以下是小编精心整理的《视觉艺术论文范文(精选3篇)》，供大家阅读，更多内容可以运用本站顶部的搜索功能。摘要：文章分为五个部分：首先对数字艺术内涵意义进行了介绍，接着文章的二、三部分对传统视觉艺术的认知与发展进行了阐述，在此基础上对传统视觉艺术与数字艺术的关系进行了说明，最后指出我国传统艺术在当代发展的状况，以及数字艺术在当代视觉艺术创作中是如何使用的。本文对数字艺术与传统视觉艺术关系的研究，对当代艺术的创作形式有相当的现实意义。
第一篇：视觉艺术论文范文
数码时代的视觉艺术数码时代视觉艺术的现状发展概述：艺术理念，设计与实践（二）
五、 数码艺术的形式和分类
目前，世界各国对于数码艺术的形式的定义和分类不一致，笔者此处是根据美国的一些大学的定义和分类的。从美国学术界来看，对于数码艺术的认识可以分为两种观念：传统的和激进的。
按照传统派的美学观念，数码艺术不过是传统艺术在当今世界的延续发展，因此他们还是按照传统的美术形式和分类来对于数码艺术进行分类，这样就有数码绘画、数码雕塑等。
按照激进派学者地的理论，数码艺术倍被列为后现代主义艺术之列，属于当代艺术。笔者曾经在《后现代主义的兴起和起始》一文中对此有过详细的分析。在此，仅补充说明：“现代性和后现代性，一直是最近几年来，学术界争论不休的热门话题。按照某些学者的说法，我们现在正处于一个全新的时代，即后现代主义时代，后现代性已经取代了现代性。现代主义者，认为艺术史世是呈直线的垂直的连接，可以是独立的，个别的事件而酿造而成和持续发展的。艺术发展的过程是与其所处的文化、社会、政治等客观环境关联的何和相互干涉的。这样，按照现代主义观念，艺术史地的最为显著的特征就是它的“纯粹性”(purity)。按照这样的理论，数码艺术不过是传统艺术的继续发展。
后现代主义哲者的艺术历史观，则认为艺术史不仅是垂直的连接，也呈水平方向的并存，它们试图重新组合。这样，后现代主义哲者首先就打破了艺术史何和艺术的纯粹性。艺术不仅在艺术领域中存在，而且交叉与其它的类别和领域之中，时常呈混合、综合、交叉、跨越性存在;这样，传统的艺术形式和类型就被打破，例如绘画，不仅包括传统的绘画形式，也可以何和其他什么相结合，出现了综合材料绘画，合成绘画，立体三维绘画等，数码绘画就属于这样的新兴绘画。”
为了公允一些，我们还是把目前美国一些权威大学例如麻省理工大学、美国加州大学洛杉矶分院、南加大、纽约大学、美国纽约艺术学校等艺术类学校的分类作为基础，介绍一下目前美国流行的数码艺术形式和分类：
(一)数码雕塑(the Digital Sculpture)
简言之，数码雕塑就是用数码技术创制一个三维状的物体。它是从电脑设计和生产技术发展而成的。早期，电脑创作三维雕塑需要一个简约程序(a subtractive process)和使用粉笔头或板擦头(the milling head)，使用它可以产生一个三维的物体图形;但由于硬件的局限，艺术家很难把握住这个粉笔头，而生产的图像缺乏三维的真实感和立体感。随着电脑技术的完善发展以及电脑储存量的增大，新型软件足以使得艺术家创制出更为生动的三维立体状雕塑。从早期的技术发展生成的快速成型工艺(rapid prototyping process)，现在已经被广泛使用;这个快速成型技术，不同过去的用份笔头或者板擦头去减约去擦拭;而是采取添加程序，以一层层塗腊(layers of wax)区去累积，从而创制出三维状的物体。现在还有添加阴影的技术，以及多种地地的三维设计软件。但无论多么新颖，数码雕塑毕竟不是传统的实体雕塑，他们仅仅是一种三维拟像性雕塑。这也就是为什么不少学者对数码雕塑排斥的原因。但是，依据虚拟现实主义观点，数码雕塑属于这种虚拟现实中的“实体”(real object)。当然艺术家对于创作数码雕塑也有不同的态度：比如有的艺术家直接使用电脑在终端屏幕上书写、绘制数码雕塑作品;也有人把它作为一种辅助技术，他们先创制一个虚拟的数码雕塑作品，在再印制成像，并以此为基础创作一个传统类型的真实的三维立体雕塑作品。
(二)数码装置艺术和虚拟现实主义
一般来讲：装置艺术(the art of installation)是一种通过物件来展现三维的空间艺术。它的特点是在物件呈现出现的现实关系中，通过物件自身的意义和物件与物件的关系所引起的联想来阐述新的概念和说明某种社会意义。它不同于一般雕塑之处在于它的视觉连续性，拥有更开放的三维空间，给人以更强烈的空间感，更具有参与性和交流性。这种空间已经不是单纯的自然空间，而是社会心理学的空间，观众在这个空间之中，感受着作品的作用。装置艺术的展现，通常是在真实空间和虚拟空间的关系中，借助于连续的视觉形象来叙述人文观念。按照美国学者的意见，装置艺术是属于现代派—后现代主义的艺术范畴的。
数码装置艺术(Digital installation)就是艺术家运用数码技术而创制出的新型的装置艺术作品。数码技术的发展不但扩大了艺术创作的自由和选择性，并且使得艺术家有更大控制能力去进行艺术创作。早期的电脑控制的装置艺术创作系统，需要顾客自己设置软件，而且复杂、昂贵等不利于广泛使用。现今的数码技术，例如微软控制硬件，敏感器和新型三维图像设计软件等使得控制机械的功能大大地强化了，也使得艺术家能够随心应手地创作三维物件图像;比如创造互动型环境机器人和数据/数码为本的大型装置艺术作品，而且可以设置在网络上供多数人观赏和参与创作。
虚拟现实(virtual reality)一般指网络所提供的活动空间，它提供给人们一种新兴的感觉经验，即使得参与者或观众进入一个全新的复杂的，综合性的，人为的即由艺术家和工艺师所创造的世界之中。虚拟现实经验/和体验(the virtual experiences)会有多种形式，取决于所采用的电脑硬件，软件，设施和内在界面的种类等：比如HMD，有的系统需要参与者;观众头戴头盔或者视镜来进行观赏比如?或者类似的内界面(interfaces )设施;也有的只能够在网络上固定的网站观赏到。现在还有使用原始性的三维立体眼镜的。总之就是要让参与者和观众最大程度地获得三维立体感。
(三)数码摄影艺术
数码摄影艺术(Digital Photographic Art)，最简单的定义，就是用数码摄影机或数码照相机拍摄的摄影艺术或照相;但也有美国学者定义为：数码技术时代出现的摄影艺术;更有学者定义为20世纪的数码技术与传统的摄影艺术相结合而产生的新型摄影艺术。从理论来讲，这几种定义均有自己的独立意义。比如：第一种定义所强调的是摄影手段或工具即摄影机或照相机的功能，数码摄影艺术就是以数码相机进行创作的摄影艺术;而第二种定义所强调的历史和时代意义，是数码摄影师在特定的历史和时代环境中即数码时代所产生的新型的摄影艺术;而第三种定义所强调的技术与艺术相结合的结果即数码摄影艺术是在新型的数码技术与传统的摄影相结合的大的背景条件下所产生的一种高新技术和传统的摄影艺术形式相结合而诞生的全新的摄影艺术。
从20世纪90年代开始，高新的数码技术飞速发展，使得数码照相机进一步普及和流行，数码摄影已经成为了目前最为流行的艺术形式，人人都是摄影家已不是空话而是现实，但从视觉艺术的角度出发，并非是所有的数码照相机所拍摄的照片都是“艺术品”(the art works)。数码照相机的出现和普及，使得摄影变得十分容易，从最早出现的“傻瓜相机”开始，连傻瓜都可以使用拍摄，数码照相机一方面促使摄影艺术广泛发展与流行，一方面又使得摄影艺术“降低了”身份。这正如西方某些学者所言：“数码照相机并不是什么好东西，它是双刃剑;一个会伤害自身的武器。”但毕竟数码摄影使得摄影广泛发展普及，而成为了当代最为发展的视觉艺术之一。
(四)数码动画和录像艺术
数码动画(the Digital Animation)把传统的动画、电影和录像转换为数码艺术材料，目前已经是艺术家和文化产品公司所热衷的。传统的动画影片，比如迪斯尼的动画片是用手工绘制的，早期动画片创作是很艰难的，一部动画片需要动画画家至少绘制上千幅绘画草图，把一个动作进行分解，再逐格拍摄，最后进行剪辑等后期工作才能成为一部完整的作品。20世纪90年代，当电脑技术完善之后，电子数码动画创作才有可能出现。早期的数码动画技术只是由电脑控制一部动画片摄影机，把镜头前面的人或物件拍摄下来，然后再进行动画处理，这就是时间性的数码动画处理(the time-consuming animation)，现代新型的数码动画技术是先由动画设计师绘制出造型草图，然后在复印机或扫描仪(the scanner)上进行复制后，输入到电脑设备里储存，然后在电脑终端的荧屏上进行动画处理，新型的动画技术系统 (The digital animation production system)是以画为基础，进行动画即让画动起来的。然后进行多次艺术加工成完整的一部动画影片，再把它印成胶片或刻录在 CD上以 DVD 形式出现。
三维立体的电子数码动画所产生的神秘的视觉效果同传统的手工绘制的动画的视觉效果是截然不同的。一般而言，美国的动画影片的源泉有以下几个来源，美国好莱坞的经典作品或者经典神话故事和民间传说等，最近还有将流行的电子游戏改编为动画作品的。电脑创作动画作品并不神秘，有一些国家比如美国、日本、南韩和印度等，很多动画作品是私人和家庭公司创作生产的。现在随着三维动画软件的普及和多样化，越来越多的人参加数码动画作品创作。根据美国一篇文章的报道：2007年全世界范围的大大小小的数码动画公司总共创作生产了大约10万多部动画作品，总放映时间为50万多分钟。中国政府支持国内动画的创作生产，中国具有最多的动画片观众，但目前来讲动画创作还属于二等国家水平，赶不上美国、日本等。此外，最近美国迪斯尼公司提出，该公司还将继续坚持传统的人工绘制的动画生产，未来10年内不会实行彻底的数码动画化，但最近开始设计、创作、生产几部三维动画作品，迪斯尼公司有自己的数码动画创作软件属于该公司的高级机密。
(五)电子游戏
电子游戏(Video game art)是一个新兴的文化产业，美国一些学者甚至把它列为新兴的艺术形式(art form)。现在的情况是电子游戏的最终形势形式时常以游戏软件伙或CD-RAM 的形式而出现，它还不能像其他艺术形式那样，把完成后作品直接地陈列展览，它需要一个电脑终端来在荧屏上展现;所以一般来讲电子游戏或者数码游戏艺术家是电脑程序工程师和技师等。
此外，由于电子游戏是互动性很强的东西，在设计电子游戏时一定要把互动性列为首要。这样电子游戏艺术就有一定的局限性，但是由于越来越多的艺术家加入这个领域，电子游戏作为艺术已经赢得了不少人地的赞同。中国目前是电子游戏的大国，拥有世界上最多的电子游戏的参与者即玩家，但是中国对于电子游戏地地的重视尚不够，在电子游戏的艺术设计和整体设计上还落后于日本、南韩、台湾乃至于印度等国家。
(六)网络艺术
网络艺术(net art)顾名思义就是指在网络上呈现的艺术形式。20世纪90年代，网络刚刚出现不久，就有一些艺术家看到了它的艺术创作的潜力，没有多久第一批网络艺术作品就出现在网络上，并迅速传播开来。目前在网络上出现的艺术作品可以说是多种多样的，有传统的艺术形式的作品，例如绘画、建筑、摄影和雕塑等;也有一些新兴的，独特的形式作品，例如多媒体作品等。此外，美国的传统的文化艺术机构和场所也充分利用网络进行业务发展与扩大，比如前面所讲的一些美术馆利用网络公开展览现自己的馆藏经典作品，现在美国几乎每个博物馆、美术馆和画廊都有自己的网站，在2007年一年美国人上网参观画展的人数达到了空前水平，去年大约有1亿人次上网参观画展;美国纽约现代艺术馆名列第一，华盛顿的国家艺术馆也是美国网民最爱关顾的美术馆，2008年美国联邦艺术基金会把网络艺术发展列为重要项目之一，这也是值得我们学习的。
(接上期)
作者：鲍玉珩 薛翠华 张大为 宋东红
第二篇：数字艺术与传统视觉艺术关系的思考
摘要：文章分为五个部分：首先对数字艺术内涵意义进行了介绍，接着文章的二、三部分对传统视觉艺术的认知与发展进行了阐述，在此基础上对传统视觉艺术与数字艺术的关系进行了说明，最后指出我国传统艺术在当代发展的状况，以及数字艺术在当代视觉艺术创作中是如何使用的。本文对数字艺术与传统视觉艺术关系的研究，对当代艺术的创作形式有相当的现实意义。
关键词：数字艺术 传统视觉艺术 当代艺术创作
引言
数字艺术是信息技术发展的一种产物，虽然结合了先进的数字技术，但依旧属于艺术的范畴。也就是说，数字艺术仍然是对传统艺术的一种继承和发扬。在审美上，传统的视觉艺术与数字艺术有着各自的优势。数字艺术是当代文化语境F--～新兴品，它是借助数字技术手段创造的艺术作品，与传统视觉艺术相比在媒介手段、文化内涵上都有明显的不同。如今，这两种艺术形式同时存在于当代的艺术潮流中，虽然两者存在一定的不同，但其作为艺术创作的基础却是相同的，都是人类的精神文化产物，两者互为影响，在不断的融合中获得共同发展。
一、数字艺术的概念阐释
上个世纪末，数字艺术作为一种新兴产物被广泛应用于艺术创作当中。具体来说，数字艺术是传统视觉艺术的一次飞跃，涵盖了技术与艺术两个方面，如今它以强大的生命力参与到当代艺术创作的活动中，成为了将技术与艺术高度融合的一种新的交叉性学科。这种新兴的艺术形式通过各种实践活动已经被社会大众所接受，人文艺术领域也不可避免地受到了影响，最终发展成为一种全新的视觉艺术。
传统的艺术作品进行欣赏时，需要到美术馆、展览厅观看那些艺术作品，通过静态地观看与讲解人员的介绍对艺术作品进行感受。如今，人们获取信息资源的渠道越来越多，当代艺术的创作者也开始借助这些技术手段获取视觉信息，这样大大地丰富了艺术作品的内容。艺术创作者借助数字技术手段能够获得更为广阔的表现空间和表现方式，他们告别了之前那种繁杂的工作，工作效率也有明显的上升。如今，当代艺术创作者开始利用网络平台进行艺术的创作与宣传，各种各样的艺术形式开始在网络上呈现。如一些美术馆借助网络的平台把馆藏的艺术品公开发布出去，这样艺术就不再只是少数人的专利。但同时数字艺术的大众化也带来了一些危机。大量的无意义的艺术作品涌现出来，对社会大众的审美造成了不同程度的混淆，这对艺术的发展是十分不利的。所以，这就要求作为艺术创作者，在借助现代技术的同时更要增强自身的艺术修养。
二、传统视觉艺术的当代认知
数百年来，艺術与其他文化领域之间的界限已经变得模糊，艺术家们在展现自己艺术作品的时候常常将各种视觉文化产品混合在一起。艺术品的创作过程被看作是科学技术渗透的过程，无数的艺术创作实践都向我们证明了艺术与技术总是如影随形的。每—项科学技术的诞生与发展，总会有相对应的艺术形式而产生，或是原有的艺术形式发生深刻的变革。似乎每一个艺术媒介的变革都会给艺术造成强裂的影响，数字技术的诞生让它与新时代的艺术品位发生了联系，从而人们对世界的认知方式也发生了改变。数字艺术的出现从实质上来讲是对公共空间的一种扩展和重建，也使艺术的创作者可以拥有更为广阔的创作空间。
上个世纪60年代，录像技术刚刚问世就吸引了无数艺术创作者的眼球，艺术界开始了叙事结构的探索。到了90年代，电脑的问世更是让艺术创作者们爱不释手。他们运用软件程序对一些复杂对象进行处理。步入新世纪，DVD录制技术得到了广泛的发展，艺术品的交易形式出现了新的变化。如今，数字制作、摄影技术得到了进一步的发展，自然而然也被渗透在各种各样的艺术创作中。数字媒介为当代艺术的发展提供了巨大的推动力，艺术创作中涵盖着技术与艺术的完美结合。因而，媒介的变革拓展了艺术的多样性、灵活性，慢慢抽离了传统艺术文化观念。
三、传统视觉艺术的当代发展
当代艺术的创作呈现大众化的特点。随着科学技术的进步，艺术的上层建筑地位已经成为一种普遍的基本需求的大众文化。首先在选材上面，为了引起社会公众的心灵共鸣，艺术创作者的选材开始考虑社会公众的接受度，如一些大众题材的艺术作品会让公众感到十分亲切，它与之前服务于政治意识形态的艺术作品题材有根本性的改变。一些艺术创作者在进行艺术创作的时候试图建立一种新的艺术审美，他们对一些经典的艺术作品进行尝试性的更改，特别是《蒙娜丽莎》被超现实主义大师进行再创造之后，经典作品的再创造发展成为当代艺术创作中的时尚潮流。
当代艺术创作呈现个性化的表现特征。如今，各种图文信息充斥着我们的视觉神经，人们被电子图像碎片所引领。数字技术的虚拟化特征已经超出了公众可接受的限度，在欣赏的时候感到有些有心无力。因而，艺术创作发展到任何一个阶段都需要遵循一定的意义，若是将这种意义的形式完全摒弃，就会完全背离艺术创作的轨道。当代艺术创作尊重个体的差异性，但绝不能对传统视觉艺术完全摒弃，我们应该在多元化的艺术倾向中凸显自己的个性。艺术创作者的灵感来源于对生活的独特感悟，这样的创作具有明显的个性特征，对于艺术家来说，失去了这种个性，也就意味着失去艺术的价值。当代艺术创作中个性化的表现特征越来越明显，艺术创作者利用美的直觉性将鲜明的个性嵌入艺术形式的表达之中，只有这样观众才会对作品有所印象，欣赏到艺术作品中潜藏的观念。如今，评判艺术作品的标准不再是唯一性的，只有不断地对生活进行艺术创造，艺术才会保持自己的真实性与生命力。
四、传统视觉艺术与数字艺术的关系
当我们运用新的技术手段进行艺术创作的时候，会给观众带来全新的视觉体验。若是把数字技术与传统艺术作为单独的个体来看，它们在艺术创作的审美情感上确实存在一些差异。首先这种差异的表现实在工作方式上。传统视觉艺术的形式对于观众来说更容易产生共呜，艺术品常常都是一个可以感知的实物。但数字技术的出现，这些艺术品可以被无限地复制传播，艺术逐渐沦落成为一种技术手段的载体，在这个层面上艺术品就不再具有艺术价值，只能称得上是技术的一种表现形式。其次，两者的差异性在于文化的渊源。传统艺术的发展经历了一个又一个的历史阶段，已经蕴含着十分丰富的文化底蕴和民族情感，如今在历史传承上已经得到了普遍的认可，具有很高的艺术价值。数字技术的介入，致使艺术品的传承性遭到了断裂，没有任何的艺术底蕴。在这个意义上讲，传统的视觉艺术具有唯一性，数字技术下的艺术品却是批量复制生产的，这样就会造成艺术价值的不同。当数字技术与传统艺术发生了碰撞，两者就在艺术创作的过程中相互影响，但在技术与艺术的相互融合的实践过程中我们会发现，数字艺术借助技术获得了更多的发展空间，但艺术观念与技术的演变过程几乎是同步的，所以艺术在很大程度上都依赖于技术。
当代艺术的创作希望唤起技术与艺术的审美情感，这体现了当代艺术创作的审美追求，从某种方面来讲已经演变成为现代技术与传统艺术相统一的审美哲学。如今，越来越多的艺术家开始在艺术创作中寻求这种技、艺的全面性审美体验，希望在传统艺术的基础上结合数字技术创造出更具文化内涵的艺术作品。从上个世纪末到现在，技术革命的—次次演变为当代艺术的创造提供了更为丰富的形式，技术与艺术之间的联系也越来越紧密。当代艺术的创造中，技术已经不再是一种单纯的创作手段，而是成为传统艺术的存在方式与构成价值，从根本上改变了艺术品唯一性的审美情感。
五、我国传统艺术在数字时代的发展
我国传统的视觉艺术作品往往体现着特定时期内的民族特质和民族文化，这是一种思想观念的视觉体现，具有十分鲜明的民族特征。传统的视觉艺术品不仅要承载一定的文化价值还要符合当代审美的要求。因而，在当代艺术的创作中需要充分挖掘传统的视觉形象，对这种民族艺术的文化价值进行评估，赋予中国传统艺术的时代性，这样才符合当代艺术创作的社会语境。如今，中国的传统文化正在遭受新技术革命的冲击，我们要十分重视传统视觉形象在当代艺术创作中价值作用。当代的艺术创作中，数字艺术创作至关重要，但我国的数字技术与西方发达国家相比还有很大的差距，这也就使得我国数字艺术创作成果的落后。不论是技术还是艺术，都已成为我国当代艺术创作的影响因素。新世纪，我国的当代艺术创作发展正如火如荼地进行着，大量的艺术家都选用了社会学的角度进行艺术创作。在当代艺术的创作中，艺术创作者更着重于服务生活，思考艺术与现实生活两者之间的关系。如2011年的《关系：中国当代艺术》当代艺术展览中，将人与人、人與社会、人与技术、人与艺术之间的关系作为探讨的主题，以艺术的方式进行展现。国内最为顶尖的数字团队，借助世界最先进的数字技术全方位地制作了展馆的现场。在这次展览中，关系被各种艺术形式进行探讨，从策划的初始阶段，这一展览理念就被提了出来，文字与视觉作品的同步展览成为这次实践的最大成果。
六、当代艺术创作中数字技术应用
数字技术的诞生，网络的意义变成了数字化的网络传播，在此基础上计算机技术的应用让我们进入了“读图时代”。在数字时代里，人们能够体验到读图方式的多样便捷，读图乐趣的轻松自由，使人们一直以来被压抑的情感很容易就被激发出来。但是因为在技术条件方面的一些限制，人们无法纯熟地应用网络。而互动是网络最为关键的因素，如果想将当代艺术的创作得到一个质的飞跃，就需要把多种艺术形式进行综合应用，使数字艺术能够不受时间与空间的限制。从另一面来看，传统的视觉艺术与当代的数字图像都是一种视觉语言，是人们生活中存在的一种语言形态。数字艺术作为科技革命产物，需要依托数字技术方可将图形、图像、艺术、互联网等相互融为一体。我国的历史悠久，孕育了很多优秀的艺术形式。传统的视觉艺术传承是在岁月洗礼下的宝贵财富，具有十分重要的艺术文化价值。但这些传统的视觉艺术在工业化的进程中也遭到了不同程度的破坏，这时我们可以对这些传统的视觉艺术品进行分析，在了解了其所处的时代、表现的风格、形式等经本信息后对其进行数字化的恢复处理，从而实现这些珍贵财富的保护。如今，数字技术的图像处理方式已经成为一门普遍的应用工具，对于传统视觉艺术的保护也就更加便捷。但是，我们如今的技术手段只能够对其进行数字记录，以数字化的格式保存下来。随着数字技术的不断发展，我们对传统视觉艺术品的保护就不再拘泥于地域和手段的制约，能够在虚拟的空间中对传统视觉作品进行再现，让社会大众有更为直接的感知。
总之，不管是传统视觉艺术还是数字艺术都是基于当代艺术创作实现的。数字时代，数字技术的应用给传统视觉艺术造成了很大的冲击，新的社会环境下滋生了一些新的问题。对于数字艺术，人们更为关注的似乎是技术的掌握和应用，并未涉及创造的方面。这种缺失最终会造成发展的短板，所以必须将其引入艺术发展的体系之中。当代的艺术创作已经不在人们能够预想的范围内发展，数字技术的高效应用给当代艺术的创作带来了很多不确定的因素，这就需要我们将重点放置在艺术创作的实践当中。这样，不管社会怎样发展，无论数字艺术亦或传统视觉艺术，两者的本质都不会改变，数字艺术必定以更为自由的姿态活跃在当代艺术创作的活动中。
作者：李敏 郝奇
第三篇：论视觉艺术与听觉艺术的互动效应
摘要无论是在影视剧作中，还是在舞台演出中，视觉感官和听觉感官的结合都是必不可少的。本文分别论述了视觉艺术的视觉冲击力和听觉艺术的听觉享受，分析了两者如何相互渗透、相得益彰，得出如下结论：视觉艺术与听觉艺术在不断地相互影响、相互借鉴中互为艺术转换，产生的艺术效果远远大于各自单纯的视觉或听觉上的单一呈现而产生的艺术感染力。
关键词：视觉艺术 听觉艺术 互动 效应
视觉艺术与听觉艺术从诞生到发展至今已经趋近完善的过程中，一直在不断的相互影响相互借鉴，可以互为艺术转换。以视觉画面促成听觉乐感的物质化，使人们能够更加直观、整体的把握，以音乐、音效赋予画面流畅真挚的意识形态和感染力，使人们能够更易于理解艺术创造者赋予的情感、理想、价值观等产生共鸣。可以说从两者的诞生至今，他们在艺术表现上一直都是密不可分的。吉乐(2009)认为：“视觉艺术”是人类文明发展到一定程度后出现的一个词汇，是用一定的物质材料，塑造可为人观看的直观的艺术形象的造型艺术和物质艺术。包括传统美术、传播和设计艺术、工业产品设计、民间艺术以及其他手工艺艺术形式等物质形态的艺术表现形式。视觉艺术造型手法多种多样，所表现出来的艺术形象既包括二维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式，也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式，主要依靠视觉结构、色彩、光影的巧妙搭配给人们创造美的意境。而听觉艺术相应地就是用一定的物质材料，塑造可为人收听的间接艺术形象的造型艺术，包括广播、音乐、歌曲等。听觉艺术则是通过韵律、停顿来“感于物而动，故形于声”。
在人们的艺术审美中，视觉艺术与听觉艺术常常相携展现产生互动效应，赋予艺术视觉与听觉双重盛宴、双重审美。无论是舞台上洋溢的音乐演绎与舞台服饰、化妆、LED灯光设计的匹配，还是影视剧中配乐与场景的巧妙融合，亦或是漓江大瀑布饭店的人工瀑布形态变化与音乐旋律起伏的二重奏，都给人一种美妙的感动。而这些，都使得视觉与听觉艺术互动作为当代艺术审美在相关延伸领域的互动效应逐渐凸显。作为音乐剧中极为重要的代表性巨作《猫》，投入巨资，以极具震撼的场景、服装设计和感人至深的音乐，运用声、光、电等各种现代技术手段，给观众强烈的视听冲击，更体现了视觉艺术和听觉艺术互动的效应和特点，为两者的结合发展起到了不可磨灭的作用。
一 震撼人心的视觉冲击
音乐剧《猫》是由知名作曲家韦伯与导演酝酿了十年之后，于1981年5月11日在新伦敦剧院首演。《猫》主要采用舞蹈和音乐的元素，讲述了杰里科猫族一年一次的盛大聚会。形形色色的猫儿们以自己独有的歌舞形式和肢体语言登场展现了自己对升天获得重生的渴望。之后，一只外表落魄丑陋而声音沧桑动人的猫族回归者——“魅力猫”借一曲婉转深邃的《回忆》打动了猫儿们柔软的心灵，获得重生的机会。《猫》剧单一的情节丝毫没有减弱该剧带给人们的震撼力和沖击力，其精湛绝伦的演出、舞蹈元素的选取与融合、演员精美服饰的设计、绝妙的场景搭配以及深邃如心的音乐都给观众强烈的视觉震撼和听觉享受。
《猫》在百老汇冬季花园剧院演出的时候，剧场在演出开始时则通过月色下一双双包裹着舞台及其背景的猫眼的点亮营造出整体的背景氛围，幽蓝色背景光中闪烁的黄绿色的猫眼，给人们强烈的视觉冲击，仿佛已然进入了午夜杰里科猫族的世界。降低的舞台、伸向观众席的坡道、垂吊的植物、各种材质的管道、架子、砖块、破碎的玻璃窗、废弃的啤酒瓶装饰的舞台以及色彩斑斓的地面，恰到好处地营造出猫族避开人类活动的领地——一个废弃垃圾场，并且充分利用灯光和阴影相互交错的效果，给观众呈现出知觉的弱感，在视觉上给人一种猫族神秘、冷淡、多情等特征的冲击力，制造出舞台上“第四面墙”的幻觉，为后面《猫》剧的后续发展做铺垫，采用了欲扬先抑的手法。《猫》剧的灯光设计看似随意，大部分的时候，背景都选取青蓝色的灯光，但随着出场人物的变化，光源的不同运用，灯光或明或暗，利用颜色的对比与灯光的错落感，摆脱了写实的意象，强调剧中情感气氛的营造，有极大的收缩性，扩大了音乐剧的表现力。随着开幕曲《JELLICLE SONGS FOR JELLICLE CATS》音乐的响起，舞台的灯光也随之起伏。猫儿们第一次唱完杰里科猫族之歌聚集在一起亮相时，打在猫儿们身上的亮黄色面灯和青蓝色背景灯光形成鲜明的对比，表现出深夜中猫族夜宴的狂欢和喜悦之情。
当猫儿们为了争夺获得重生的机会进行个人展示时，舞台灯光的选取和服饰的设计也随猫儿及其个性的不同而变化。比如“保姆猫”詹尼安点点出场时灯光选取的是红色的前景灯，服饰以特显臃肿的大篷为主，诠释出“保姆猫”作为杰里科猫族保姆所带来的温馨而轻松的家的氛围。“好奇猫”兰·堂·塔格的出场是在一阵缓和的音乐之后，橙色的灯光映出他狂野的个性和任性而挑剔的性格，塔格撕开纸张，跃到猫群中，带着颈上柔软而有光泽的鬓毛，一袭黑色的紧身衣，双臂和颈部饰以黄底黑点的虎斑，腰上配以宽而亮的腰带，一切都彰显出“好奇猫”的张扬和抢眼，并且在他出场时，灯光不断随着音乐闪烁追逐着“好奇猫”，这也从另一方面展示了“好奇猫”在猫族中备受瞩目的人物特点。而当“魅力猫”格里泽贝拉入场时，整个舞台突然暗下来，是为了解释她渴望被接受但又担忧无法获得原谅的心理状态以及展现猫族欢乐歌舞在“背叛者”入侵时短暂的深冷。“魅力猫”鲜红的长指甲与灰黑相间的皮毛及所穿的晚礼服形成鲜明的对比，很好的诠释了“魅力猫”这一个人物年轻时风光无限到老时的沦落这一巨大反差。以“迷人猫”为首的舞蹈跳起时，舞台上充满着娇媚的亮红色灯光，特别打在她所特有的红色皮毛上，浪漫且充满情趣，使得她在橘红色的灯光中显得玲珑娇媚，并且从另一个侧面也反映出“魅力猫”年轻时的风采。“富贵猫”的片段结束的时候，舞台灯突然暗下来，伴随着闪电打雷以及警车轰鸣的音效杂乱的闪烁着，用红色和暗蓝色的碎块光影营造出诡异的氛围，揭示着猫群中另一群人物——“小偷猫”蒙哥杰利和蓝蓓蒂泽即将登场。
除了灯光和服饰的搭配，舞台上演员们的肢体与神情表现非常的松弛，传神的演出也彰显猫族神秘的魅力，增强了视觉感染力。整场演出中，演员极力模仿“猫”的动作，匍匐在地，脚步轻且柔，略显夸张的上提动作，使得观众如同看到一只只踩着肉垫行走的猫。在面部上或装饰上夸张而上扬的眉毛，或突出的斑纹的两腮白色的三瓣嘴，或如狐媚般的眼睛，或下垂的眼袋，在演员们神情的诠释下，烘托出杰里科猫儿们或千娇百媚的慵懒，或英勇高贵，或狡诈又交织着无奈，诡异又渗透着茫然的个性。
《猫》剧的道具设计也是营造整体视觉效果的一个亮点。不管是道具的体量、还是道具的色彩，都表现出“拟猫”的特征，以猫眼看社会，以猫族的生活和仪式反映社会。舞蹈中猫儿们出场的管道、带在头上的帽子，穿在脚上的鞋子、做拐杖用的小汤勺、被“保姆猫”詹尼安点点训练的老鼠的尖而长的头套、以及褶皱般的狗的头套，都按照猫的喜好、尺寸放大，逼真的夸张、变形，一切皆以猫眼为衡量标准。《猫》剧共分两幕，虽然两幕中的布景——废弃垃圾场的设计始终未变，但创作者对于灯光、舞台、舞蹈语言及其他多元素的选取和设计有张有弛、收放自如，给观众带来的视觉意向思维，让其意境的传递和表达推崇到一个相当的境界，则是其独到的审美和思想的体现。
二 动人心弦的听觉享受
《猫》剧共由21首歌串联而成，其中选取的音乐素材也是多样，韦伯在传统的歌剧上创新的使用了一些现代音乐元素，比如猫族出场时的古典音乐，“好奇猫”兰·堂·塔格的摇滚，“犯罪猫”麦卡维蒂的爵士，“魔术猫”米斯托的芭蕾、“魅力猫”格里泽贝拉的抒情歌曲《回忆》等等，每一次新人物的上场或者情节的变化，原有的音乐要么戛然而止，要么善用过渡，从整体上看，《猫》剧曲式虽然跳跃多元，却并非杂乱无章的拼用，而是跳出传统歌剧敦厚的乐感，融合了各种元素，形成了结构紧凑、和谐统一的风格。
第一只乐曲《Jellicle songs for Jellicle cats》在全剧总共出现了7次之多，成为了串联《猫》剧最关键的线索之一。此曲第一次在剧中出现是在《猫》剧开始杰里科猫族亮相的时候，由不同角色的猫儿演唱，以片段组成整体，把猫儿们多样化的性格表现得出神入化，同时通过音乐的渲染把《猫》剧所体现的快乐向上的精神展現的淋漓尽致。该曲的主题旋律比较单一，由单调的节奏组成整曲，但是通过在对主题旋律的反复使用中加注的诸如调性、节奏、伴奏的扩展和收缩，保持了音乐的紧密和统一，渲染出纯粹的美感，成为古典音乐在剧中的典型代表。比如从开始主题部分节奏的缓慢到中间主题部分节奏的加速渲染了一个个猫儿们亮相后聚在一起形成的舞会的第一个高潮，从独唱到小合唱最后推展到大合唱，体现了韦伯对乐曲通过交替反复推进到高潮的处理手法，这也体现了韦伯在创作时利用音乐对剧情的推进的目的。再比如曲子因舞台上部一只大靴子从天而降带来的短暂停顿，引导出的第二个八度的音区，再到后半部管风琴所引导出的与前半部旋律相异的和声所烘托的浓郁的天主教风情，以及最后回归到主题部分的形成新的高潮。
然而剧中知名度最大、传播面最广、最经典的音乐莫过于在第二幕出现的首先由“魅力猫”格里泽贝拉演绎的独唱歌曲《回忆》。《回忆》总共在剧中出现了4次，旋律优美感人，体现了“魅力猫”回忆曾经的甜蜜所蕴含的伤感的温馨，到历尽沧桑后心态回归追求简单幸福的唏嘘。剧中每一次《回忆》的出现就代表着“魅力猫”离幸福之门再近一点。《回忆》是一部三声部合唱曲，细腻的烘托了《猫》剧的主题。同时，该乐曲声调相对较简单，第一次出现的时候，以a小调为主要调式，主题一开始是一个的婉约的小调，持续了7个节拍，以“魅力猫”独唱的形式，通过细腻、悲哀及略带不安的声调展现了一个出走者渴求“家”的认同的忐忑心里。最后在确认“重生猫”人选的时候，《回忆》的再次响起则是由D大调前奏引入，先期转入降B大调，后转入G大调，最后在转到降D大调上，整个声调在众猫的演绎下，体现了不同年龄阶段的猫儿在“魅力猫”深情演绎下所带来的幸福的思考，以及心灵的震撼，这一点尤其在“魅力猫”含泪的演唱和最年幼的小猫杰米玛满含感动的演唱的对比中体现出来。因此，最后猫族合唱的《回忆》除了充满对往昔美好的追忆外，还蕴含着整个猫族的祈祷和祝福。
三 结论
无论是在影视剧作中，还是在舞台演出中，视觉感官和听觉感官的结合都是必不可少的。视觉艺术与听觉艺术的互动，两者相互渗透，相得益彰，艺术效果远远大于各自单纯的视觉或听觉上的单一呈现而产生的艺术感染力。所以说，视听结合所产生的互动效应，使得影视、音乐剧等艺术作品的感染力得到了相当程度上的放大，其对观众的心理震撼也是空前的，而且这种震撼更是观众与艺术的最高对接：让观众置身于作品所营造的情境中，融入了观众体验的审美，最终完成心灵与艺术精髓的互动，使人的精神得到升华。
参考文献：
[1] 贾秀清：《重构美学：数字媒体艺术本质》，中国广播电视出版社，2006年版。
[2] [美]托马斯·奥汉年：《数字化电影制片》，中国电影出版社，1998年版。
[3] [美]保罗·M·莱斯特：《视觉传播形象载动信息》，北京广播学院出版社，2003年版。
作者简介：吕静，女，1977—，河南郑州人，硕士，讲师，研究方向：艺术设计，工作单位：河南商业高等专科学校。
作者：吕静