想必大家在写论文的时候都会遇到烦恼，小编特意整理了一些《灯光艺术与语言艺术论文(精选3篇)》，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。[摘要]芭蕾的早期用光只是借助于原宫廷建筑物内的油灯，蜡烛，火把等作为演出照明，在这段历史时期，光只能起到照亮对象的作用。随着科技技术的发展进步，古典芭蕾的用光与表演相互渗透，融化为一体，成为创造艺术效果最重要的手段。本文就此谈谈芭蕾舞灯光艺术设计的理解和运用。
灯光艺术与语言艺术论文 篇1：
观众心理认知的综艺节目灯光设计
摘要：本文阐述的论点是基于观众心理认知的电视综艺节目的舞美灯光艺术表现力。要说明这个论点，先要说明什么是舞美灯光艺术造型以及它是如何参考和汲取其他艺术门的表现手法和艺术营养。本文将分析综艺节目中的受众的心理特征，阐述基于观众心理认知的舞台灯光设计的创新，并进行相应地探讨，以说明技术创新和观众心理及设计者的审美状态的结合是舞台灯光设计创新的关键所在。
关键词：观众心理认知 综艺节目 灯光设计 创新
由于电视艺术表现手法的飞速发展，以及它不断迅速吸收借鉴其他艺术形式，使之对戏剧、电影和文学带来了巨大的冲击和挑战，同时形成了具有电视传播自身特点的多种门类的艺术形式，如电视文学、电视电影、电视戏剧、电视音乐等等。而电视综艺节目又是这些电视艺术综合运用的集中表现，它包含了多种艺术门类的表现形式，充分使用了电子的技术手段，对各种文艺样式进行再创作，既保留原有文艺形态的艺术价值，又充分发挥电子创作的特殊艺术功能，给观众提供文化娱乐和审美享受的电视节目形态。
一、舞台灯光设计概念
“灯光是舞台的灵魂”，据说是阿皮亚说过的名言。从阿皮斯至斯沃博达，从美学宣言到艺术实践，二十世纪使舞台的灯光设计成为一种真正的艺术。光作为舞台的第四维空间，使舞台具有了灵活性和流动性。如果说舞台设计给予了造型空间新的生命，那么光线的塑造则赋予了它跳动的灵魂。光与色的结合更加丰富了灯光设计的表现形式，它是脱离于画布上的“活”的油彩，是流动的色彩。在舞台上，光线是一种语言和符号，它创造了每一个演出属于自己的气氛、象征和风格。
例如电视节目文艺晚会、电视专题晚会、电视舞蹈节目、电视戏曲节目、电视曲艺杂技节目，这些晚会的录制现场，形成了有着电视传播自身特点并借鉴于舞台戏剧艺术的新表演空间，即电视艺术的舞台。与之相伴，产生了电视舞台设计（也称电视舞台布景设计）和电视灯光设计这两种既传统又新颖的舞台造型艺术。因为电视传播自身的特殊性——应用现代电子技术对不同景物的影像进行的光电转换后，通过技术处理还原为人们每天看到的电视屏幕形象，所以电视舞美艺术的再现更具有科技性和多样性，更具有创造力，同时也给电视舞美设计提出了更高的要求。
二、综艺节目观众心理分析
（一）娱乐生活 舒缓压力
随着科技进步和信息的大爆炸，市场经济高速发展，人的生存环境日趋紧迫，很容易给人造成心理上的焦虑及生活上的压力。如果不能得到及时地渲泄、舒缓，积累过多就会导致精神疾病。此时，娱乐节目是人们完美的避风港，它可以把人们追求快乐的天性释放出来，让人们愉快地调节自己的心理平衡，舒缓压力，用欢声笑语来保持健康。娱乐节目的轻松、紧张刺激以及调侃、起哄、竞争、快乐等随便自如的形式，所引发的几乎是潜意识的心理学特征，使受众能够得到更多的精神调剂、放松、愉悦、休息和满足。娱乐节目易于被人们所接受，娱乐节目让忙碌中的人们得到宽慰与放松。由于娱乐节目足以向人们提供娱乐消遣并赢得观众的目的——这一点与广大受众的收视动机相吻合，所以在最近几年的调查中，“娱乐消遣”继“获取信息”之后升到第二位，与文艺娱乐类节目在电视台节目总量中所占比重基本相同。
（二）情感分享 追求真善
现在电视娱乐节目精彩纷呈，内容多变，一般都将受众喜怒哀乐的情感呈现在电视屏幕上。他们会采取各种策略，想法设法去征服观众，让观众陶醉其中，难以自拔，从而激发观众的火热激情与情感，使受众的感受与参与得到淋漓尽致地体验和满足。比如《非诚勿扰》，参与其中的男嘉宾会经历一系列环节，面临各种女生追问，他可以很好地尽情展现自己的风范与实力，与女生对话，与主持人互动，把自己的情感发挥到极致。自然，现场受众的一举一动、一言一行，都会对场外受众产生诱导和感染作用，他们也跃跃欲试，想去那小小舞台表现一下自我。现场受众的哄堂大笑与场外受众的欢笑时刻保持着联系，有时场外受众会比现场受众更担心，把自己想象成就是参与娱乐的一员。此时现场受众与场外受众融为一体，他们的情感夹杂在一起，引起强烈的共鸣，实现了情感由一个受众传到了另一个受众的效果，而且这样会持续下去，共同分享情感。
对电视机前的受众来说，即场外受众，投入其中和对真的渴盼是何等可贵！他们此刻轻松自在，忘记一切烦恼，同时这种投入还会造成了受众对本节目的注意，引发新一轮的期望，继续收看下一期节目。受众的参与是娱乐节目的依托，不论是上电视参加游戏﹑竞技，还是坐在电视机前观看节目，观众都会觉得节目属于他们自己，是他们表达真善美的舞台。
（三）获取信息 与人交流
新时代的到来，现代生活的节奏加快，生活方式不断出新，让人们每天都在忙碌工作和生活。即使是亲朋好友相聚也得挤时间，更何况是邻居，因而，随之而来的是人们之间的交流越来越少，沟通也越来越少。人们渴望去与别人交流，了解别人，观望世界，以及思想感情上的交流，而媒体的飞速发展，恰好给人们提供一个完美平台。人们可以借助媒体与人交流，联系外部的世界，了解周边发生身边事情；通过媒体透视百味人生，接触世事世人，表达自己看法；通过媒体获取信息，增加自己知识。
（四）角色认同 渴望成功
娱乐节目给受众以心理及情感的需要，节目受众也从屏幕上获得一种虚幻的满足。娱乐节目很容易让观众在短时间内融入节目，把自己的想象投射在嘉宾、明星名人或主持人身上，获得角色认同。节目现场气氛的活跃，现场观众的参与，台下观众的欢呼，明星变平民化，更缩小了和场外观众之间心理空间距离，使受众产生角色认同和自豪感，似乎是自己也在参加游戏，感觉自己也在和名人明星直接交流，造成我也可以成为名人的错觉。
三、基于观众心理认知的综艺节目灯光设计创新
（一）基于心理认知的情境创新设计
电视灯光设计这门造型艺术从进入二十世纪后，在高科技手段的促动下，一直以惊人的速度发展着。科技赋予了它新的生命力，先进的电子技术手段更加完善了这个既古老又年轻的艺术门类，使它自身的艺术表现形式千变万化，慢慢超越了仅仅作为舞台艺术的辅助手段，越来越具有相对独立的表现价值，从而带来了整个电视艺术的观念更新。因为电视灯光设计本身的艺术特性，搞艺术创作的人已经不满足于仅仅利用它来完成模拟自然光，而是让它真正参与到剧情的表现中去，完成对人物、情节、时间、情绪等剧情元素的再塑造，并形成一个崭新的舞台艺术空间。所以如何能更好地驾御这一具有新科技力量的电视造型艺术，让它展现更加完美的视觉效果，是我们应该去不断思考和探索的。灯光设计的创新，我个人认为应该从两方面入手：一是技术方面， 二是艺术表现方面。
单从技术方面来讲，有两个重点：一个是灯光设备的技术指标和参数，一个是技术工作流程。因为新的电子灯光设备更新换代很快，特别是随着电视产业从模拟朝着数字高清迅速转型的时候，电视灯光技术也步入了数字时代，大量的数字式电脑灯具已有完全替代常规灯具的趋势。这些电脑灯具有着近乎完美的光线强度和高纯度的三基色光的输出，并且运动频率快慢可调，故被称作“智能化”灯具。随着“智能化”灯具逐渐成为大型舞台灯光演出的主角，专业人员就必须不断学习掌握这门新技术去掌控它们。同时，新技术也被运用到了灯光技术工作的领域，操作人员需要借助专业的电视灯光设计软件进行工作，于是，灯光设计师就可以借助此项专业灯光计算机辅助设计的数字手段，把他们自己更多的想法，更多的效果加到工作中去。正如美国著名灯光设计师StanPressner所说：“好的软件就像笔和纸一样不可缺少，一个程序完成了富有创造力的舞台灯光艺术。”不过软件本身再优秀，还要需要有创造力和想象力的设计师来完成，当然，完美的灯光艺术表现也需要完美的技术支持。如著名的世界重量级演唱组合“后街男孩”的演唱会。为了保证演出质量，Valdez选择了全部是同一品牌的Martin的电脑灯具。他说，“唯一的原因就是，这种设备可靠。就修理时间和维护时间而言，这样做可以让我非常轻松，使用过程中不需要任何的修理工作”。在这场演出中，Valdez共使用了各种型号和功率的电脑灯具达150台，最终保证了这场演唱会完美的视觉效果。
灯光艺术的作用，在于揭示舞台人物的思想、情感、心灵，创造人物的精神意境，以光写情。运用光的色彩、光的强弱、光的明暗对比以及不同的光位、光影和光束……投入剧情情感的波涛之中，与表演渗透，融化为一体，且随着剧情的转变而变化，不仅为舞台景物贯注了色彩、情感和生命，更将人物丰富的心灵世界外化为有情的光、色，成为表演者的亲密伙伴。当然，在保证了高科技的设备和高素质的技术力量的前提下，我们还要追求每个电视文艺节目灯光艺术上的创新。
（二）舞美与灯光的和谐、统一
电视综艺节目舞美和灯光的创新并不单单是它们自己独立的创新，而且是既对立又统一的创新。没有灯光的舞台，是没有灵魂的舞台，正如阿恩海姆所说：“没有灯光的统一力量，我们的眼睛只能察觉物体是什么，而不是它表现的是什么。”而反过来说，如果没有了舞台美术，那么就没有了空间的创造，也就没有观众期盼创造幻想和非幻想的戏剧空间，它们两者是最终统一的，是相互借鉴和依附的。所以我认为，舞台造型艺术的创新最终的结果是它们之间艺术结合后的创新，并不是谁创造了谁的艺术。而在实际工作中，往往会出现很多错误的工作形式。在同一个综艺节目的艺术主创部门里，导演在把节目的中心意图和要表达的主旨交流给各个主创单位后，舞美部门和灯光设计部门却常常都各自“闭门造车”，当各自的艺术思想都已经成熟后，才坐在一起交流。最后出现的局面，是一方总是想让另一方按照自己艺术想法配合自己，产生矛盾后，谁也不让谁，最后使灯光舞美的艺术效果大打折扣。我认为，避免这种艺术表现上的矛盾的最好解决办法是，双方在还未对节目进行艺术创作的阶段，就在一起交流相互之间的艺术灵感和思想；在达成一个艺术共识后，再分别进行创作，不要有谁配合谁的想法，因为这是相互紧密合作的舞台艺术，是一台晚会艺术效果成功与否的基础。我们知道，舞美灯光的创新、突破，是靠他们之间紧密的艺术合作得来的，是舞美与灯光完美和谐统一的表现。
四、结尾
有时娱乐节目会插入很多感人情节，加上节目本身灵活自如的组织形式，这样不但会减弱一些演戏的痕迹，而且使受众备受真实情感熏染。主持人的现场发挥、能言善说，嘉宾的即兴表演，使受众在欢声笑语中体会到平凡生活的酸甜苦辣和生活的美好。由于上台的嘉宾会提起自己亲身经历与生活感受，受众会有不少跟嘉宾类似的经历，此时欣然接受参与，由此形成对节目的投入和真善向往，找到往日的身影。电视舞美灯光设计是年轻的艺术，同时也是综合性很强的艺术。它们之间所存在的互补性使它们有了更加伟大的艺术生命力，而维持这旺盛生命力的源泉就是创新。只要有了意识，思想，技术，科技的不断创新，那么他们将永远带给电视众的是赋有生命力的流动画面和表情达意无声而可视的美妙乐曲。
参考文献：
[1] 郭庆光主编，传播学教程；中国人民出版社；2005年5月
[2] 张红梅，电视公益娱乐节目的传播效果分析；新闻爱好者期刊，2009年4月
[3] 彭艳玲，浅析电视节目泛娱乐化现象与对策研究，期刊论文，2010年11月
[4] 李良荣著，新闻学概论，复旦大学出版社，2005年11月
（作者单位：中央电视台）
责任编辑：邰山虎
作者：徐波
灯光艺术与语言艺术论文 篇2：
芭蕾舞灯光艺术设计
[摘要]芭蕾的早期用光只是借助于原宫廷建筑物内的油灯，蜡烛，火把等作为演出照明，在这段历史时期，光只能起到照亮对象的作用。随着科技技术的发展进步，古典芭蕾的用光与表演相互渗透，融化为一体，成为创造艺术效果最重要的手段。本文就此谈谈芭蕾舞灯光艺术设计的理解和运用。
[关键词]灯光的对比运用 艺术构思 科技与艺术
芭蕾作为一门外来艺术，在中国发展已经近五十年了，她起源于意大利，兴起于法国，鼎盛于俄罗斯，由法语ballet音译而来。在国外作为最早的贵族艺术，而今已成为与其他门类艺术相通的大众艺术形式。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如阿拉贝斯（arabesque）、阿提秋（attitude）和伊卡特（ecarte）：腿部技巧：各种巴特芒（battements）——包括腿的伸展、打开以及ronddejambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及泼德布拉（portdebras）等。古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
在我国，芭蕾艺术的发展从60年代至今也同其他艺术门类一样，在众多芭蕾艺术家的推动普及发展下日趋成熟，起步虽晚，却是飞跃前进。现有中央芭蕾舞团，上海芭蕾舞团，辽宁芭蕾舞团，天津芭蕾舞团，广州芭蕾舞团，及香港芭蕾舞团。
本人作为长期参与芭蕾舞灯光创作和演出的一员，以此文谈对芭蕾舞灯光设计的体会与同行们共享。
芭蕾最早的演出主要以古典芭蕾为主，古典芭蕾以形体表演为主，同样最早的芭蕾只是作为西方皇宫贵族少数人所享受的内部宫廷艺术。它长于抒情，短于叙事。芭蕾的早期用光也只是借助于原宫廷建筑物内的油灯，蜡烛，火把等作为演出照明，在这段历史时期，光只能起到照亮对象的作用。在未出现电光源之前，主要是把蜡烛，油灯装在枝形大吊灯上，吊在舞台内上空，加强表演照明，在舞台台口放一排蜡烛或油灯，统称“台口脚光”。在经历了从油灯，蜡烛，石灰灯，煤气灯，到后来，随着科技技术的发展，1879年爱迪生发明了白炽灯，舞台照明新的时代到来了，直到当今被广泛使用的卤钨灯，气体放电灯，LED灯以及数字化照明灯具和视频影像灯具设备等，为舞台灯光的艺术照明起到了革命性的变化。同样芭蕾的灯光艺术和其他形式的灯光艺术一样都在同步发展，只是保留了自己的灯光艺术特色。对于古典芭蕾的用光，我个人认为主要是用写意的手法{非写实戏剧）来处理，追求意境和韵味，就像灯光大师阿皮亚所说“我们不要去创造森林的幻觉，而应创造出与森林气氛中的人的幻觉”。用灯光来揭示戏剧人物的思想，情感，心灵，创造人物的精神意境，以光写情，运用光的色彩，光的强弱，光的明暗对比，以及不同的光位，光影，光束，投入到戏剧情感的波涛之中，与表演渗透，融化为一体。舞台灯光创造艺术效果最重要的手段，就是光于色的结合，在演出中舞台灯光存在于空间和时间，往往与演员的表演，音乐的节奏具有同一性质的艺术感染作用。具体设计时用大的气氛光和小的效果来处理，用大的气氛光表现剧情发生的时间，地点，等要素，用效果光提示剧情的特殊起伏和特定表演，在表现剧情基调的情况下，古典芭蕾首先有足够的光照度让观众看清演员的表演。比如古典芭蕾大家熟知的《天鹅湖》，《吉赛尔》，《舞姬》等。在我团演出的古典芭蕾《天鹅湖》中，一幕宫廷花园和三幕皇宫内，都是在演区铺大的环境光，一幕是用铺满舞台的柠檬黄和白色亮光，用成像灯投出树影效果，结合舞台四道树林布景，使观众一眼就看出是在宫廷外的花园里，三幕是用琥珀色铺满舞台，四道边沿幕是宫殿式的画廊和宫廷柱，每当随着音乐大幕打开，辉煌的宫廷舞会场景展现在观众眼前。二幕和四幕是天鹅湖畔的夜晚，整个舞台全是在802深蓝色和804原色蓝的月光下，结合背景的湖畔和用水灯投射在布景湖面上的水波纹，整个场景安静而唯美，而当天鹅出现和魔王出现时用特殊效果光来提示和处理戏剧冲突。我看过很多国内外版本的《天鹅湖》对于用光几乎雷同，都是传统或者此固定模式的用光。我随团访问过法国，英国，俄罗斯等国家，他们的古典芭蕾用光都是这种传统模式，即使是使用了现代灯具，舞台效果同样不花哨，不喧宾夺主，非常的雅，会让你看的很入戏，我想这就是古典作品的魅力所在。
而随着现代社会的发展与进步，各个国家在保留了古典芭蕾的同时，又出现了各个国家的民族芭蕾。在我国同样在继承国外古典芭蕾的同时，又在创作自己的民族芭蕾，继承和延伸了芭蕾艺术。比如大家熟知的《红色娘子军》，《白毛女》，《梅兰芳》，《二泉映月》，《梦红楼》等，这类民族芭蕾的用光，就打破了古典的传统模式，所有的灯光设计者对于作品都是用自己对本民族的色彩出发，用自己的民族的灯光艺术创作来处理，加入本民族的设计元素及艺术构思，所以这些民族舞剧都深入人心成为佳作，适应了现代人的艺术欣赏需求，我想这也是芭蕾艺术跟现代社会在同步发展，成为现代人的精神食粮。
在我团演出的民族芭蕾舞剧《梦红楼》中，使用了大量的现代灯具，电脑图案灯，染色灯，用大批回光灯做逆光和侧光，加上换色器，应该说是现代灯具和传统灯具结合使用的佳作。因为这个戏的剧情就是用现代思维解读古典的一部艺术作品。从开场现代青年进入梦境，台口用写实的光表现都市气氛，而在纱幕后出现了梦境中的十二衩，用十二台电脑灯用不同的颜色照在十二名演员身上，慢慢随音乐转动，不断变换色彩，把梦境中的意境表现的淋漓尽致。在“恋玉”一场，用常规灯铺满全场的绿色和电脑灯黄色的树影图案互相搭配，这样的传统灯具与现代灯具的完美结合非常唯美，表现了宝玉和黛玉的青涩爱情，同时用电脑灯铺满舞台的光影效果，和做定点处理，使观众沉浸在浓浓的剧情里。在婚礼一场，整场处在橙红色调中，表现了结婚的喜庆。而当“拷玉”时电脑灯的逆光三基色浅蓝色逆向舞台，舞台上放些淡淡的烟雾，把观众直接带入沉重的悲伤情节气氛中。而国外设计者设计婚庆场面大都是用浅色调或者白色代表婚礼，我想这就是带有民族色彩的设计手法，这就是民族芭蕾的特点所在。
随着现代社会日新月异的发展，古典芭蕾和民族芭蕾已不能满足现代人的精神需求，现代芭蕾应运而生。19世纪末期，欧洲古典芭蕾单纯追求形式与技巧的倾向越来越严重，不仅影响整个舞蹈艺术的发展，而且也阻碍其自身的发展。内容与题材仍旧停留在神话传说、王子公主的范畴之内，与现实生活的距离越来越大，成为舞蹈反映社会现实生活的巨大障碍。为了摆脱芭蕾对人的束缚，解放人性，正是处于这种危机中，现代舞便应运而生。
美国舞蹈家邓肯打破了古典和传统，现代芭蕾作品产生了。现代芭蕾的用光，突破程式化，可以用不同的光亮，光色及光位来表现，用贴近生活的表演和用光来表现作品，自然，亲近，洒脱的情感基调和自由的服装、灯光、音乐的渲染下，使舞者的躯体动作，内心情感，心理状态和灵魂境界相统一，以外在的动作将灵魂语言淋漓尽致抒发和挥发的一种舞蹈艺术。成为古典芭蕾和民族芭蕾的突破和延伸。
其实，灯光设计构思包含艺术与技术两方面的思考，而艺术构思则是设计的重要基础，灯光设计者一定要有较好的艺术构思，光的照明价值就在于它的艺术性，它是二度创作中的一种再创造的艺术手段。从事戏剧工作的人对二度创作的概念都很明确，工作内容与方式也很熟悉，在二度创作中无论是演员，布景，道具，服装，化妆等创作部门的前期工作所创造的形象，还只是他们的本体创造，没有在灯光下综合之前，他们的创造还只是不统一的本形原体，只有当他们在舞台灯光下综合起来，将各种创作元素融合成一个整体，呈现在观众面前时，才算完成了形象创造的任务，舞台灯光就是在这最后阶段发挥着多种作用，把那些不统一的物质原型统一在一个整体中，组织与剧情有关的灯光变化，甚至像音乐那样，连续的穿凿空间气氛，控制演出情绪，这种艺术活动现象实际上是为二度创作进行最后的再创造。所有的灯光设计不但要掌握熟练的灯光技术，更重要的是有较好的艺术修养，特别是对文学，戏剧，音乐，舞蹈等方面的修养。随着当今时代的发展，舞台灯光设计的知识面，已拓展到戏剧心理学，观众心理学，社会学以及建筑，绘画中的观念形态方面的研究。此外，还有材料工艺，计算机运用等领域的研究。舞台灯光设计不仅要有广博的艺术方面的修养，还要有较扎实的技术功底，特别是对于光，色，灯具，调光等方面的艺术功能要很熟练，因为这是灯光设计最基本的技术手段。当今是高科技迅速发展的时代，舞台灯光艺术处理，已经不能简单地凭艺术灵感创造新艺术。必须懂得新技术的运用，甚至熟练地掌握。只有驾驭了这些物质设备，才能驰骋于舞台空间。
近年来我国的戏剧艺术发展的突出进步和变化是在舞台美术方面，而其中最突出的发展则是灯光设计的进步，首先体现在技术方面，各种新型灯具，控制设备和传输技术的划时代进步，其更新速度已经使许多表演团体单位应接不暇。这对戏剧以及其他表演艺术所产生的重要影响，已经不仅仅是在大大的丰富了艺术表现手段，而正如武器的更新使现代战争与传统战争要领发生了质的变化一样，灯光等舞台美术因素的技术发展也正在给戏剧艺术带来了这种质变，灯光设计已经是当今戏剧艺术不可或缺的重要手段之一，我们从灯光的形式就能够辨认出某个戏剧作品演出的时代特征。如果设计者仅仅是对新技术的运用还不能就说是一个艺术家，把这一技术作为自己的实现艺术理想的手段，才可能是一个成熟的灯光设计艺术家。
就本人多次随团出访国外演出之所见，对国外和国内的设计者处理灯光做了一些不同的对比，比如在色彩方面，国外设计者比较注重淡雅，大亮和大色块及对比强烈的较少，而国内的设计者都比较注重浓墨重彩，这可能跟每个民族的文化背景不同和对艺术的不同解读所造成。
结语
中西方的不同美学观对舞台灯光有着重要的影响，不同地域，不同历史文化，不同的观演建筑，绘画美术观念，相互影响，相互借鉴，融合共通，使得中西方舞台演出艺术的呈现方式各具特色，使舞台灯光艺术呈现多元化趋势。但是我想不论何种设计方式只要深入人心，成为当今大众文化的精神支柱，就是成功的艺术。只有互相对比互相借鉴，才能促进我们所从事的灯光艺术同现代社会发展一样更加进步更加和谐。时代在前进，科学技术在不断更新，艺术是需要创新的，而创新则是无限的，没有创新就不可能诞生新的艺术。愿我们携起手来为我们所钟爱的舞台灯光艺术而共同努力。
作者：刘清
灯光艺术与语言艺术论文 篇3：
浅谈舞台影视灯光的技术与艺术之美
【摘 要】 探讨舞台影视灯光技术与艺术之间的关系。
【关键词】 舞台影视灯光;技术;艺术;灯光设计
Briefly Analysis of the Relationship between Technology and Art of Stage Lighting
JIANG Zhong-hong
（Hubei Media Group， Wuhan Hubei 430051， China）
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艺术以感性的方式认知世界，技术则以严格无误的理性推理去指导实践。舞台影视灯光作为一门视觉艺术，既有技术的本源，又有艺术的强大表现力。本文主要探讨舞台影视灯光的技术与艺术之间的关系。
1 灯光技术与艺术的关系
文艺复兴以前，科学与艺术在观念上基本浑然一体，人们对于自然、人、社会、艺术的价值认识多半只停留在数字、均衡、比例等理性认识和神秘、博大、欢快等感性认识上。随着现代科学的出现，许多技术由科学实验的社会化逐渐转化而来，由此使技术与艺术分离开来。技术作为物质生产的手段，通过物质交换来改造自然，创造出人的生存条件。另一部分技术则为满足人的精神需求而存在，其功能发生了转变，所产生的形象是自身功能的感情呈现。舞台影视灯光早期的演变也遵循这样的发展规律。
作为灯光设计者，应该同时具备对科学符号和艺术形象的综合感知能力、理解能力以及创造力。舞台影视灯光之所以在戏剧舞台中发挥着越来越重要的作用，不仅因为它借鉴了其他艺术形式的优势，关键在于它始终与技术保持着最紧密的联系。灯光技术的不断发展，带来了舞台视觉的创新。
首先，影视舞台灯光艺术呈现给人们的是一项技术。另一方面，灯光技术的转折性意义是改变了人们的生活方式，即灯光的照亮功能，是实用的价值，而不是艺术创作。
其次，技术进步是灯光艺术发展的重要推动力。技术每一次质的飞跃，使灯光艺术呈现的活力越来越强，选择的手段也更多，也即是灯光作为模仿自然光效的能力——再现功能越来越强。
第三，技术进步是灯光艺术创造新的影视舞台空间的前提条件。显然，灯光如果停留在卤钨光源的时代，就没法创造出气体放电光源时代的视觉效果;而材料、电子、机械等技术的进步，LED光源的发展也会带来新的空间效果，它与气体光源的特性表现并不一样。
第四，高科技给灯光艺术带来巨大的影响，如影像多媒体技术。影像多媒体系统其实就是一种特殊的灯光设备，它的发展给演出带来了前所未有的变化。
第五，技术发展不仅丰富了艺术家的创造力，也形成了新的创作理念。新技术一经出现就会活跃灯光艺术家的创作思路，如十年前窄光束光源的应用给灯光艺术带来了表现形式的创新。
总之，“青出于蓝而胜于蓝”是技术发展的基本规律。舞台影视灯光艺术在追求美的道路上也有规律。
首先，追求简约、大气的光影之美。有光就有影、光影不离、光影相随，光太杂乱其影就会杂乱。所以，灯光设计力求简洁，只有简洁才能大气，光影关系也会简洁大气。
其次，创造出高度服从内容的灯光形式之美。灯光形式之美，是舞台美术与影视布景的不同形式和灯光设计形式的一种融合。从本质上讲，它带有强烈的个人主观色彩，是灯光设计对人类的审美经验、人生的哲理所做出的构架。以下列举几种主要的形式美法则。
（1）单纯齐一
单纯齐一是最简单的形式美。在单纯中见不到明显的差异和对立的因素。单纯能使人产生明净、纯洁的感受，齐一是一种整齐的美。灯光设计中经常使用这一法则，在反复中体现一定的节奏感。
（2）对称均衡
“对称”是指以一条线为中轴，左右（或上下）两侧均等，它与“单纯统一”有点不一样，既是左右相向排列，也出现了方向、位置上的差异。对称具有安静、稳定的特性，它可以起到衬托中心的作用。均衡的特点是两侧的布局不必等同，它较对称有变化，比较自由，也可以说是对称的变体。这一法则在灯光设计中使用得多，灯光的设计布局和色彩的运用大多遵循这一规则。
（3）调和对比
调和与对比反映了矛盾的两种状态。调和是在差异中趋向于“同”（一致），对比是在差异中倾向于“异”（对立）。调和是把两个相接近的东西相并列，例如，色彩中的红与橙、橙与黄、黄与绿、绿与蓝、蓝与青、青与紫、紫与红都是临近的色彩。在同一色彩中的层次变化（深浅、浓淡）也属于调和。调和使人感到融和、协调，在变化中保持一致。对比是把两种极不相同的东西并列在一起，使人感到鲜明、醒目、振奋、活跃，在色彩中，红与绿、黄与紫、蓝与橙都属于对比色。“万绿丛中一点红”就是绿与红的对比，黑与白也是一种对比。运动与静止、形状的大与小、质感的粗糙与光滑，这种对比手法在灯光设计中非常普遍。
（4）比例
比例是指一件事物整体与局部以及局部与局部之间的关系。在从事创作时如果不能正确掌握比例，往往会产生不协调、不真实、不舒服的感受。比例的美感来自于人本身的尺度，在舞美与灯光的协作中，比例关系也是经常面临的问题。
（5）節奏韵律
构成节奏有两个重要关系，一是时间关系，指运动过程;一是力的关系，指强弱的变化。灯光的节奏韵律在舞蹈表演中随着演员的高潮起伏做相应的变化，时而舒缓、时而紧张、时而跳动、时而平和。
（6）多样统一
多样统一是形式美的高级法则。多样统一所产生的整体效果也就是和谐。多样统一是客观事物本身所具有的特性。事物本身的形具有大小、方圆、高低、长短、曲直、正斜;质具有刚柔、粗细、强弱、润燥、轻重;势具有疾徐、动静、聚散、抑扬、进退、升沉。这些对立的因素统一在舞美与灯光的视觉呈现上，形成了和谐之美。在舞美造型中大与小的对比、高与低的对比、宽与窄的对比、明与暗的对比、繁与简的对比、动与静的对比、方与圆及曲与直的对比中产生着多样统一的细节之美。
怎样才能达到多样统一，而又不致产生杂乱，需要考虑好舞美与灯光的主从关系和生发关系。即使再复杂的样式，也能形成规律、有序。高明的艺术家不是把形式法则看作凝固不变的东西，而是善于根据创作的具体要求灵活运用形式法则。
2 灯光技术与艺术的差异和联系
灯光是一门技术化的艺术，每次技术化革命都曾引起灯光形式的根本改变。惊心动魄的视觉冲击、别开生面的新颖技术、花样翻新的表现技巧，都来源于一次次的技术革新。而令人因惑的是，在每一次革新的转折时期，真正有艺术水准和审美价值的灯光作品并不多。灯光技术与灯光艺术之间的差异与联系，使得人们有必要进行认真的思考与研究。
在灯光领域，没有技术的艺术是空中楼阁，没有艺术的技术是死水一潭。唯有设计者也只有设计者才能把艺术与技术联系起来，将二者融为一体，让艺术被完美呈现，让技术被合理使用。在这个过程中，既有灯光技术为主题表达的需要作出调整，也有灯光艺术为技术应用而作合理的更改。
灯光设计艺术重视的是光的视觉和情绪、寓意，而灯光技术部分则涉及材料、电子、机械、光电等专业学科。灯光艺术立足于美丽的想象，技术却基于实实在在的元器件组合和软件编程。按常规的角度衡量，艺术一直是以建立幻象去触发激情的行為，而灯光技术一向是门精确的学科。尽管这两者看上去似乎大相径庭，但它们之间却以一个共同的基点确定地联系在一起。灯光设计中的技术与艺术可以看作是用来把握无尽变幻的灯光视觉效果的两只螯钳，当两者结合在一起，会带来以诧异开始、以大悟而终的更一体化的认知。
同其他学科一样，灯光技术工作者致力于将“设备”分解成组件，以分析各个组件间的关系，而灯光艺术家则经常将实在的若干不同的方面联系在一起进行综合考虑。艺术与技术是相通的，艺术工作者会使用技术手段去丰富艺术内涵，而技术人员也会采纳艺术工作者的意见。
灯光艺术与技术在各自领域中有独立的语言表达，它们各自的符号库不一样。值得注意的是，在其中一门学科中出现的不少词语，也会被用于另一门学科中，诸如“时间”“体积”“空间”“力量”“光”“色”……这些常常被艺术家提到并进行表达与交流的用语，也时常出现在灯光技术交流的领域中。正因为如此，创新的灯光视觉艺术与开先河的灯光技术都试图对某些尚未形成的固定视觉符号作出阐述，而在此之前，这些视觉符号很少被局外人理解，这正是技术与艺术结合、创新的可贵之处。
3 灯光技术与艺术共同的认知及探索
空间、时间、光是灯光技术与艺术工作者深感兴趣的三个方面。对技术人员来说，其研究对象主要是空间、时间和光，但很少有人去研究光的阴影。而对于灯光艺术来说，空间、时间、光与影是无法回避的，是艺术中的真正主题。对于灯光来说，空间其实是黑的，灯光设计者应该具备蝙蝠一样的特长，在黑的空间里游刃有余。在艺术领域，时间、空间、光的概念趋于心理感受，特别是舞台灯光领域讲究的是时空的概念，空间与时间是相反的一组坐标，当二者通过表演者和机关布景的运动相结合，便形成更高一级的时空维度。在舞台上的时间和空间，不再是恒定的、绝对的与分立的。由于光的参与，舞台上的色彩不再是物质自身所携带的属性，物体与观测者之间光的变化也决定了舞台上色彩的形成。
19世纪下半叶以来，东西方对于空间、时间和光在理解上有微妙的不同。对西方来说，空间就是一种抽象的虚空，它不会影响存在其中的物体的运动，由于空间就是虚空，因而空间中便不能产生任何东西。直到19世纪80年代之前，西方的舞台美术家一直孜孜不倦地在舞台空白处填充各种“东西”，如墙壁、壁炉、远山、森林、山水、天空……对西方舞台美术来说，艺术应有所表现。
而东方的舞台美术则有所不同。有与无，即实体与空间，是互为作用的，没有空间就不能发挥实体的功用。戏曲中的“一桌二椅”就是典型的东方主导地位的哲学，即空间就是莽荡，认为这莽荡中孕育一切。因此，在传统戏曲舞台上大块的空的空间，便是这一观念的直接体现。西方的空间是各向同性的、恒定不变的，也就是惰怠而死寂的。东方人则认为空间会变化，也就是动态的。
4 灯光艺术与技术的融合与发展
在舞台影视灯光艺术中，艺术与技术的矛盾从来没有像现在这般激化。技术的高歌猛进和艺术的徘徊不前，技术与艺术界限的混淆，使得人们的困惑与迷茫与日俱增，艺术与技术到底谁主沉浮？艺术只有与人的现实生活拉开距离，才会给人带来审美感受。灯光艺术的大众化和通俗化越来越普遍，技术的高度发达使形形色色的灯光艺术变相地传播流溢于世，其实形成了一种“光污染”。要在技术日新月异发展的前提下，设计出“有别于生活化”的灯光艺术，确实是对当下灯光艺术领域的一种普遍性考验。
技术与艺术的融合本身就是一种创新方式，这种方式会衍生出更加具有智慧的艺术之美;这种方式会创造出更加符合时代的要求、让人们无法抗拒的科技之美。
作为灯光设计者，直接参与整个视觉艺术之初创阶段的文学构思、画面设想、空间设计和主创阶段的人物形象造型、环境再现、气氛烘托等艺术创作的全过程。在整个过程中，灯光一直发挥着自己的作用，使用各种手段以实现艺术形象的塑造，这些作用始终与灯光技术是分不开的。而只要灯光设计这门专业存在，这种技术与艺术的相互依存关系将一直存在，而且是互为发展的存在。
作者：江中鸿