, 夏加尔抛弃了形体分解而采用色面分割的手法, 以人物黑色礼服、黑裤子与红色的地毯、桌子台布等相配造成一种热情而温暖的爱的气氛。他称自己的艺术是“心理的写实”, 他描绘的不是物体的外观形象, 而是心理感受的真实世界。

观念美的产生, 其实是一种精神的交流, 同为内心的真实, 不同于夏加尔的浪漫和梦幻, 马琳·杜马斯的画则更偏向于对现实世界的反射。她是我比较喜欢的一位女画家, 我喜欢她的原因是因为她的画自然而坦率, 她描绘的语境并不是固定法则上的美感, 而是用她自己特有的形式去表达真实的姿态, 她对自己的画作是这样解释的:“艺术不只制造出美丽, 我制造粗陋, 或者我不懂美丽的含义。”稀薄而稳重的颜色、粗犷又狂野的形态、自由但严谨的线条、看似随意的涂抹, 这些都无拘无束的表现着人的本质。就拿最为人知的《变色病》系列来谈, 它是由24个脸上充满着矛盾的复杂的表情与情绪的头像组成, 人物的眼睛里透出的是空洞、无助和绝望, 所有紧闭的嘴唇里显得紧张、忧虑同时又有一股坚强与不屈的神情。从某种意义上讲这些人就是一个整体, 目的在于“呈现”, 呈现人们心中的“心理表情”, 仔细去看这些直视而来的眼睛, 可以感受到他们都是一种怎样的忧郁和不安, 甚至有一些神经质似的病态。在《年轻的男孩》中, 马琳·杜马斯描绘了一群赤裸着身体的男孩, 在光秃秃的背景下, 他们惶恐地、手足无措地站立着, 仿佛无处藏身的鬼影。画面上的色彩斑驳迷离、渐远渐淡, 如同正在洗印中的照片。这些都是以她自己的亲身体验为出发点, 通过刺激而诚实的情绪的写照, 表达了她自己的态度。她所表达的美不在于表象的感官愉悦, 寥寥数笔, 极少修饰, 画面带来的却是无限的张力, 不仅是视觉, 更多为精神上。

二、画面中的“本质美”的表达

一个想法的成熟, 必然要靠画面来呈现, 如果说精神是作品的血脉, 那么画面就是作品的肌肤, 这画面本身构成的美感就是我要说的“本质美”。诸如线条、色彩、形状、构图、以及呈现的形态等等这些形式因素都属于本质美的范畴, 它们共同执掌着作品的节奏。

其中, 构图又是作品最关键的根基, 运用得当便可以巧妙地抓住人的心理, 从而更简单、准确的表达画面的主题。比如, 《最后的晚餐》的构图可说是达芬奇精心设计的, 尽管构图是超长横向的, 但消失点仍有一个, 并消失在画面中心的主题人物身上;坐在正中央的耶稣摊开双手, 把头侧向一边, 作无可奈何的淡漠表情, 加强了两边四组任务的变化节奏感, 使场面显得更富有戏剧效果。画家通过各种手法, 生动地刻画了基督的沉静、安详, 以及十二门徒各自不同的姿态、表情, 这十二个人, 由于各自的年龄、性格和身份不同, 他们的惊讶与疑虑表情都得到各自贴切的表现。古代所谓“多样统一”的美学原则, 在达·芬奇的这幅画上得到了空前有效的体现。而伦勃朗的许多作品, 则更是将人物最传神的部位有意安排在画面的最佳视点上, 并有意使其他部位置于人为的暗影之中, 以求画面在简洁有序, 黑白平衡的关系中引导主题的突出。文艺复兴时期的大师们多喜欢通过静态稳定比如三角形或金字塔形的结构方式来获取平衡, 而巴洛克大师鲁本斯又常常在人物之间一连串的动态取向或螺旋式或形的结构中寻找运动中的平衡支点.

跟构图相辅相成的另一个关键因素就是色彩, 它能给人带来更为直接的感受。德尼曾如此说:“记住, 一幅画, 在成为一匹战马, 一个裸女或者一件奇谈之前, 主要是一个布满着按一定秩序组合的颜色平面。”他创作了一幅名为《坟墓边的圣女》的作品, 这幅画描绘了宗教仪式中的圣女。其中左边两位圣女分别高举右手和左手, 右边几位圣女则在默默的祷告, 背景是夕阳下的墓地远景。装饰性的画法使之更具形式意味, 画面上由对比强烈的近乎平涂的色块组成各种形象, 单纯中有一些变化, 冷暖对比, 黑白对比, 使画面肃穆、冷静, 洋溢着宗教气息。

无论是构图、色彩还是其他多种因素, 略施章法的组织, 才能更主动地掌握画面, 但若想同时掌握自己的心理, 画中人的心理和看画人的心理并不容易。

三、观者的阅历赋予画面新的观念美

我们每个人的心理和生活状态不一样, 即便看同一幅画时也会有不同的观念产生, 这时新的观念美也就在不断地形成, 画面的生命意义也在不断地丰富。

往往, 作品给人以不尽的思考要比仅仅给人以视觉刺激更有意义。当我们面对莫兰迪那些反复排列、形状单纯的瓶瓶罐罐, 心理的感受肯定各有不同, 有人看到真诚、有人看到和谐、有人看到禅意……我看莫兰迪的画时, 会不由地安静下来, 看似随意搁摆的一切不张不扬, 静静地释放着最朴实的震撼力。这些都是画面与心理的交流, 也许画家意不在此, 却在此可以产生无数的新的观念美。

四、表达的真诚

人们问及莫兰迪的创作情况时, 他说:“那种由看得见的世界, 也就是形体的世界所唤起的感觉和图像, 是很难, 甚至根本无法用定义和词汇来描述。事实上, 它与日常生活中所感受的完全不一样, 因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信, 没有任何东西比我们所看到的世界更抽象, 更真实。”在1998年杜马斯接受采访时对记者也这样说道:“每个人都有自己的脸, 自己的肤色, 我所关注的就是我看到的”。从这两句话中, 很明显可以理解到艺术家不是要还原世界, 而是通过事物来创作自己心灵的世界。通过画面, 使我们明白, 作品创作的题材可以不重要, 更重要的是作品是否给人有想法, 美的表达是否真诚。

油画表达 第7篇

关键词：油画语言；表达；毕业创作；个性化

油画传入中国，掐指一算也有一百多年的历史了，中国高等院校开设油画专业课程也有近百年的历史了，作为学习成果的汇报，毕业创作成为一年一度检验毕业生学习成果的一种非常重要的传统方式。一些活跃于当今画坛，并取得瞩目成就的艺术家，大都是通过他们的毕业创作让全国甚至全世界认识他们的，他们在大学生时期所做的油画创作探索，深深地影响着他们后来的艺术创作，并成为中国当代油画发展中亮丽的风景线。作为传统的美术专业教学，毕业创作的重要性对于每位美术专业的学生来说，是一个阶段的结束，更重要的是人生一个全新的开始。

油画语言具有很宽泛的含义，它不仅包含着一切可以使用的技术手段和构成画面必不可少的因素外，还包括现代画家在绘画的材料上大大的拓宽了使用的范围。斐德勒说过:“哲学家以语言文字表现他的精神思索，才能成为精神思想；艺术家的精神，以表现技巧表现出来，才有艺术价值”。按照现代绘画艺术理论，每一种艺术都有自己的艺术语言，每一个成功画家都有自己独具特色的绘画艺术语言，作为油画专业毕业创作，在毕业创作的这个重要阶段，也是油画语言形成的重要时期。同时，油画语言的形成离不开对材料技法的研究。专门从事研究绘画材料与技法的专家，德国慕尼黑大学教授马克斯·多奈尔指出:“关于绘画材料的各种法则，对所有画家来说，不管他属于那一个画派，都是一样的。画家只有完全掌握了各种材料，才能奠定发展个人风格的牢固基础，同时也才能保证其作品永久性”。我们进行油画创作，不管是具象写实，还是抽象表现，都避免不了对材料的透彻了解和对技法的熟练掌握，也回避不了造型、色彩、笔触、肌理等绘画基本要素和技巧手段的讲究与追求。绘画大师在艺术上取得的每项成就，除了历史条件和个人才华因素之外，与材料技法的探索和精益求精的艺术执着是分不开的。油画的材料技法对画面效果的影响极大。从油画的工具材料、基底制作、颜料和媒介剂的选用、制作程序到各种表现技法、笔触肌理无一不对油画的语言产生影响。拉尔夫·梅耶曾说，美术家研究绘画材料和方法，目的是为了能运如自如，从而产生最佳技巧特色，完全表达出自己的意图，同时也为了保证其成果成为不朽的作品。

油画语言的形成与画家个性化的材料技法是直接相关的，不同的材料技法的应用，可以表现出不同的油画语言。不同种类的绘画材料都有其特定的物质性能，并且不同的使用者对不同的材料都有自己不同的感受，使用它会产生属于自己的独特视觉效果。油画材料技法的选择和使用，能使作品产生不同的冲击视觉神经的形式美感，从而使作品能够具有更多的可读性。画面表层材料使用的厚与薄，粗糙与光滑，画面的笔触和肌理的细腻与粗放，都可以表现出不同的油画语言样式。同样的材料技法，在不同的画家手中，可以表现出不同的油画语言。因为材料技法与画家这个人结合起来，画家个性化的使用材料技法，画家对材料技法的主观处理造成了绘画语言上的千差万别。例如，刘小东运用直接画法，功底扎实，受弗洛伊德的影響，画面轻松自然。忻东旺运用直接画法，主要表现农民工，厚薄结合，颜色厚重，表现出的人物形象夸张生动，毛焰作品的题材、画面图式构成很简单，受西方现代画家的影响，从丢勒、戈雅、德拉克洛瓦、维米尔等古典主义绘画大师那里吸收了古典主义的精华，形成了自己独特的油画语言。

毕业创作作为一个即将毕业的美术专业学生来说，是人生最重要的一次转折，充分展现自己的专业实力与艺术追求，把自己的艺术思考，对艺术的理解，通过油画语言表达出来。由于大学课程的安排，关于油画创作的课程比较少，在大学期间很少有创作的机会，多以基础技法的训练为主，毕业创作课程正好是提供了一次大家集中精力创作的机会，四年大学生活中，最全身投入的课程，我想也就是毕业创作课程了。毕业创作是充分展现自己的一个机会，通过毕业创作一鸣惊人的例子实在太多，因此，通过正确的油画语言表达方式把自己的所思所想，对艺术的理解，对油画的理解，把自己创作意图与专业技法结合起来，通过一种确切的方式表达出来。毕业创作，作为大学课程的结束，是一个检验和展示专业水平的课程，更重要是作为艺术人生的开始，毕业创作也许会成为以后艺术创作的一个标杆，影响一生！纵观油画专业毕业创作中涌现出来的一些成功案例，我们不难发现，充分发挥艺术的表现力、重视吸取各种艺术形式的精神内涵、独特的观察方式方法是走向成功的不二法则。

展现自己的创作个性，也可以说是展现自己个性的油画语言，对于艺术家来说，油画语言的表现这个问题具有极为重要的意义。艺术家如果没有自己的表现语言，那么不论他的作品所反映的内容的意义如何重大，其作品都不可能具有感染力。一切伟大的艺术家都是由于他们具有自己的鲜明的创作个性，才能对艺术的发展作出独特贡献，用自己的与众不同的作品丰富了人类艺术的宝库，使社会的多种多样的审美要得到满足。莫兰迪一生的绘画题材主要在静物，莫兰迪在其形而上的静物绘画观下，静物侧重于重现原有的形，让其不着痕迹的自然现出，给人一种呼之欲出的感觉。凡.高强调自己的主观感受和炽烈的情绪，善于使用纯度极高的颜色使画面色彩鲜艳、明亮；色彩、线条、笔触与形体纠缠着，牵动着他所有的情感神经。这样的例子很多，独特的油画语言，是一个艺术家的艺术灵魂，高校的毕业创作，是艺术家展现自己的重要方式，将影响艺术家的一生！