简约主义风格网页设计论文范文第1篇
作为一种现代美学观念,超现实主义风格产生于第一次世界大战后,伴随着工业文明的兴起,产生出一个独特的艺术审美分支。根据超现实主义美学理念,视觉冲击要伴随着内心想象,外观审美要反映内心的思想动态和精神活动。通过超现实主义表现的美学艺术,经常对现有物品进行幻化处理,进而形成独特的艺术风格,视觉体现具有一定的主观性,可以让欣赏者产生较大的视觉冲击和心灵震撼,超现实主义美学的代表是达利,他的画作不拘一格,具有极强的风格性,给人以很强的视觉冲击[1]。随着超现实主义美学的演进,开始在各个领域得到广泛应用,超现实主义美学风格的服饰,就是在服装设计和视觉呈现中融入超现实主义美学元素。
二、超现实主义对服装设计的影响
作为一种抽象的艺术审美标准,超现实主义美学对于现代装饰行业产生了深远影响,特别是对服装设计,起到了至关重要的资源,为服装设计师提供了较为独特的设计视角与丰富的设计资源。在服装设计过程中,很多设计师跳脱一般的思维体系,运用超现实主义美学思维,摆脱常规设计图案的束缚,充分发挥自己的想象,将现实生活中的美学元素与想象出来的抽象画面有机结合,并且运用到服装设计过程中。
1、对服装装饰图案的影响
从装饰图案来讲,超现实主义对服装设计产生的影响最为深远,在服装设计过程中,服饰图案是最为重要的装饰要素,不同的服装会选取不同的装饰图案,很多图案采取现实主义表现手法,装饰风格相对较为保守。在装饰图案中运用超现实主义美学元素,能够给人惊艳、另类的感受,很多服装装饰图案经过变形、演化,形成与众不同的风格,具有较强的视觉冲击力。随着社会经济的不断发展,现代社会人们的审美标准不断提升,很多人在服饰选择上,不再拘泥于传统图案,进而追求更能彰显个性的装饰图案,在此条件下,超现实主义美学得到了更广阔的应有[2]。现代的很多服饰,都采用一些抽象的花纹和图案进行装饰,彰显服饰主体的性格与个性,具有较强的表现力,极大丰富了现代服饰的表现力和生命力。
2、对服装外部造型的影响
除了新颖的造型以外,现代服饰同样注重外部造型。随着现代服装设计体系的演进,很多设计师在设计过程中,在衣服的外部造型上大量运用超现实主义理念,很多服饰造型夸张,设计新颖独特,具有很强的视觉冲击力,体现出更高的艺术设计水准。同时,在设计过程中,很多服装设计师都会兼顾服装外部造型和衣服的实用性,通过艺术性和实用性的折中选择,设计出具有很高审美标准的实用服装。在设计过程中,运用超现实主义审美视角,可以提升服装造型的层次性和新颖性,让设计出的衣服更具有时代感。
三、超现实主义风格服装设计的策略
1、不能跳脱基本审美范畴
运用超现实主义美学理念进行服装设计,仍要遵循服装设计的基本理念,并不能跳脱基本的服装设计流程与逻辑。很多服装设计师在设计服装过程中,一味追求创新,但不顾及基本的服饰美学规律,在配色和造型设计上过于前卫大胆,进而会产生很多失败的作品[3]。超现实主义美学设计理念并不是一味的天马行空,而是依托现实生活图景,对现实生活美学元素进行提炼、想象、升华,进而创造出全新的美学要素,仍有其现实美学基础,在应用超现实美学设计时,仍要遵循一般的设计美学规律。
2、打破服饰之间的设计隔阂
在传统的服饰设计观念中,一般认为不同的服装种类需要不同的设计理念,不同设计要素不能交叉运用,在应用超现实主义美学观念进行服装设计时候,设计师要突破不同服饰中的隔阂,创新设计理念,运用多种设计要素,通过混合搭配的方式,提升服饰设计的层次性和丰富性。举例来说,艾尔莎作为现代超现实主义风格大师,在设计服装过程中,就应用了多种元素,特别是在设计女性服装的过程中,引入了大量男性服装要素,不仅提升了服饰的实用性,同时也形成了独特的审美体系。
3、注重色彩元素的运用
超现实美学最大的特点就体现在色彩运用上,达利就是色彩运用的大师。设计师在进行服装设计过程中,要想体现超现实主义设计理念,要灵活运用色彩要素,通过不同颜色之间的搭配,形成较强的视觉冲击[4]。在现代服装色彩搭配体系中,已经形成了规律和定式,设计师要大胆突破这些定式,创新搭配服饰色彩,提升设计服饰的艺术性和观赏性,给人以直观的视觉冲击。
四、结语
综上所述,超现实主义作为一种现代审美艺术,对现代美学体系产生了深刻影响。在现代服装设计体系中,超现实主义占据着重要地位,对现代服饰设计产生了深刻影响,并衍生出了很多服装设计分支。探索超现实主义的设计手法与设计理念,对于推动现代服装设计具有至关重要的意义。
摘要：作为一种现代艺术思潮,超现实主义风格对现代审美产生了重大的影响,其艺术理念与美学风格对于服装设计艺术也产生了深刻影响。本文从服装设计角度出发,分析超现实主义对服装艺术审计和服装审美的价值,并具体分析了超现实主义风格服装设计手法,旨在指导艺术研究还与服装设计实践。
关键词：服装设计,超现实主义,服装风格,艺术设计
参考文献
[1] 赵柯雯,齐德金.超现实主义对服装设计的影响[J].科技展望,2016,25(12):298.
[2] 林晓华.浅谈超现实主义对服装设计的影响及其应用[J].山东纺织经济,2011(9):62-64.
[3] 张宇帆.浅析现代服装设计中的超现实主义风格表现[J].青春岁月,2015(10):115.
简约主义风格网页设计论文范文第2篇
解构主义最初源自西方国家, 并为西方哲学主要流派之一。说到解构主义, 它并非一开始就应用到服装设计界, 而是用在了建筑界。解构主义的基本内涵是打破原有单元秩序, 通过再创造或再设计进行重新组合, 颠覆以往, 变成一种新合理的秩序。伴随人类社会文明的不断进步, 解构主义理念逐渐被很多社会科学所接受, 直到到在上世纪80年代, 解构主义理念也被引入到艺术设计领域, 并使之运用到了服装设计界。应该说, 解构主义与流行时尚潮流实现了紧密结合, 在服装设计界有了较大轰动, 并使服装设计出现了新的风潮风格。在服装设计界运用的解构主义, 其表现形态是打破了原有传统服装设计形态, 使服装在颜色、结构、尺度和面料组合使用上均有夸张性表现, 给人们带来了一种全新的美感, 将服装设计带入了一个升华新意的意境。
二、解构主义对服装结构的设计
解构主义在服装结构特征中的表现是以服装面料为载体, 以不同的理念定位和形态的表现体现服装结构的变化。它主要依靠服装设计师对服装面料实施再造, 将服装面料常规形态予以改变, 再将新的服装设计理念融入服装结构当中, 以使服装面料制作出独具风格的结构服装, 满足人们的审美需求。在解构主义理念支配下而制作出来的服装中, 主要是依靠服装设计师依据对服装面料重新审视的认识, 对其实施再加工, 变成一种符合解构主义创意的服装面料。其在结构设计中, 有多种方法, 但常见的结构方法主要有如下:
1、拼接与堆砌结构
在解构主义风格服装结构设计中比较常见的结构技巧是拼接, 它是以同一种或不同种服装面料依据设计者设计意愿进行自由拼接组合, 使服装面料呈现多种元素或符号。以往的单一服装面料在常规加工手段下往往是只能做一件服装, 而通过解构主义理念而对图案进行重置、拼接或者是移位处理, 它就会给服装面料增添异彩, 将原本的普通面料变成一个艺术品。近似于拼接手法的堆砌结构, 它是在使用拼接结构手法前提下, 以多层次的拼接形成堆砌效果, 进而再使服装面料增加丰富层次感, 出现惊人艺术效果, 尤其是采用规则或不规则堆砌结构手法, 其结构形态便有强烈视觉冲击感。
2、重组与打散结构
解构主义风格服装结构一向以打破常规, 并无什么标准为其主要特征, 可理解为服装设计师是在随心所欲中以不明确的结构线, 模糊主次, 进行自由创意设计。打散是一种结构技巧, 它主要采用抽、拉或撕等手法, 把原来的一个完整整体, 依据服装设计师各自的审美观, 对服装面料原有比例实施打碎, 再把打碎后那些具有联系的服装面料单元进行重新整体组合, 形成新的搭配, 令服装面料推陈出新, 再现新的完美。而重组则是打散后的重新组合程序, 强调的是无需讲究规律或方式, 将不同质地的服装面料进行重组或归位, 重新搭配出新风格, 给人以面目一新的视觉感觉。
3、以夸张手法表现结构
在运用解构主义风格服装设计中, 有的服装设计师往往也喜欢用夸张的手法对服装结构进行设计。这种手法是将原有服装面料形态给予夸大或缩小处理, 其目的是让服装结构能更加突出服装设计者独出心裁的结构设计亮点, 用以彰显服装结构当中所表现的个性。其具体处理方法主要是对服装面料进行在体积、数量、材质和软硬上的夸张处理, 以表现服装对人视觉的冲击力。
三、解构主义的服装造型特征
解构主义的服装设计造型所表现的特征, 往往是服装设计者以禅宗与人文哲学思想为指导, 立足充满时装风格个性, 用非服装上的跳跃、断裂和分割等的矛盾与冲突, 表现服装的沉厚和隐秘, 使服装更具相关内涵。但解构主义风格下的服装造型特征, 一般都是由服装的外部造型、内部造型和零部件的造型等部位给展示, 但重点是在服装外部造型上给予展示, 像或是服装外部形态的方与圆和松与紧, 或是呈H型、X型、A型以及Y型等等, 而其中所要达到的目的还是为了从传统服装造型结构当中摆脱出来, 表现新造型服装的独特魅力。所谓解构服装造型无非是挑战传统服装造型, 以分割重组实现解构主义服装造型创意, 推出服装新视觉。
四、结语
解构主义风格理念应用在服装结构与造型设计当中, 实质上是对服装面料进行分解与重组, 以拼接堆砌、打散重组或夸张的设计手法, 将服装面料的色彩、质地和肌理等, 以独特创意的造型和结构跳出传统服装造型与结构的设计, 实现服装设计的延伸, 将服装以独特新颖的造型设计方式展示给人们, 并以这样的造型设计满足人们对服装审美的需求。可以肯定, 解构主义风格服装设计是一种新设计概念, 新设计形态和新设计意识, 它有助于实现服装的实用性, 并可促进服装设计不断向前发展。
摘要：服装设计受人们审美观与流行趋势迫使, 早已走向多元化设计之路, 但依然难以满足人们对服装款式与造型的不断新颖化需求, 由此在服装设计界出现了解构主义风格设计潮流。它重在体现服装设计的更加多元化与模糊化, 力争对服装设计出现新奇之效, 给人们带来更新的服装款式与造型的视野享受。本文浅议解构主义风格在服装设计中的应用和其对服装结构造型的影响, 供服装设计界予以简要借鉴或参考。
关键词：解构主义风格,服装设计,服装造型
参考文献
[1] 刘艳.浅析解构主义在艺术服装中的表现形式[J].艺术科技.2015 (07)
简约主义风格网页设计论文范文第3篇
【摘要】保罗-亨德米特（1895-1955）为小号和钢琴所创作的《奏鸣曲》是他在20世纪创作文献中最重要的作品之一。亨德米特的作品总是让人有些捉摸不透，但通过对他的《奏鸣曲》的学习和演奏，我开始慢慢学会了欣赏他的作曲技巧和他独有的和声语言，加之对作品细节的学习让我更加深入地喜欢上了亨德米特的作品。作为一名作曲家而言，他的作品产量丰富，被广泛演奏，成就卓越。在当时的一代人中，他被视为佼佼者。他曾在法兰克福（1908-1914）学习小提琴和作曲，他的学习过程中，受到了学院风格和现代主义艺术风格双方面影响。作为演奏家，他曾是法兰克福交响乐团的成员，不久后成为了该乐团的首席。他同时也参加了几个最优秀弦乐四重奏组（1910-1920）。亨德米特的《奏鸣曲》中，我们听到的第一个旋律（1-9小节）就是该曲的主题，被分成了两个动机。方块3（第27小节）开始转调，小号的加入（28-29小节）标志着下一个部分动机的开始，由此直到方块5，亨德米特开始谱写他的节奏织体，并由此开始了小号与钢琴之间戏剧性的音乐陈述。1939年，亨德米特在瑞士创作了一系列奏鸣曲，包含了单簧管、圆号和小号。在此期间他从德国出逃并最终于1940年移居美国。亨德米特的《奏鸣曲》是小号众多保留曲目中最难演奏的曲目之一。在生理机能上对该曲目保持音的控制和精确性的要求，使该曲的风格自成一派，同时在演奏的专注度和音乐情感表现上也要求颇高。
【关键词】亨德米特；小号；奏鸣曲
保罗-亨德米特（1895-1955）为小号和钢琴所创作的《奏鸣曲》是他在20世纪创作文献中最重要的作品之一。亨德米特的作品总是让人有些捉摸不透，但通过对他的《奏鸣曲》的学习和演奏，我开始慢慢学会了欣赏他的作曲技巧和他独有的和声语言，加之对作品细节的学习让我更加深入地喜欢上了亨德米特的作品。
一、保罗-亨德米特
作为一名作曲家而言，他的作品产量丰富，被广泛演奏，成就卓越。在当时的一代人中，他被视为佼佼者。他曾在法兰克福（1908-1914）学习小提琴和作曲，他的学习过程中，受到了学院风格和现代主义艺术风格双方面影响。作为演奏家，他曾是法兰克福交响乐团的成员，不久后成为了该乐团的首席。他同时也参加了几个最优秀弦乐四重奏组（1910-1920）。而在第一次世界大战期间，他服兵役成为了一名打鼓打击乐手，感受到了音乐穿越政治的力量。兵役结束后，他将自己的主要乐器从小提琴改为了中提琴，也就此释放出了他创作的能量，创作了大量新的风格的作品。亨德米特成为了当时令人敬畏的新音乐创作家。
二、曲式分析
亨德米特的《奏鸣曲》中，我们听到的第一个旋律（1-9小节）就是该曲的主题，被分成了两个动机。方块3（第27小节）开始转调，小号的加入（28-29小节）标志着下一个部分动机的开始，由此直到方块5，亨德米特开始谱写他的节奏织体，并由此开始了小号与钢琴之间戏剧性的音乐陈述。第二个主题是一段如歌性的旋律，出现在方块6之前（47-54小节），如第一个主题一样，第二个主题也进行了重复性的出现，之后建立了一个如结尾性的音乐材料。戏剧性的乐章（67-84小节）重复着开场的主题，围绕这D的主和弦进行，最终在方块9后（84小节）解决到了D。这一段可以被认为是发展部的开始。接下来进入呈示部（85-107小节），几乎用了与第二主题同样的引用，重复主题并使用了双重伴奏的技巧。接下来的部分进入了12/8的节奏，该部分不呈示部的转换相同，以同样的织体直到进入方块14的9/8拍节奏（124小节）。旋律开始改变（119-122小节），由B-C-D的模式进行重复（124-126小节），给人一种回归的感觉。半音阶的旋律在方块14（127小节）回到主题，虽然在我看来再现部缺乏第二主题的旋律，但仍是一个非常清晰的主题再现（127-142小节）。
方块23，开场主题再现（7-10小节），配以庄严的号角（7-8小节），小号的半音阶旋律增加了戏剧性的惊叹效果（9-12小节），然后进入相对轻松的进行曲旋律（12-15小节）。这里出现了一个非常重要的半音阶旋律解决和庄严的号角（16小节），然后再以半音阶进行解决进入曲子的B部分。B部分（17-50小节）是一个歌唱性的乐章，使用了大量模仿和加速的谱曲方式。和前面相同，主题的三个部分依次呈现，先由钢琴进行演奏（17-26小节），然后是小号以第一主题作为旋律进行回答性的演奏（26-29小节）。最后是钢琴与小号共同进行主题的省略性交替演奏（30-33小节）。一个简短的转调（33-34小节）建立了下一部分卡农主题，先是两拍子的卡农（35-38小节），然后是一拍子的卡农（38-41小节）。接下来的新主题以很厚重的织体在小号和钢琴之间进行模仿（42-45小节），之后在方块28解决到了纯五度和纯八度（46小节）。小号接着以第二个陈述部分的方式展示出新的主题（46-50小节）。整个A部分（51-67小节）以新的节奏型为基础，加以唯一的终曲。在一个引导性的小节后，开场以模仿四度音程的形式完成A部分的第二乐章，由小号演奏作为节奏基础。主题的材料是有很多长的保持音构成，没有使用短而轻快的节奏型。接下来的有钢琴伴奏进行号角般动机，演奏出主题。小号和钢琴同时进行坚定的模仿演奏，然后慢慢淡出进入下一个悲伤的主题乐章。终曲的主旋律引用了整个《1710赞美诗》，和巴赫使用的《赞美诗》前奏曲有和同样的标题。
三、结尾
1939年，亨德米特在瑞士创作了一系列奏鸣曲，包含了单簧管、圆号和小号。在此期间他从德国出逃并最终于1940年移居美国。在他自己的日记中曾表达了当时的感受：我总是把自己看作是一只在陷阱前鲁莽起舞的老鼠。也就是在这种危机的环境中，他创作了这首忧郁的小号《奏鸣曲》。
当我带着这样的思维再次研究这一曲目时，其中的一些片段会带给我新的意义。第一乐章带给我一种追逐感，在追逐中冲向最后的摧毁。其中钢琴不可逃避的节奏性，在方块4和方块12出现，坚决的小调三度和旋像是为当时欧洲紧急的时局而发出的警报。感觉更为轻巧甚至柔和的第二乐章，给整个乐曲的不安全感和不稳定性形成一种回应。第一主题给人的感觉更像是一种歌唱，音乐却是给人以接近死亡的感觉，其中小号与钢琴的对抗般的演奏，让我联想到马勒《第五交响曲》中死亡的一幕。最后的颂歌部分，素描出亨德米特自身的情感，带给人们以甜美的希望，充满了巴赫般的编曲，最终在最后两个小节进行解决，带给全曲新的力量。
亨德米特的《奏鸣曲》是小号众多保留曲目中最难演奏的曲目之一。在生理机能上对该曲目保持音的控制和精确性的要求，使该曲的风格自成一派，同时在演奏的专注度和音乐情感表现上也要求颇高。该曲目如果设置在一个曲目量较为丰富的音乐会中，着实是对演奏者体力的一种考验。尽管对亨德米特《奏鸣曲》的写作技巧和乐谱研究对演奏会起到很大的帮助，但是我们仍然会遇到诸多节奏型非常困难的演奏片段，这便是亨德米特作品的精彩与独特之处。这也是让此曲成为众多演奏家的钟爱曲目的原因之一。
参考文献
[1]哈克特著.20世纪音乐理论和分析[M].布锐斯大学出版社，1997（奥兰多）.
[2]http：//www.handelandhaydn.org/learn/history/history_home.htm 哈弗音乐词典[EB/OL].2003.
简约主义风格网页设计论文范文第4篇
北欧, 英文名为Nordic Europe, 被称为斯堪的纳维亚, 包括瑞典、丹麦、芬兰、挪威和冰岛这五个国家, 因为它的地域处于欧洲国家的北部, 所以人们时常用“北欧”来统称这几个国家。人口密度偏低的北欧国家, 生活条件富足, 经济水平相对较好, 福利保障的轨制也很完整。
北欧地域受北大西洋暖流, 挪威暖流和西来气旋的影响 (如图1-1) , 夏日暖和且短促, 冬日严寒且漫长, 天然条件使得当地人比起户外的活动更喜欢待在室内, 更加的依赖和留恋家的氛围, 也让他们特别对他们居所的设计与重视家居生活, 乐忠于寻求温馨、安适、细致的栖身氛围[1]。
北欧国家的森林面积达到北欧土地的48%以上, 对于木材这种材质的使用有很长的历史, 木制的手工艺品也有很多。他们会很好的利用木材资源, 无论是室内装饰还是建筑与家居的一些产品, 这不仅是对北欧文化的完美结合, 也是北欧住民寻求自然主义的理念的表现。
二、北欧设计的特征分析
1、以人为本的功能性
如果设计出来的产品不能够提供用途, 那么它就无法补全我们生活中的遗憾, 这样它或者是废品或者是传统意义上的毫无功利目的的艺术品。北欧设计不同于美国的流线型设计和英国的波普风格, 受到现代设计理念的冲击, 它更具有实用性, 设计师想表现出来的设计理念正是如此, 让产品具有良好的功能性。
2、人文关怀的民主思想
只有大众化的设计, 才有可能是人性化的设计;如若设计更加侧重精英化, 就会和真正的生活产生偏离。北欧社会的民主化传统, 让设计师十分看重商品的性价比与是否被大众接受这一原则。社会主义思潮反映在设计上, 就是设计的大众化、平民化、全民族设计水准的高水平三个方面的特点, 这在其他西方国家是看不到的。一个国家的人民民主意识高, 艺术审美高, 那么在设计的程度上一定不会差[2]。
3、北欧设计之简约化
北欧的设计看似简单, 实际上很多地方都有自己的小细节与舒适的设计, 视觉感受也很舒适。这种简约的风格并不是随随便便就可以体现出来的, 实际上, 北欧设计无论是小的饰品还是家具或者建筑的设计, 所有的细节都是认真研究与实践过的。北欧设计简约但却质朴而生动, 这些优点与性价比让消费者足够喜爱——把繁复琐碎的东西简单化。
4、北欧设计之绿色化
北欧寒冷的天气让各个国家资源短缺, 造成了其北欧住民其民族的节约性格。北欧诸国的森林覆盖率为世界第一, 为北欧国家的绿色化设计提供了资源基础, 致使北欧国家对自然资源十分的重视。90年代他们就推出了世界首部绿色环保家具规范《木制家具和家具设置生态标志》, 首先, 对家居中可能释放出来的对人体有害的物质气体的限制参数做了清晰的表述, 其次, 对环境的保护与对森林资源的规划做出了初步的想法与规划[3]。
三、北欧设计在现代家居中的运用
1、北欧室内设计的彩色系点缀
北欧地域由于处在高纬度地区, 冬天十分漫长, 黑夜也十分漫长, 这样的生态环境使得北欧住民大部分时间更愿意待在家中, 因此他们比其他国家对家的理解更加深刻, 他们更看中家庭营造的氛围。色彩上, 北欧的家具更加偏向于浅色系, 一般以纯白色作为基调, 运用一些纯度高的色彩和鲜艳的明度作为小的装饰与点缀, 北欧家具的色彩语言之一就是北欧的室内空间纯色。
2、温暖触感的材质选择
为了使自然气氛可以制造出天人合一的效果, 北欧住民对工艺的追求和材料的选择都推崇质朴真实。北欧森林资源覆盖率很高, 使得木材成了他们很好的设计原材料;另外, 藤、皮革、棉布织物等自然材质也被融洽的放置在北欧风格的室内空间中。天然木材、玻璃、石材和铁艺等都是北欧居室空间里经常用到的材质, 争取存留这些天然材料的本原质感, 这些都是因为北欧住民对天然材料和手工艺传统的热爱与推崇, 以及北欧地域独特的天气特点。原材料不仅仅是木材和石材, 如皮质、藤、柔和质地的棉麻以及舒适的布品、哑光瓷砖等, 不仅仅保留它们的原始质地质感, 也被适当的运用到了室内装饰与设计中。
3、筒洁自然的家具设计
家具的设计中, 北欧设计传承了现代主义建筑大师密斯凡德罗的名言:“Less is more”。在这样设计理念的指导下, 设计师几乎不使用任何繁复的纹样款式和雕花, 大量运用明快的中性色和流畅的线条, 化繁为简。
四、由北欧设计理念引发的对中国当代设计发展方向的思考
北欧设计坚持以人为本的设计, 具有平民化的艺术特质, 也有着艺术性。我国的设计现状, 还远远没有出现很多价位中等且质量及造型美观的家具设计。而我国与北欧设计也有着一些相似的背景:都在现代设计中收到外国设计的冲击, 但是我国的经济水平和各方面条件, 制约了优质设计产品的出现, 高质量设计产品无法大批量生产。北欧的设计另一个显著的特点就是在学习外国文化的同时牢牢把握住了自身的传统文化, 两者的完美结合才渐渐形成了自己当今的北欧风格特色。
我们应该认真思考北欧设计之所以成功的经验, 在保护继承自己民族文化特色时同时不忘学习世界先进艺术设计与文化, 提升消费者和市场的鉴赏水准与设计品味, 我们也应该意识到中华传统文化在设计中不可替代的重要作用, 一步步慢慢提高大众的对中国传统文化在设计中地位的认识和艺术审美。因此, 北欧设计的成功经验对于我国当代设计是十分具有借鉴与学习意义的。
摘要：北欧设计因其简约而又有人情味的设计理念从20世纪晚期开始受到世界各国的关注, 它是对国际主义简约风格的延续和发展, 设计的本质是以人为本, 人情味及人性关怀是设计作品中不可或缺的内容。北欧设计体现出人性化、大众化、“以人为本, 源于自然, 融于现实”、人与自然和谐共生、美观与实用相容相通, 这些设计理念的灵魂在某种程度上体现了北欧设计师们宣扬的简朴。
关键词：北欧设计元素,功能主义,人性化,绿色化
参考文献
[1] 王受之.世界现代设计史[M].北京:中国青年出版社, 2002.
[2] 刘文海.北欧风格与有机现代主义[J].家具与室内装饰, 1997, (4) :36.
简约主义风格网页设计论文范文第5篇
●金属是工业化社会的产物，也是体现简约风格最有力的手段。各种不同造型的金属灯，都是现代简约派的代表产品。
●空间简约，色彩就要跳跃出来。苹果绿、深蓝、大红、纯黄等高纯度色彩大量运用，大胆而灵活，不单是对简约风格的遵循，也是个性的展示。
●强调功能性设计，线条简约流畅，色彩对比强烈，这是现代风格家具的特点。此外，大量使用钢化玻璃、不锈钢等新型材料作为辅材，也是现代风格家具的常见装饰手法，能给人带来前卫、不受拘束的感觉。由于线条简单、装饰元素少，现代风格家具需要完美的软装配合，才能显示出美感。例如沙发需要靠垫、餐桌需要餐桌布、床需要窗帘和床单陪衬，软装到位是现代风格家具装饰的关键。
.白铯雏菊检举现代家庭简约装修风格有以下含义：、简约不等于简单，它是经过深思熟虑后经过创新得出的设计和思路的延展，不是简单的“堆砌”和平淡的“摆放”，不像有些设计师粗浅的理解的“直白”，比如床头背景设计有些简约到只有一个十字挂件，但是它凝结着设计师的独具匠心，既美观又实用。
、现在家庭的简约不只是说装修，还反映在家居配饰上的简约，比如不大的屋子，就没有必要为了显得“阔绰”而购置体积较大的物品，相反应该就生活所必需的东西才买，而且以不占面积、折叠、多功能等为主。试想：昂贵的价格寸土寸金的价格买的屋子让个“破家具”给挤的没了“空间”，那我们作为“主人”生活的惬意从何而来，能“简约”吗?
、装修的简约一定要从务实出发，切忌盲目跟风而不考虑其他的因素。简约的背后也体现一种现代“消费观”。即注重生活品位、注重健康时尚、注重合理节约科学消费。其实，有些装修的“风格”是完全没有必要的，而且要的越多，带来的“隐患”越多。比如，近几年的儿童患白血病以及其他因环境外部因素致病的案例时有发生，很多确实是与不合理、不科学的装修有关的。所以，提倡简约的“消费观”。
与云共舞检举相关问题时尚家装简约风格图片连接家装的简约风格该是什么样子
彩虹七色，中国人单单挑中了红，并毫不客气地署上名，就像是申请了专利，享用终生。
中国人喜欢红，从出生就开始和红结下了不解之缘。喜得贵子送红蛋，考中状元看红榜，一生中大小喜事、逢年过节总少不了红色。 今天的时尚又开始在故纸堆里寻求灵感，吹开历史的尘埃，你会发现红色依旧鲜艳。
简约主义风格网页设计论文范文第6篇
【摘 要】 文章分析了当代西方的各种建筑设计风格。
【关键词】 建筑 设计 风格
1.自然主义设计
美国广阔的国土、多变的自然地貌使其景观设计有着几乎天生的自然主义追求，奥姆斯特德及其追随者在一系列城市公园系统的规划设计中就倡导自然主义，反对追求庄严和清晰结构的古典主义。公园优美的自然式景观与当时大城市恶劣的环境形成了鲜明的对比，满足了回归自然的社会需求。然而，之后的美国景观建筑经过浮华虚饰的后维多利亚折衷主义式、城市美化运动和古典主义复兴的新古典主义等潮流变换，在数十年的风格摇摆中并没有走出与现代社会相适应的自己的道路。
2.现代主义设计
二次大战前后，在现代艺术和现代建筑理论和作品的影响下，美国的现代主义景观建筑在所谓的“哈佛革命”之后逐渐形成。现代主义对景观建筑学最积极的贡献并不在于新材料的运用，而是认为功能应当是设计的起点这一理念，现代景观建筑从而摆脱了某种美丽的图案或风景画式的先验主义，得以与场地和时代的现实状况相适应，赋予了景观建筑适用的理性和更大的创作自由。正如“哈佛革命”三之的罗斯所说的：“我们不能生活在画中，而作为一组画来设计的景观掠夺了我们活生生的生活区域的使用机会。”他最为关心的是空间的利用而不是规划中的图案或所谓的风景秩序。而加州学派的领导人物丘奇的作品中真正鼓舞人心的也不是构成的秩序，而是自由的设计语言以及有设计本身、场地和雇主要求之间的精妙平衡。另一位现代景观设计大师埃克博则更为强调景观设计中的社会尺度，强调景观建筑在公共生活中的作用。
3.生态伦理设计
将景观作为一个包括地质、地形、水文、土地利用、植物、野生动物和气候等决定性要素相互联系的整体来看待的观点。强调了景观规划应该遵从自然固有的价值和自然过程，完善了以因子分层分析和地图叠加技术为核心的生态主义规划方法，麦克哈格称之为“千层饼模式”。其理论与方法赋予了景观建筑学以某种程度上的科学性质，景观规划成为可以经历种种客观分析和归纳的，有着清晰界定的学科。麦克哈格的研究范畴集中于大尺度的景观与环境规划上，但对于任何尺度的景观建筑实践而言，这都意味着一个重要的信息.那就是景观除了是一个美学系统以外还是一个生态系统，与那些只是艺术化的布置植物和地形的设计方法相比，更为周详的设计思想是环境伦理的观念。虽然在多元化的景观建筑实践探索中，其自然决定论的观念只是一种假设而己，但是当环境处于脆弱的临界状态的时候，麦克哈格及宾州学派的出现最重要的意义是促进了作为景观建筑学意识形态基础的职业工作准绳的新生，其广阔的信息为景观设计者思维的潜在结构打下了不可磨灭的印记。对于现代主义景观建筑师而言，生态伦理的观念告诉他们，除了人与人的社会联系之外，所有的人都天生地与地球的生态系统紧紧相联着。
4.后现代主义与景观艺术探索
当大尺度的景观规划转向理性的生态方法的同时，小尺度的景观建筑设计受到60年代以来的环境艺术的影晌以及后现代主义的激励，对艺术与景观的联系问题做了大量新的探索。新一代景观建筑师彼得·沃克综合了极简主义、古典主义和现代主义创造了独特的极简主义景观。在其充满神秘感的景观设计作品中，沃克运用简单的形体、重复、几何化的结构将自然材料以一种脱离这些材料原初的自然结构的万式集合在一起，带来了一种新结构中产生新意味的视觉综合体验。大自然谜一般的特征，人类与自然的联系被一种有着神秘氛围的艺术景象隐喻了出来，景观建筑在功能和美观的基础上被赋予了意味深长的艺术气质。而施瓦茨景观设计作品则否定其材料的真实性，以戏谑代替了严肃.复杂代替了简单，现代主义景观中的呆板与理性被设计者抛却了。设计者以艺术的构思与形式表达了对景观新的理解：景观是一个人造或人工修饰的空间的集合，它是公共生活的基础和背景，是与生活相关的艺术品。后现代主义者以近乎怪诞的新颖材料和交错混杂的构成体系反映了后现代美国社会复杂和矛盾的社会现实，以多样的形象体现了社会价值的多源，表达了在这个复杂的社会中给予弱势群体言说权力的后现代主义的社会理想。在表现风格上，这些活跃的实验与19世纪的新古典主义景观建筑有着相似之处，同样为视觉艺术所启发，同样强调几何圆形的运用而不是所谓的自然主义风格。但在这里，个人的想像力综合了现代主义完善的功能关怀，艺术的思索将现代景观中的社会要素视为创作的机会而不是制约，艺术在创造独特的景观环境上的作用重新确立和深化了，但此时的艺术是设计的激励，而不是先验的形式主宰。
小结
经过一个世纪在艺术和科学两个方面的延伸与发展，美国现代景观建筑学以其具有自身特征的社会性和生态性的尺度与传统园林划出了分水岭，在不断的拓展与变化中已经成为个多元多价值观的实践专业。然而，作为人类感知自然的媒介，景观建筑学的三个潜在关怀——美学、环境和社会，在美国现代景观建筑学的发展中并没有随着时间的流逝而淡化，相反，强调景观中人与自然的和谐，强调景观中社会公平的体现，强调景观中对人的精神愉悦的诉求越来越清晰地成为构成其价值体系的基石。从小尺度的庭院和街区花园到巨大尺度的国家公园，其实践中所关怀的价值也许侧重不同，但每一个优秀的设计都是以上三个价值方面的平衡与综合，而不仅仅是图案化的形式或者功能的简单满足。今天，随着我国经济的发展，我们的城市建设和景观设计与实践进入了一个高速发展时期，然而主管部门对综合的景观建筑学教育的漠视与杂乱而分立的景观建筑实践使我们在万花筒般的现实面前，无法确定我们是什么人或我们应该如何称呼我们自己，园林师、景观建筑师还是环境设计师？不断出现的浅薄形式化的、缺乏对人与环境真实关怀的武断的景观设计，深深反映出我国景观建筑学价值关怀的贫乏与苍白，在我们的景观建筑学依然充满困惑与混沌的时 候，美国现代景观建筑学创始人之一的奥姆斯特德及许多美国现代景观建筑先驱所坚持的主旨——创造可持续的、为人生活的和公正的景观，并给予这一清晰的理念以想像的形式，也许能给予我们许多激励与启示。这一主旨是美国现代景观建筑学一个世纪的追求，也许会同样伴随着我们走入现代景观建筑学的下一个世纪。
（作者单位：黑龙江宝厦建筑设计有限公司）