评职称或毕业的时候，都会遇到论文的烦恼，为此精选了《基于生态观视野的音乐教育论文(精选3篇)》，希望对大家有所帮助。摘要：音乐教育是幼儿教育的重要科目，是实施美育教育的主要途径。幼儿园音乐教育要还原幼儿对音乐本原的理解，回归幼儿的实际生活。生态观视野下的幼儿音乐教育与传统的幼儿音乐教育截然不同，它更侧重于发挥教师、幼儿与音乐课堂三者的相互作用，从而实现提高幼儿的审美能力和综合素质。
基于生态观视野的音乐教育论文 篇1：
生态观视野下的音乐教育研究
摘要：生态观视野下的音乐教育是一种全面、协调、系统、可持续发展的教育方式，能更好的探求音乐教育的走向与本质，促进学生的全面发展。当前我国的音乐教育中存在诸多问题，对音乐教育的认识和重视程度不够，教育方式过于死板，与家庭和社会脱节。生态观下的教育是客观、系统、整体、能动、可持续发展的教育。要发展生态音乐教育要立足本土，符合我国国情，追求生命真谛和发展多元化音乐，实现我国音乐教育事业的长远、健康发展。
关键词：生态观 音乐 教育
生态学是研究存在于环境与生物中的各种因素相互作用、相互联系关系的一门科学。生态观是一种深层次的、广义上的价值观。在生态观视野下进行的音乐教育研究是在一种开放性的、包容性的态度下，汲取生态学与生态教育学中的研究教育方法，以其独特的视角，进行的一种音乐教育研究。
生态观视野下的音乐教育是一种全面、协调、系统、可持续发展的教育，目的是促进学生的全面、健康发展，更好的探求音乐教育事业的走向，为我国音乐教育事业开拓一种新的教育理念。
一、当前音乐教育中存在的问题
对音乐教育的认识和重视程度不够。在我国学校教育中，从小学教育就开始设置音乐课程，但是面对当前我国的应试教育，教师、学生、家长都普遍重视考试成绩的高低，音乐、体育、美术等课程的设置成为陪衬，有的甚至成为摆设，沦为可以被随时占用的“自习课”。另外，受当前教育形式的影响，音乐教育多是一种技术性的学习方式，学习音乐多为了升学或考级，而不是真正的追求音乐的真谛和弘扬音乐文化。
音乐教育方式机械化或散漫化。随着时代的进步和我国教育事业的不断发展，应试教育中的弊端日渐突出，在音乐教育等情感教育学科中表现尤为突出。音乐教育成为一种被动的学习，教师不断地灌输，学生被动的接受和机械的练习，从而来应对国家的等级技能考试。有的学校音乐课程成为摆设，音乐课上教师散漫的应付课程，学生学不到任何音乐文化知识和技能，更有甚者，音乐课程成为随时被调用和占用的“自习课”，根本达不到音乐课程设置应有的教学效果。
音乐教育与家庭和社会脱节。学校、家庭、社会是学生生活的重要组成部分，除了在学校上课时间，学生在家庭和社会生活中同样接触到形形色色的音乐文化。音乐是艺术的一种，源于生活，又高于生活，当前中国的音乐教育多停留在关注学校教育的层面，把音乐教育融入到家庭和社会生活的过程，任重而道远。
二、生态观视野下教育的特点
系统性。生态观视野下的音乐教育是一个教育生态系统，这个系统中的各个主体、环境相互联系、相互作用、相互影响。在处理教育问题时，要做到用系统的、全面的、发展的眼光去看待问题，追求整体的和谐、统一和可持续发展。
能动性。教育的主体是人，人具有主观能动性和社会性。在学习和受教育过程中，不是被动的接受教师灌输的各种知识，而是运用自身已有的知识去构建新的认识和知识。因此，在音乐教育过程中，应尊重主体，充分发挥其主观能动性。
客观性。同自然界的万物一样，人的一切活动都离不开自然范畴并受自然规律的约束。在教育中，只有教育观念和理念符合自然界的客观规律、符合人类社会发展的客观规律，才能更好地实现教育的最终目的和意义。学生生活在学校这个大社会中，学生的发展要遵循人類社会发展的客观规律，才能全面发展。生态观视野下的音乐教育，要求充分尊重学生主体的个性差异，在音乐教学中做到因材施教，充分发掘学生的潜质；另一方面，尊重教师的个性差异，充分调动其积极性，以便更好教学。
三、生态观视野下的音乐教育
生态观视野下的音乐教育应立足本土，符合我国国情。中华民族拥有五千年的文明和历史，民族音乐文化的发展也源远流长，极具中华民族特色。在音乐教育中，首先要对本民族的音乐文化有一定程度的了解和认识，另外要对中国的国情有正确的认识，只有这样才能创造出有内涵的音乐文化。我国为社会主义国家，崇尚民主与科学，我国的音乐教育必须要符合社会主义初级阶段的国情，要有正确的世界观、人生观和价值观，传递令人向上的正能量，培养学生正确的价值取向，这样的音乐教育和音乐作品才能源远流长。
在经济和社会发展日益全球化的当今社会，我国的音乐教育应与世界接轨，倡导和发展多元化的音乐文化和音乐教育。音乐课程的开设不仅是要培养学生对音乐的欣赏水平和对音乐文化认知。还应增加对包容性多元文化的理解、认知。了解和学习来自不同国度，不同民族，不同文化背景下的音乐文化作品，有利于拓宽学生的视野、提升学生的音乐鉴赏水平和其对多样化世界文化的认知，提升学生的人文素养，使其身心全面发展，真正达到生态观视野下音乐教育的目的。
音乐要求追求生命的意义与真谛。音乐中蕴含着浓厚的情感，能给人们带来情感的享受与共鸣，指引人们寻找生命的意义与真谛。在音乐教育中，教师要让学生学会音乐技巧和音乐品鉴能力，生态观视野下的音乐教育更是要让学生能够学会和领悟到音乐背后所表达的情感，体会音乐真正的价值与生命力。
四、结语
当今社会逐步发展为生态文明社会，社会的主旋律是全面、协调、可持续发展。生态观下视野下的音乐教育应当顺应时代和社会的发展，在生态观的视野和思维下重新审视和完善我国的音乐教育体制和方式，同时不断地学习、批判与自我批判，完成我国音乐教育体制的构建，培养全面发展的人才。
参考文献：
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[3]王喆，李婷婷.基于生态式教育观下的音乐教育[J].音乐探索，2011，（02）.
作者：张洁
基于生态观视野的音乐教育论文 篇2：
生态观视野下的幼儿园音乐教育活动的设计与实施
摘 要：音乐教育是幼儿教育的重要科目，是实施美育教育的主要途径。幼儿园音乐教育要还原幼儿对音乐本原的理解，回归幼儿的实际生活。生态观视野下的幼儿音乐教育与传统的幼儿音乐教育截然不同，它更侧重于发挥教师、幼儿与音乐课堂三者的相互作用，从而实现提高幼儿的审美能力和综合素质。由于我国部分幼儿园的音乐教育理念仍然相对滞后，从而制约了生态观视野下的幼儿园音乐教育活动的设计与实施。基于此，文章结合幼儿园音乐教育活动案例，提出幼儿音乐教育活动设计的一些有效策略，为幼儿园音乐教师提供参考。
关键词：生态观视野;幼儿园;音乐教育活动设计
一、引言
生态观视野下的音乐教育具有显著的综合性、整体性、全面性和发展性等特点，相比传统的音乐教学来说更加注意幼儿的全面发展，也是我国全面推行素质教育的具体体现。生态观视野下的幼儿音乐教育将幼儿园各学科与音乐学科进行融合渗透，让幼儿与音乐教师之间的关系更加和谐，让幼儿更加积极主動地参与到音乐活动中，以“玩”的形式进行音乐学习，充分发挥榜样的引领作用，从而促进幼儿审美能力的全面提升。生态观视野下的音乐活动将各门学科互相连通结合，充分将幼儿的听觉、视觉、触觉、感觉通过音乐活动进行连通，使幼儿通过不同感官对音乐进行学习，促进幼儿身心健康全面发展。
二、音乐教育活动的设计要能够吸引幼儿积极互动参与
音乐是一种长期积累形成的特殊文化形式，具有一定的娱乐性和体验性，不同的音乐作品中往往包含了不同时期不同作者及当时的人对社会和文化的理解，一般包括个人喜好、社会流行、道德水平、政治思想等多种综合维度。在幼儿音乐教学活动中，可以开展集体音乐活动，让幼儿能够通过合作来共同完成教学目标，也可以让没有掌握的幼儿向优秀幼儿学习，在这个过程中并不是要求幼儿必须学到音乐知识，而更多的是提升幼儿向他人学习的能力和与他人沟通的社交能力。从而使得幼儿音乐教育活动真正实现生态化，让幼儿在获得音乐知识的同时也获得了自身的综合发展。幼儿音乐教育，不仅是让幼儿会唱、会舞，更多的是让幼儿具备艺术修养和文化素养的良好基础。在特定的文化背景下，幼儿学习音乐时的传递过程往往会让幼儿的学习能力大大增强，其实就是得益于他们之间的互动参与。因此，在生态观视野下的幼儿音乐教育活动设计中，音乐教师要多设计一些幼儿互动参与的环节，多为幼儿提供互相探讨学习的时间，让幼儿有表达自我的机会，在互动过程中不断提升与发展自我。
例如，在童谣《小狗抬轿》的教学中，教师可以配以幼儿比较熟悉的音乐旋律，让原歌曲变得活泼有趣，从而让幼儿喜欢学习音乐歌曲。由于此歌的歌词情节性很强，因此教师在设计时可以利用情节相符的图片让幼儿进行排序，帮助幼儿更好地理解和记忆歌词，通过让幼儿反复参与排序过程，潜移默化地使幼儿能够感知音乐的旋律，从而使得幼儿能比较轻松地学会歌唱，还可以通过做表情、摆动作、表演等多种形式让幼儿进一步互动，参与其中，在轻松愉快的互动交流中感受音乐的快乐。
三、在幼儿音乐教育活动中合理应用多种教学方法
（一）整合渗透教学法的应用
在生态观视野下，幼儿园音乐教育活动设计与实施要合理地应用整合渗透教学法，将五大领域的课程内容相互融合、渗透，利用幼儿园各学科内容之间的相互联系，发挥其相互作用。音乐教育是幼儿德育的重要内容，音乐是我国文化的重要组成部分，因此音乐中蕴含着丰富的文化内容。所以幼儿园的音乐教师在设计课程时，要提前对音乐作品中所蕴含的时代背景以及文化元素进行分析总结，再根据作品中含有的文化知识进行归类，最后根据所含有的学科知识进一步与其他学科进行渗透教学，从而更好地发挥音乐教学的渗透作用和传播作用，让幼儿通过音乐教学能够逐步掌握丰富多样的的文化知识。在组织幼儿学习音乐的过程中，不仅可以让幼儿学习音乐知识，而且可以让幼儿通过感受歌曲雄壮有力、轻快活泼等不同风格的韵律，来体会歌曲所表达的浓厚情感，还可以鼓励幼儿根据音乐歌词试着编一个音乐小故事，互相讲述。
例如，在完成歌曲《表情歌》的教学后，可以让幼儿仿编歌词，仿照“我高兴”改编成“我……我就……”，鼓励幼儿大胆进行仿编;在教授歌曲《欢乐颂》后，可以带领幼儿一起朗诵诗歌《欢乐颂》，让音乐与文学互相渗透，使幼儿在音乐课程中不仅能获得音乐的乐趣，又能感受到文学知识的魅力。这样整合渗透的教学方式，不仅可以让幼儿对音乐文化更好地学习和记忆，还能让幼儿德育和美育都能够达到良好的教育效果。
（二）游戏教学法的应用
艺术来源于生活，产生于生活。艺术和游戏在幼儿时期是难以分清的，如幼儿在玩角色扮演的游戏中，到底是在进行戏剧表演还是在进行角色扮演很难有明确的界限，所以，可以说：艺术本身也就是一种游戏，二者之间是共通的，它们的共性很多，都具有一定的创造性、主动性和社会性。幼儿在参与艺术活动和游戏活动的过程中，都会有一种十分忘我的趣味体验。“玩”是儿童游戏的核心，是忘我的、自由的和非功利性的，正是艺术表现的最好状态。音乐活动是幼儿表达思想情感的重要方式，一般通过肢体、声音和图画等艺术形式在“玩”中表现出来。
例如，在用积木“过河”的游戏中，幼儿走、爬、跳、滚、跑等不同肢体动作的展示，既是在游戏也是在表演。在生态观视野下，幼儿音乐教学活动需要将唱歌、演奏、律动、歌舞等转换成幼儿感兴趣的“游戏活动”，让幼儿在“玩”的过程中将音乐表达出来，快乐学习。例如，在《快快起床》的教学中，幼儿园的音乐教师可以先让幼儿欣赏歌曲，然后让幼儿把歌曲中唱到的东西所对应的照片找出来，再根据其在歌曲中出现的顺序进行排序，为之后音乐教学中的“轮唱”这一难点做准备。通过不同照片图集，让幼儿来学习轮唱，就能很好地激发幼儿的学习兴趣，让幼儿在“玩”的过程中慢慢学会轮唱。
（三）情境式教学法的应用
在幼儿音乐教育活动中，情境式教学是一项非常有效的教学途径。情境式教学是根据幼儿当前的思维发展特点，合理地运用学习情境的方式来完成的，通过一些生动有趣的情景设计，巧妙地设计一些问题，从而更好地引导幼儿在音乐学习中积极探索和思考。在情境式教学中，音乐教师要紧密结合幼儿现有的社会生活经验，创建一些幼儿喜闻乐见的生活情境，从而激发幼儿学习音乐的热情和兴趣。在音乐活动中，设计教学情境能够让幼儿“无障碍”地参与到音乐学习中来，也能更好地为幼儿音乐感知奠定良好的基础。音乐课堂的情境式教学，既要通过音乐活动的情景模拟来引起幼儿的好奇心，又要让幼儿通过“故事”更加深刻地掌握音乐作品的基本内容。在进行音乐教学时，教师可以开拓与创新丰富多样的情景来激发幼儿的学习熱情和兴趣。
例如，在音乐游戏《小猫敲门》的音乐教学活动中，音乐教师可以先在课上模仿猫和老鼠的叫声、走路姿势等形态特征，来引起幼儿的注意，然后再让幼儿充分发挥出想象力，分组来扮演猫和老鼠，从而提高幼儿对音乐形象的情感表达能力和理解能力。教师还可以在幼儿表演过程中，鼓励幼儿跟着音乐歌曲一起唱，促使幼儿能获得最真实的音乐情感体验，激发幼儿的音乐学习热情。
（四）榜样示范教学法
模仿是人的本能，也是人类向外界学习的主要方式。亚里士多德说过，人先天就具有音调和节奏感，因此人先天就具有模仿的本能。所以，不管是人类技术的发展，还是幼儿的发展，往往都需要通过模仿外界来实现自身的不断发展和进步。《3～6岁幼儿发展指南》中也明确提出：鼓励儿童在感受和体验基础上的自发模仿。自发模仿的状态就是幼儿通过观察来进行一定的模仿性学习，所以在生态观视野下设计幼儿音乐教学活动也可以充分发挥榜样示范作用。在课堂上，教师要注重发挥榜样示范作用，并且要及时对幼儿进行纠正和引导，必要时可以进行动作示范，让幼儿跟随教师进行模仿练习，从而提升幼儿的音乐素养，同时还要让幼儿学习歌曲中歌颂的英雄人物和榜样模范的精神品质。
比如，在教学歌曲《小树叶》时，音乐教师可以采用歌曲、身体动作、打击乐器等多种途径和方式组织幼儿模仿风中的大树和小树叶，以分角色进行扮演为基础，引出“大树妈妈在秋风中会对树叶宝宝说什么呢？树叶宝宝会怎么回答大树妈妈呢？”等问题，以引导幼儿把音乐作品的情景引入自身的家庭情感环境中，在角色扮演中体验大树妈妈对小树叶的爱护和关心，学习小树叶的“榜样精神”，让勇敢、自信等的品质逐步渗透到幼儿成长过程中。在教学过程中，教师还可以以幼儿为例子，赞美和表扬幼儿乐于助人的事例，从而帮助幼儿在音乐学习中学习榜样身上的精神品质，从而促进幼儿全面发展。
四、结语
在生态观视野下，幼儿园音乐教育活动设计，能让幼儿真正具有审美能力，有效地提高幼儿的音乐水平。教师在幼儿音乐教育过程中，要以审美教育为终极目标，注重音乐与其他学科知识的整合渗透，合理地创设教学情境，让幼儿有更多的机会参与其中进行互动交流，同时有效地发挥榜样的示范作用，实现全面可持续发展。
参考文献：
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[7]郭 敏，刘丽琼，蒋俊华.生态观视野下黎族地区儿童音乐教育的理念与实践[J].新教育，2017（7）：28-29.
作者：梅秀华
基于生态观视野的音乐教育论文 篇3：
从大都会博物馆乐器馆看乐器文化及其保护
摘 要 乐器是音乐的重要载体，乐器文化是音乐文化的重要组成部分，保护乐器及相关历史文献，将有助于音乐文化的保护与传承，也有助于文化的多元化，从大都会艺术博物馆的乐器保护经验中可以获得很多有益的启示。
关键词 大都会艺术博物馆；乐器；音乐文化
Key words Metropolitan Museum of Art； musical instrument； musicculture
1 前言
音乐是一种基于声音的艺术，因而历史上的音乐很难记录与保存。所幸的是通过考古发掘和民间传承，还可以找到很多遗存下来的乐器，通过修复和还原，古老乐器能够重新奏响音乐，让人们得以窥见古老音乐的面貌。
在全球化的今天，世界著名博物馆的创新变革往往成为全球博物馆事业发展的风向标。大都会艺术博物馆在乐器收藏和乐器文化保护上进行了大量的努力和创新，通过对其经验的研究分析，将有助于学习和思考如何更好地保护乐器及相关音乐文化。
2 大都会艺术博物馆乐器馆
大都会艺术博物馆简介 位于美国纽约第5大道和82街交界的大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art，MET）建于1880年，占地13万平方米，是美国最大的艺术博物馆，也是与英国伦敦大英博物馆、法国巴黎卢浮宫、俄罗斯圣彼得堡列宁格勒美术馆齐名的世界四大美术馆之一。
大都会艺术博物馆藏有古巴比伦、古埃及、古希腊、古罗马及欧洲、非洲、拉丁美洲等世界各地，跨越原始社会、奴隶社会、欧洲各个时期、亚洲各大王朝、近现代不同历史阶段的代表艺术品330余万件，有数十万件在展厅中展出。
作为一座百科全书式的博物馆，大都会的馆藏极其丰富，淋漓尽致地体现了美国的多元文化主义精神。博物馆的每一个部门都设有各自的资料档案库，每一件藏品都有详细的记录供专家和学者研究。馆内的图书馆藏书18.5万余册，是世界上收藏艺术、考古书籍最完善的图书馆之一。这里既有常驻的专家，也有来自世界各地的访问学者，是一座名副其实的研究院。大都会博物馆按艺术门类或区域划分为部，每个部都设有教育组，专门负责讲解。精美细致的展示背后是大都会博物馆对不同文化的尊重，使融合的多元文化成为美国文化的标志，大大提升了纽约乃至美国的国际地位和影响力，强化了博物馆的社会文化功能。大都会艺术博物馆每年迎接超过500万人次的游客参观学习，是纽约市最热门的旅游景点之一。
大都会博物馆乐器馆 乐器展厅位于大都会博物馆二楼的中国艺术馆旁。乐器展厅收藏了来自六个大洲从公元前300年至今的5000余件藏品，充分展现了不同地域、历史时期乐器的发展历程。展品从不同层面展现了乐器的特点、视觉上的美感、加工技术和社会功能，并且展现了乐器作为艺术品、民族文化承载物、音乐文化实物、音乐史重要文献等不同层面的价值。
乐器展厅按西洋乐器和其他种族乐器分为两大展厅。展厅和展柜根据乐器所属地域和历史时期进行设计，综合利用灯光、图片、影像、色彩、装饰等元素与乐器和民族文化融合，从不同层面对乐器进行展示。展厅按照乐器学分类分为多个分部，每个分部下的乐器按照地域进行细分，然后按照不同国别以字母顺序进行展示，主要展示乐器、零部件、乐谱、图片及相关文献等。每件乐器展品旁都有详细的图文介绍，内容包括：1）乐器馆登记号；2）乐器学学名和俗名；3）来源地，使用该乐器的群体和地区；
4）乐器结构、主要材料、尺寸、状况、零部件等；5）社会功能及音乐功能；6）获得方式（购买或捐赠）；7）制造者、捐赠者或收集者姓名；8）音像和照片；9）可在何处、用何种手段得到其他信息（卷宗、田野记录、目录卡、电脑记录等）。此外还有语音导览的操作编号，游客可获得语音讲解信息。
大都会博物馆还建立了馆藏乐器的数据库，提供馆藏乐器的详细数据，包括名称、制造者、制造年代、使用地区、材质、尺寸、乐器学分类、获得方式、博物馆分类编号、简介及实物图像等，允许游客通过网络访问MET官方主页，检索、获取及保存馆藏乐器的详尽信息，可根据需要复制打印这些信息，使游客获得全方位丰富的专业信息。同时让没有机会亲临博物馆的游客获得丰富的乐器知识，扩大博物馆的知识推广和社会影响。
大都会博物馆的乐器文化保护 大都会博物馆的乐器主要通过购买、捐赠、交换、遗赠等形式获得，藏品数量还在不断增加。作为一个由民间捐资兴建的博物馆，馆方只通过较低的建议价格以自愿的方式向参观者收取少量的参观费，但藏品的购买、维护、展出及运营等都需要巨大的开支，因此仅靠门票捐助完全不能支持其运作。开辟财源是当今西方博物馆的重要工作，除从企业、个人、基金会及联邦、州、市政府获得資金并以会员费和门票收入补贴外，其餐饮和纪念品商店营业所得也是重要来源。
大都会博物馆有一个综合的保护部门对乐器进行保护、定期检查和保养，而非任其老化；修复过程中尽量保持乐器原有状态，减少对乐器的损伤。在乐器馆的展品中有大量历史悠久的古老乐器，其中最珍贵的包括的Stradivari小提琴，以及Bartolomeo Cristofori于1720年发明的最早的钢琴。这些珍贵的乐器因为年代久远，部分材料出现老化和零件损坏，在维修过程中博物馆采取修旧如旧的原则，尽可能使用传统材料和工艺对其进行维修和保养，减少因为维修造成新的损坏，避免影响乐器原始的音质和效果。
尽管有很多的专业书籍对世界乐器进行图文并茂的介绍，但仅从平面的图像和文字很难获得完整的感性认识，而通过博物馆的实物展出，利用灯光、文字和影音等多媒体手段的配合，再配套实际学习操作与演奏，可以获得书本不能提供的直观感受且印象深刻，能达到更好的学习效果。
乐器长期闲置不用会加速老化，大都会馆藏的大多数乐器仍可以实际使用，博物馆鼓励职业演奏家以客座音乐家的身份在特许条件下使用状态良好的乐器进行演奏，并以小型公开音乐会的形式进行演出，通常每月都会安排几次古乐器演奏音乐会，既能了解乐器状态，又便于维护与修理。通过演奏家的演奏，让观众获得近距离欣赏古老乐器的机会，以最直观的感受穿越时空感受音乐艺术。如仅在2007年，就举行公共音乐会70多场，参与人数3万余人，达到良好的教育与普及效果。这一点与世界很多其他音乐博物馆的保护方式在思维方式上有所不同，值得相关的学者、专家和机构思考。
对于客座音乐家的音乐会和演奏，博物馆方会对其进行录音录像，剪辑处理之后配上说明文档放到其官网的Met Media中，游客可以按照需求检索和浏览。对于不能亲临音乐会现场的游客而言，他们可以在一睹现场演奏的同时，聆听古老乐器所奏响的音乐。
随着数字技术和网络技术的快速发展，大都会博物馆也在积极利用计算机技术和互联网通信技术构建数字博物馆，以扩大博物馆的影响范围，达到更好的教育和传播功能。博物馆除了使用传统的数字照片之外，还对部分展品通过三维扫描和建模的方式构建3D模型用以构建虚拟博物馆，使用户能全方位地进行近距离的虚拟游览。
对于乐器藏品，博物馆根据条件安排部分古老乐器的录音，录音资料既可以保存在图书馆中，作为学者和音乐爱好者研究的资料；也会按照级别和类型进行分类和数字化，部分资料放到博物馆数据库中，让用户能够通过数字设备或网络进行访问和聆听。
大都会博物馆会不定期举行专题性展览，以对特定文化和特点的文物进行系统、集中的展示，让参观者充分领略特定主题的文化。如2011年6月，乐器馆举办了大洋洲乐器文化专题展览，展示了大洋洲的乐器、文献、音乐、视频等内容。主办方精选出50多件文物，包括牧羊神笛、求爱口哨，还有从南方群岛来的玲珑剔透的寺庙鼓，从新几内亚来的神圣裂缝锣等，充分表现了大洋洲岛屿乐器的多样性及其悠久的历史，通过多种形式的展示使参观者获得全方位的大洋洲音乐文化的洗礼。这种展出方式既起到传统展示的功能，又起到促进乐器保护的作用，对于特定文化的宣传与推广产生显著的效果。
3 多彩的乐器与多元化的音乐文化
乐器作为音乐文化的重要组成部分之一，本身无法脱离音乐演奏的主要功能，同时作为物质文化的产物，反映其原本文化中的乐音观和物质观，兼具听觉与视觉的双重评价和标准。
乐器的社会文化功能 乐器中承载了特定历史时期诸多的文化信息：从乐器的材料和加工工艺可以看出当时经济水平和技术能力；从乐器的造型设计可以找到当时艺术审美的线索；从乐器的装饰手法可以看出当时人们的审美方式；从乐器的形制特点可以了解当时的音律特点和音乐形式；而从乐器的大小和演奏方式还可以想象当时人们利用乐器演奏音乐进行娱乐的欢乐场景。
乐器是音乐活动中重要的器物，其本身就是艺术品，从设计和制造都具备强烈的藝术感；而对于古乐器而言，其同时具备文物的特性，成为特定历史的文化承载物。乐器是艺术品，既能发声，又能表达意义。乐器在传统社会中很少是中性的，其使用常常联系着信仰、精神力量、时间力量、社会机构、生命轮回以及各种其他环境。
乐器除了音乐演奏之外，还被赋予很多社会文化功能。在很多文化中，乐器被赋予等级制的意义，在特定的礼乐制度中达到规范和普及化的地步，乐器的拥有常被视为个人身份和权力的象征。
由于地理、经济、人种、传统文化等因素，产生种类繁多的乐器，形成流派各异的音乐文化。在不同地域和民族中产生的不同乐器成为体现特定民族、地域音乐文化的载体。音乐旋律与民族居住环境、民族传统文化、民族心理有密切联系。不同的乐器和音乐不仅反映不同情绪，不同的民族也形成与众不同的具有民族特色的音乐旋律。例如：中国北方音乐铿锵有力、苍劲低沉，体现出北方人粗犷豪放的性格特征；而南方音乐则细腻婉转，体现出南方人温和内敛的性格特点。
乐器与音乐文化传播 乐器是一个民族思维方式、社会制度、文化科技的缩影。乐器在历史长河中经历诸多的融合与改良，才发展为今天的形式。研究人类同一种文化在不同思维影响下的创造和文化差异，可以汲取更多的营养来丰富自己的文化。
乐器被视为人类进化、迁徙过程的重要证据。乐器在传播过程中会与当地文化不断融合，形成新的乐器和音乐形态，在特定历史条件下甚至会改变当地的乐器和音乐文化。例如：中国的筝在东晋时传到朝鲜发展成伽倻琴，因民族性格和语言特征不同，常用于演奏叙述性或情绪激昂的音乐，成为朝鲜的代表乐器；筝在唐代传入日本，逐渐发展为音色柔和、风格含蓄的日本筝（Koto），成为日本的代表性乐器；传到越南的一支则发展为名为宕泉（Dan Tranh）的越南筝，受中国文化影响，记谱仍使用工尺谱。中国筝的传播与融合形成区域性的筝文化现象，体现了乐器与文化通过传播，在新的地域根据当地音乐风格、文化环境、语言特征及自然地理条件生存和发展下来成为新的乐器与文化，并产生新的音乐形态的特点。
乐器在音乐文化的传播中起着重要作用，如20世纪后半叶，印尼传统音乐加美兰（Gamelan）和乐器被西方重新发现并引起美国音乐界的普遍关注，作曲家将欧洲的传统器乐与加美兰音乐融合在一起，形成20世纪末特有的新音乐形态并产生重要的影响。由此可以看出，乐器文化在音乐文化传播和交融发展中有着重要的作用。
乐器是人类音乐发展的实物见证与文化载体。亚欧之间乐器的交流，使得音乐织体横向性思维和多声纵向性思维互相借鉴，乐器文化的认同性在国家之间不断深化，同时延伸到亚欧之间音乐思维的认同。由于音乐文化的交流和融合，20世纪中国新的民族音乐出现向西洋音乐学习的趋势。这既促进民族乐器的发展，也促进和声、配器、音乐理论、民族乐队和音乐创作的发展，整体上促进了整个民族音乐事业的进步。
不同文化背景下的乐器 乐器的发展是科学技术发展的产物，是经济发展和文化进步的表征。乐器的发明和使用，与人类所处时代的生产力水平紧密关联。对很多原始形态民族民间音乐的研究可以看出，其音乐形态主要集中在声乐、打击乐、弦乐和木管乐等对乐器精密加工技术要求不高的音乐形式；而铜管乐器、键盘乐器等需要新材料和精密加工的乐器，则几乎都出现在近代的西方。
有些地区的乐器不仅涉及乐器的原生物质形态，而且同该地区的自然生态、地理环境和经济文化方式结合紧密，地域性差异对乐器形制影响较大。全世界有很多地处热带、温带的国家盛产竹子，但由于地理、气候、文化等不同，反映在乐器制造上，出现不同的竹制乐器，如南美印第安人的竖笛、排箫，东南亚的竹笛、竹皮弦琴，越南的德朗竹琴，菲律宾的达姆加底琴，印尼加美兰音乐中的竹片琴，等等。这些竹制乐器体现了乐器文化的地域性因素。
乐器可以用来了解不同的音乐文化，不同的音乐文化联系着不同的代表性乐器，而这些乐器通常反映了不同的文化观念。如古代中国将乐器按照材料分为“八音”的分类方法，同中国传统文化的季节、风水、政治权利和人类福祉观念直接有关，体现了中国文化的代表性因素。这些关于乐器的认知体现了国家文化的思想代表，同时乐器也成为这些思想的载体。
乐器的设计、装饰也无不体现出特定文化背景下的影响，乐器的制作也会反映和凝聚某种具代表性的美学思想。如中国古琴，从其各部分的名称和装饰都可以看出强烈的中国传统文化元素，古琴奠定了中国音乐与文学紧密相关的基础，琴歌就是音乐与诗词相结合的产物。古琴展现了中国民族文化的精髓，当之无愧地成为中国的代表性乐器。
每一件乐器都在其特殊的文化背景下产生和发展，这是民族文化因素的反映。如西塔尔（Sitar）是印度古典音乐拉加（Raga）最重要的独奏弹拨乐器，音色特别、奏法多样，被印度音乐家视为可为其贡献一生的乐器。其他如日本的琵琶、印尼加美兰音乐中的锣、津巴布韦音乐中的拇指钢琴（Mbira）等乐器，都以其悠久的历史、独特的音色与民族魅力，成为具有不同文化特点的代表性乐器。
律制的产生与地域文化有密切关系，也与乐器制造相互影响。如中国广东民间音乐原来所用的音律是七平均律，即把八度平均分为七个等距离的音程。广东各乐种原来使用的笛子、洞箫、唢呐等乐器的音孔距离是等比例的，将八度等分为七个音。七平均律的使用，形成广东民间音乐特有的音乐风格和特点。
多元文化时代的乐器 乐器的发展与音乐形态、音乐文化的发展是相互影响、相互促进的。从欧洲音乐发展史与乐器的改良和发明过程，就可以充分看出彼此间相辅相成的关系。
在当今文化多元化、经济一体化、信息全球化的大背景下，音乐呈现出西方和东方、现代和传统、外来和本土兼容与并存的状态。在这多种文化相互影响融合的时代背景下，很多事物只有在交流与学习中不断创新发展，才能继续生存，故步自封只会加速其衰退与灭亡。因此，交流与学习是促进不同文化相互吸收、相互融合的重要手段。
民族音乐文化不是孤立存在的，民族音乐理论最终也要实施到具体的音乐中，而乐器是理论与音乐实践之间的重要桥梁，学习和使用乐器让理论成为现实，并在实践中强化理论思想，使音乐文化得以延续。
某些民族文化下的音樂之所以会逐渐消亡，与其乐器有着密切的关系，乐器音色、律制、音域、演奏的难易程度等，都会影响特定音乐的交流与传承。大量事实证明，没有长期积极与其他文化下乐器和音乐文化的交流融合，包容并蓄地吸收其他文明中优秀的音乐文化，就不会有今天丰富多彩的中国民族乐器和民族音乐。
以平等的价值观了解和认识不同民族的音乐文化已成为时代的要求，音乐文化交流也进入一个全球化时代。从乐器开始了解不同地区、民族的音乐，会使人们视野开阔，加强对世界各民族传统乐器和民间音乐的学习和了解，促进多元化的音乐形态发展，并充分保护丰富的世界音乐文化。
文化多元的现代社会不能只有一种文化、一个声音，而应该尊重各种不同文化背景下的音乐，让其传承原有音乐文化并进行发展。尊重和保护各传统乐器及音乐文化，同时也是在保护人类灿烂的文明，避免传统文化逐渐消失。
4 乐器文化及其保护
民族音乐文化的危机 俄罗斯音乐家格林卡曾说过：“创造音乐的是人民，作曲家不过是把它变成曲子而已。”历史上产生的伟大作品很多都根植于各民族的传统音乐和民间音乐，有的作品直接运用传统音乐和民间音乐中的素材，或者以某些民族民间乐器作为主要表现要素；有的则和传统音乐、民间音乐有着密切的联系。熟悉和了解各民族传统音乐和民间音乐对音乐家来说非常重要，这决定了他们的作品和演绎是否具有民族风格，能否表现人民的思想和感情。
由奥地利学者阿德勒于19世纪后期开创的近代音乐学，开始以近代科学的手段对音乐进行研究，但在其后相当长的历史时期内，对音乐的认识主要是以西方音乐和历史为对象，并形成西方音乐中心论，影响了全世界的音乐发展与研究。同时，由于现代传播媒介和信息传递手段的发展，在西方强大的经济文化支持下，西方音乐文化以一种文化侵略的方式涌入世界各国，并形成以西方音乐文化为中心的畸形发展。
音乐人类学主张人是特定文化和环境的产物，应该研究每一个民族、种族的音乐文化发展历史。音乐有形式的繁复简易之别，但文化没有高低优劣之分，一切评判的标准都是相对的。人类的各种音乐和文化没有价值上的差别，只有观念、行为和由之产生的具体物品的不同。音乐文化的评判不存在任何绝对的标准，每一种音乐文化都具有自身的价值，具有其独到之处，都应该有自己的尊严。
一种文化的形成与发展，必定伴随其社会、历史意义的存在和需要。现代社会化进程使民族特色音乐文化生存发展的空间受到挤压和破坏，人们的生活方式、价值审美观念等都发生改变，加上流行音乐泛滥等因素，使其面临巨大冲击，民族传统音乐资源濒临消失，民族文化亟待保护。在一个信息传播高度发达的时代缺乏交流与宣传，造成文化的封闭与壁垒，让世界音乐文化失去色彩。由于历史和文化的诸多原因，很多国家和地区的人不了解本国本民族的音乐和乐器，不知道其他国家地区和民族的音乐文化。
音乐不是自然音响，而是像语言一样人为制造或选择的、为了表现思想感情而发出的声音。从符号学的角度来说，音乐是经过人工编码了的声音符号。既然是符号，就和语言一样规定了不同符号所代表的不同意义。在缺乏交流的封闭年代，人们往往用自身的文化价值标准对其他民族的音乐文化进行理解和评价，由此产生对其他文化音乐理解有偏差或不能接受的情况。如法国作曲家柏辽兹基于西方音乐思维，对中国和印度音乐所做出的错误评价，成为音乐史上的一个负面典型。
国内长期基于西方音乐主体的音乐教育体系，使传统民族音乐受到极大的挤压，部分民族民间音乐已经到了消失的边缘，而这种情况在很多具有悠久历史传统的国家都普遍存在。国内外一些学者也逐渐认识到保护乐器文化的重要性，不断发出将传统乐器纳入教学和应用以避免其消亡的呼声。文化保护，教育先行。为音乐文化培养后继人才是音乐文化保护的重要途径，让音乐文化在学习与应用中得到传承和发展，使其在历史文化中扮演更重要的角色。
为什么要进行乐器及乐器文化的保护 20世纪是一个科技快速发展，文化大交流、大繁荣的世纪。很多民族文化在文化融合中逐渐消亡，包括很多历史上璀璨的音乐文明也在逐渐消失。乐器和音乐是一种活的文化现象，依赖于特定的社会及文化背景，其存在意义主要体现在与社会文化的相互交融及不断发展，以一种活的方式存在于世界。乐器的消亡也在客观上造成很多伟大的音乐作品湮灭在历史中。音乐文化应该是鲜活的，而不应该是一堆死寂的文物。音乐文化的传承与保护，除了保护音乐相关的实物之外，更多的应该关注活的音乐的保护。保护的含义不是让事物与周遭环境脱离开，以标本或化石的方式存在于博物馆的玻璃展柜中沦为“博物馆艺术”，失去其鲜活的特征。
音乐是一种文化形态，而文化是在传承中不断变化的。音乐文化利用各类音乐器物的留存，通过所记录的音乐形态、音色，对音乐活动以实物的描绘与形象的塑造，以及某些文字的记述，使今人能够了解以往的音乐历史。音乐的存在有观念层面的、行为层面的，也有形态层面的。在形态层面，除了音响形态，还有物化形态的存在，包括了各种乐器。历史中的音乐活动还会通过各类艺术载体（如绘画、雕塑、陶瓷等）或符号（如乐谱）以音乐文物的形式反映出来。乐器虽然不会说话，但通过测量、记录、分析，以及通过对相关文化遗迹和历史文化知识的研究，它会告诉人们很多东西。因此，这些音乐的物化形态，以不同的方式凝聚着音乐文化的诸多观念上、心理上的东西。
乐器本身只是一个静止的物，只有在掌握演奏技巧的演奏者手中，才能令其发出美妙的音乐。因此，保护乐器并非仅仅保护乐器本身，而是保护与乐器相关的音乐文化，这种音乐文化是在音乐的传承与交流中体现出来的。而保护乐器和相关文化，就应该考虑乐器的演奏方法和演奏者的传承与保护。
乐器是历史与文化的活的载体，是音乐发展的确凿见证。乐器本身是极为重要的活教材，其所具备的听觉独特性不仅是其他物质文化少有的，也是任何文献（或图像）所无法取代的；许多乐器在视觉的美感上极为考究，视觉与听觉互相联系、合而为一；乐器也会让人们追忆早已不复存在的音乐文化。乐器呈现或再现不同文化的特殊性、历史的存在性、科技的发展性和美学的变异性。在鼓励变革发展的同时，还应该从音乐保护和历史文化保护的角度出发，有计划有组织地保存传统音律和音乐，以免成为绝响。保护乐器及其特有的群体和环境，就是保护音乐文化；传承是最好的保护方式，让音乐文化在传播中得到应用和深化。
国内博物馆乐器保护现状 目前国内以国家博物馆为代表的很多公共博物馆基本免费向公众开放，发挥了保存历史和进行文化推广的功能。但由于运作模式和思维方法的不同，很多博物馆面临诸多困境。由于管理和运作模式不同，国内博物馆的资金主要来自政府财政拨款和各种门票等附加收入，而目前由于思维局限，获得的社会捐助有限。运作一个功能完整、馆藏丰富的博物馆需要大量的资金，而政府配套资金往往不能满足需求，特别是对于一些中小博物馆，类似问题更加突出，某些博物馆由于经营问题而不得不缩小展出范围或转作其他经营。
展览方式传统、展品单一、展出环境不佳、宣传不到位等因素，也影响了国内博物馆的运作。由于思想观念和文化生活习惯不同，很多博物馆的受众群体集中在低年龄段、中高文化层次等层面，受众群体相对较小，限制了博物馆的社会文化功能发挥，削弱了其影响力。
就音乐类博物馆而言，目前主要展出方式还是基于展柜、展品、图文等方式，方式较单一，制约了活的音乐文化的传播。很多博物馆中的乐器在经过多年的收藏之后，由于疏于保养维护以及自然老化等方面的问题，虽然形式还在，但已不能再作为实际乐器来使用，而仅作为一个文化符号存在，从某种意义上说失去了乐器的音乐意义。
此外，藏品数量较小、展览形式单一、缺乏专业系统的乐器学分类、整理、管理和展示，所产生的学术和社会影响有限，只有部分专业音乐相关研究人员会进行研究，难以吸引更多的受众参观学习；而且参观时间短、形式单调、信息量有限，也造成部分博物馆乐器展厅流失参观者，无法吸引参观者的再次参观学习。
当然，国内一些博物馆也会做出新的努力，尝试让古老乐器藏品发挥新的功用。如1986年，湖北博物馆联合中唱总公司，使用出土的曾侯乙编钟、编磬原件进行演奏和录音，此次录音采用当时最先进的24轨模拟调音台和录音机进行录制，录制的作品经剪辑，汇总为题为“千古绝响”的CD，用以展示2400多年前中国古老乐器的表现能力。再如2008年，浙江博物馆使用珍藏的唐琴“彩凤鸣岐”和“来凰”进行现代化的录音，邀请古琴演奏家丁承运、姚公白等人在浙江传媒大学录音棚进行唱片的录制。为确保文物安全和录音质量，博物馆方做了周密细致的安排，既保证了文物的安全，又获得了良好的录音效果，让人們能够再次听到古老乐器的声音，达到良好的音乐文化和社会影响。
5 传统文化自我保护的思考
大都会艺术博物馆究竟有多少件中国文物？没人知道具体的数字。不过，博物馆方曾侧面提到：“可以这样说，我们的中国艺术馆藏是除中国本土之外，海外最全、最多的。”虽然对中国文物的流失感到扼腕，但从种种资料来看，大都会博物馆的中国文物并非直接非法获得。1840年后至新中国成立前，大量珍贵文物有的因战争被劫掠，有的因为盗掘、盗凿，并以不正当贸易等非法的和不道德的方式流散国外。但大都会艺术博物馆收藏的中国文物主要依靠捐赠和遗产馈赠，亚洲馆收藏的很多中国艺术品为洛克菲勒、王己千等人所捐赠。由此，不应把所有文物流失都归结为非法贸易和武装掠夺。
过去，由于缺少文化财产主权意识，导致大量文物流失海外，是应当引以为戒的。排除历史的一些因素，应该更冷静深入地思考民族传统文化保护的问题，如何减少和避免人为对历史文化的破坏，如何从政治、经济、文化等多层面制约文化的流失，减少文化的遗憾等，诸多问题值得深思。而对于音乐文化，则应根据我国国情，合理有效地保护音乐相关的资料和文化，避免人为对文物的损毁和破坏，为子孙后代留下宝贵的文化遗产。
美国是个年轻的移民国家，并没有光辉悠久的传统历史文化，但美国人深知文化的重要性，在发展实业、累积资本的同时，并没有忘记文化艺术的保护和文化艺术设施的建设，尽管需要巨大的投资，且不能带来高额的利润。美国有大量各种类型的博物馆对历史文化进行系统保护，而且美国人也养成学习文化和进行文化消费的习惯，形成良好的文化循环。美国的博物馆文化和文化思维方式值得借鉴，也值得认真思考。传承历史和文化，不仅是政治家和历史学家的事，也是每一个普通人、每一个学科领域的事，大家一起共同创造着今天的文化和历史。了解和关注历史和现在的文化，就是在为将来保存最好的历史文化。
参考文献
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作者：杨万钧