色彩艺术论文范文第1篇
摘 要：绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。
关键词：色彩；绘画艺术；魅力
梵高认为，绘画色彩的目的在于表现人类最炽热的情感，而色彩在绘画中最擅长的是表现人物内心的情感，达到情感共鸣的效果和有着瞬间性的唤起视觉的注意力。绘画中不同的色彩运用将会给人们带来不同的审美感受，人们对于色彩的感觉和自身的体验都会有客观性的联系和情感的体验，就像人们看到绿绿的大草原就感到愉快和幸福一样，色彩都具有着自身的“情感”。色彩还具有着表达“积极”或者“消极”情绪的作用，色彩的情感又受到各种因素的影响，比如，环境和地域、不同的民族与肤色等等。
自然界的色彩现象为我们的视觉提供了丰富的色彩资源，画者作为视觉艺术的创造者，更应关注对色彩的体验和感受，让色彩成为我们表现自然，表现情感的自由手段。视觉形象不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握。色彩可以传达人的思想和感情，明快与忧郁，兴奋与平静。然而，不同色彩的完美组合，会使人寻觉到色彩的奥妙，感受到迷人的旋律。色彩在绘画中从来不是单一的角色。色彩既是无限变化的，又是有规律可循的。从色彩的对比中依靠虚与实，明与暗，疏与密，厚与薄，有行与无行的变化，成为表现性的重要语言。在今天这些媒体发达的时代，应当去磨练我们的全部感性和感觉，挖掘自己真实的色彩感觉，建立属于自己本质的色彩感觉。葆蓄珍贵的感觉，相信自己的眼睛！
一、色彩具有体现艺术品冷、暖感受的魅力
从唯物辩证法的角度出发，冷和暖是一对矛盾，冷和暖在一定的条件下可以相互转化。哲学范畴来看，色彩的冷、暖感是并不是色彩本身具有的性格，而是人们对客观的事物本身，通过人的精神世界所反映出来的感受，是一种视觉上的感受。因此，人们在不同的精神状态和情绪下会对不同的色彩产生不同的心理，就像马克思所说的“顾虑重重的穷人对最美的景色也无动于衷”，即使是同样的色彩，根据观众不同的情绪和精神状态会产生不同的审美效果。这也充分地说明了客观世界的物质景观与人的主观精神世界的关系。
冷暖色调的运用在美学的艺术范围中，使一些才华横溢的艺术家们能够在强烈的阳光照射中发现出闪亮的冷光，在冰山雪景中充满着光照的温暖色彩。对于有背光和受光部分的物体，我们不仅要分辨出来亮的部分和半影部分的冷热调子，还应该感受到这一冷热调子所给带来的影响和情绪，也就是冷调子和热调子哪一方更倾向主导和统治地位。有些情况下，虽然有阳光的直射，某些物体的表面还会有强烈的冷光色调的反射，这就需要我们不断地深入觀察和比较，去发现去发现客观的规律。在大片的阴影中，其阴影边缘的颜色与所相邻物的色彩可以构成冷暖的交织。由于强烈的光照耀，相对的在受光部与更冷更暖色彩的对比下，受光的部分会有耀眼的光点产生，而这些光点的色彩会根据观看的不同角度和位置背景的衬托而产生色彩的差异。色彩的冷暖变化规律是可以在长期的艺术实践中掌握，美学中的绘画色彩贵在独创，而非单纯地模仿自然的颜色。
二、色彩具有体现艺术品节奏韵律的魅力
“节奏”一词本出自于 音乐 术语，节奏是在电影、音乐、诗歌等能够从视觉和听觉的角度所感受到的，是存在于有着时间形式的艺术作品当中。在绘画的艺术作品中体现到的节奏是通过反复的色与形的结构，间断和连续性的线条，色阶的转变的过程和色调的明暗和浓淡产生的顿挫抑扬都可以表现绘画中的节奏。从静止的画面中，追随着画中的色、线和形的变化与配列，使观众逐步地深入到艺术作品所塑造出的艺术形象当中去，反复出现的形态将给观众造成节奏的韵律。在一幅画中多种色彩之间，由一种色彩向另外一种色彩的过渡转变和色彩明暗度的变化上会出现跳跃和高低的亮点。线条的长短和轻重的组合，相似色块反复出现在一定位置等都会使色彩的韵律加强，给画面增强节奏感。对于整个画面的色彩配置，形成显着的色彩节奏，以增强整个画面的构思来创造的节奏进程是画家们要考虑到的“构思”。对于画家，只有能够正确估算到不同的色彩倾向和色块之间的邻接和对比的关系，预想到色调转变的情况下才能根据“节奏的进程”来创造和谐色彩，造成色彩节奏的强烈感。
三、色彩具有传达人的思想和感情的魅力
明快与忧郁，兴奋与平静。红色能把人带入热烈奔放，令人振奋的气氛中；蓝色则传递一种忧郁和悲哀的情绪。然而，不同色彩的完美组合，会使人寻觉到色彩的奥妙，感受到迷人的旋律。面对丰富多彩的世界，画者通过对不同色彩的感受把自身的情感和富有诗意的想象力，创造力一起融入绘画当中，使色彩和画者的情绪并置在一起。
从色彩的感觉来看，色彩是一种活跃的视觉力量，也是视觉之根本。视觉的基础无非是准确的色彩，有物体存在的知觉，可以说就在于能够分辨色彩。就美感而言，色彩的力度并非一定要以素描的形准为依赖。绘画色彩终究是人的包括大脑在内的视觉机能的综合反映，是以人的视觉感受为基点的，首先要由画者自己的感觉发现，任何意义的模仿都不可能产生现代意义的绘画作品。关于色彩的情感，我们不能不提起凡·高。凡·高是人类绘画史上最典型地运用全部生命，倾注色彩感情本质的画家。全部感情色彩的投入，使凡·高的绘画以一种扭动，旋转以及福运动的笔触，画面的厚重堆积而大放异彩，每一个笔触的排列都散发着拨动内心的强烈激情。明确地显示着色彩自身的情感力量。给你留下了唯以磨灭的生命情感的印象。因此，应正确认识色彩在绘画中的价值和色彩的自身价值，要意识到色彩的独有的视觉地位，把色彩用在“写”，而不是“描”和“填”中去得到体会。培养和掌握从理性和感性的两方面去观察色彩的习惯和方法，用色彩关系及变化规律去理解和分析对象的色彩，提高色彩感觉能力和运用色彩的能力，而保持色调的整体感觉，保持画面的新鲜感是色彩训练的重中之重。在美术方面，理论先与实践是绝对没有的。用理论选择色彩，要算作是将来的事。“如果要求技法仅仅遵从共通的法则，是不可能适应一切的。”
色彩艺术论文范文第2篇
【摘 要】本文通过分析后印象主义、野兽主义、立体主义等画派的绘画语言及特征，来论述创作主体和主观色彩形成的关系，揭示油画创作中主体的艺术情感对主观色彩的影响。
【关键词】现代油画；主观色彩；发展；影响
主观色彩在油画创作中，无论是写实作品，还是表现性作品，色彩的主观性都是画面构成重要特征。主观色彩在油画创作中的表现性也一直是当代画家十分关注的话题，以强调主观色彩的表现性绘画也成为现代油画艺术的主要特征，从它的发展变革及影像来看，其色彩表现形式和创作风格也具有独特性，依据创作主体不同的艺术个性和情感特征，呈现出不同的主观色彩和精神主体表达。
一、现代油画后印象主义的色彩语言和风格
西方油画发展到了后印象派时期，反叛现实传统摒弃了旧的艺术观念，开始出现了新的关于艺术的重新建构。例如结构主义画家运用块面造型和冷色、暖色的强烈对比，并以重组色彩结构来表现色彩的内在精神，以塞尚为代表的后印象派画家用主观色彩重新建构的方式拉开了现实和画面的距离，进一步突出了画家的精神性。原始象征主义画家高更，他的色彩多呈灰暗，主要表现了对原始美的艺术追求。一代大师梵高，他则更加注重浓烈的主观情感和色彩的表现力度，梵高的作品中出现最多的黄色似乎代表了他苦难的人生，他的绘画风格也代表了色彩主观表现与建构的一个遥不可及的高度。
其实从印象主义开始就摒弃那种一直以来以画面所呈现出的褐色调子，艺术家们提倡在阳光下直接对物象进行描绘。所谓把画室搬到户外就是要表现出真实的大自然，结合自身的观察理解来抒发主观精神感受。艺术史上真正的最大的转折要数后印象主义的出现。艺术家们强调一种从现实引申出的情感，他们认为客观的色彩限制了表现的实质和对情感的主观表达。三位后印象派的艺术大师塞尚、高更、梵高，他们的主观色彩同样能够代表后印象主义的绘画高度。以至同样受到影响的还有后来出现的野兽派、立体派和未来主义的画家。
最早提出用块面来造型的是塞尚，他专注于物体的稳重，对客体进行内在的表现。还有代表原始主义风格的高更，他把民间版画、黑人雕刻，以及宗教绘画艺术等融合在一起，采用了一种朴拙的调子来表现出对原始美的追求。把主观色彩的建构和追求发展到一个高度的是梵高，他用一生的时间追求色彩带来的无穷变化。梵高可以说是表现主义的一代大师，他为表现主义奠定了基础。
二、现代油画野兽主义绘画的主观色彩结构
在后印象主义之后出现了一个在法国风靡一时的现代绘画团体，它几乎凝聚了那一时期法国绘画艺术风格的创作的主要思潮，它被称之为“野兽派”。这一风格的画家们用笔粗放、画面效果强烈，对主观情感的表达充分显示了表现主义的倾向。其中的代表画家马蒂斯在早期的时候，对他的绘画影响最大的是毕沙罗、塞尚和高更等艺术家们。他通过自己的研究和努力探索也创立了自己的绘画语言风格，他根据情感需要把画面中的色彩平面化，突出装饰性特征。其中的代表作品《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》显然反映出野兽派主观色彩的典型特征。其画面当中呈现出的色彩很浓重，还有着强烈的对比性，但是整个画面的色彩看起来是非常平稳和有序的。人物的面部正中有一道绿色的粗线，正是这条线反映了他反传统的特征，这种色彩关系完全是画家自己的主观感受而非对现实的抄袭，同时从画中可以看出马蒂斯对绘画的态度和对色彩的主观理解。
马蒂斯注重色彩表现特征的平面化，喜欢用单纯的色彩来追求画面的装饰感。同时他将空间和立体部分统统减弱，达到一种造型极其简练、画面充满稚趣的和谐关系。马蒂斯的另外一幅有名的作品是《舞蹈》，这也是他人生中很重要的作品。画中舍弃掉对明暗的塑造、色面的平涂和夸张有趣的人体形态，赋予了这幅画的革新性，体现出了大师的主观性。这幅画没有那些繁杂的形体刻画描绘，画面中的形体都是用曲线和平涂的色面来进行表现，野兽主义在1905年的巴黎秋季沙龙展览上发展起来的，是继后印象主义后的一种新的创造观念。
三、现代油画立体主义绘画中的主观性色彩语言
《亚维农的少女》是立体主义代表画家毕加索的代表作品，他通过抽象和变形把画中的人物按照变换透视的方法，以不同的视角通过色块的平涂巧妙地安排在了同一个平面。立体主义画家提出了新的绘画论证，进一步加强了画面的表现形式和肌理感。从另一个角度来说，它重新建构了主观色彩，重组了物象的形体，发展了绘画中现代主观色彩的一个新的领域，突破了主观造型在西方现代油画史上一个新的阶段。立体主义是一个影响深远的画派。从根本上看，立体主义画家走出了旧的客观创作思维，建构了新的主观创作理念——一种几何画面结构对传统客观再现的舍弃，进一步加强了主观观念对艺术创作的指导性作用。画中被分解或重构的人物、风景等，与背景相交融，观者会对其产生更深的认识。它所阐述的这种艺术观念是多层次的，表达的视角也是多方位的。立体主义既可以写实，也可以高度概括，甚至可以进行分解重构，这些艺术创作最终是由画家通过主观情感和思想的理性安排的。
四、现代油画抽象主义绘画中主观色彩的建构
19世纪末以来在欧美各国兴起的美术思潮和流派——抽象主义，它否定描绘具体物象，主张抽象表现。在西方艺术论著中，抽象主义﹑抽象艺术﹑抽象派是同义语。最早的抽象主义绘画便是由康定斯基于1910年前后画出来的。沃林格是康定斯基的朋友，他积极支持表现主义运动，并为之扩大影响。
抽象主义不仅有它独特的价值也有它的局限性。抽象派表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。抽象派的画作也往往具有反叛的、无秩序的、超脱于虚无的特异感觉。
抽象主义发展了立体主义的造型，他的观念和思想从另一个角度来看，是继立体主义之后，关于绘画艺术主观性和抽象主义艺术的产生，这样一个对于艺术写实性的完善与补充。最具代表性的是蒙德里安，还有康定斯基。一个开拓了几何抽象主义的道理，后者则是以它的构成和形式来创作的。它的色彩观念能够非常直观地表现出创作者的主观情感，并把创作的观念和感受拿来作为艺术作品的核心来构建。通过对具象事物的剥离来加强和强化主观色彩的表现力，同时突出画家的思想性。其中的两大特征可以归纳为：第一，将客观事物简化形成概括的物象；第二，高度抽象的几何构成不以自然客体为参照基础。
在抽象主义中，主观色彩的建构和造型是一体的。它在绘画中，表现为不以描绘具象事物为目的的抽象绘画艺术风格。人们的各种情绪借由色彩、形体、块面等来传达。艺术家蒙德里安的《红、黄、蓝的构成》就是通过最单纯的被简化为单纯色彩的红黄蓝来表现画面的构成。画面中通过黑色的粗线来控制，通过变形简化达到一种抽象，构图简洁，画面中的色带只有红黄蓝，画面中的形体只有直角和方块，画面中的线条只有水平和垂直线。画家重组与分割后使画面充满生命力，做到了理性抽象。
五、结论
主观色彩在当今油画创作中早已不是个新鲜概念，但主观色彩仍然是一个不断发展着的生命体，表现为一定时期的艺术思想和审美需求影响下的主观色彩语言结构，当前，我国的许多油画家也都在从不同的艺术视角建构着自我的主观色彩语言，共同推动着我国新时期油画艺术的发展和创新。
参考文献：
[1] 邵大箴.法国印象派绘画[M].吉林美术出版社，2000.
[2]李行远.印象派画传[M].花山文艺出版社，2004.12
[3]芦甲川.油画创作中的主观色彩语言研究[D].新疆师范大学，2008.
【徐 玲，安徽师范大学美术学院】
色彩艺术论文范文第3篇
【摘要】从古希腊时期到20世纪，西方艺术批评史上对色彩与素描在艺术创作中孰优劣孰的争论，呈现一种纷繁复杂而态度鲜明的艺术评判轨迹。实际上，色彩与素描只是艺术创作的符号，而不是借以评判艺术品高下的尺度，当作品生成时，素描与色彩已合乎逻辑地存在于作品之内了；它们在艺术创作中具有不同的作用，它们相互之间也存在着密切的关系。素描与色彩之争不能仅仅看做是审美趣味的差异，更是艺术观念与审美理想在起主导作用。
【关键词】西方艺术批评史；色彩；素描；艺术符号；审美趣味；艺术观念
绘画中的色彩与素描孰优孰劣，在我国艺术界还时见争论。西方艺术批评史上有关这个话题的争论也由古希腊时一直绵延了下来，是西方艺术批评史上的基本论题。意大利艺术史家文杜里的艺术史学名著《西方艺术批评史》是西方第一部艺术批评史，提供了丰富的艺术史资料和线索，色彩与素描则是本书的关注重点，几乎每个艺术发展时期文杜里必以相当篇幅涉及。本文试着将他著作中有关这方面的内容梳理一下，归纳西方不同的艺术发展时期对色彩与素描的认识、他们对这个跨越2000多年的热门艺术话题的结论以及文杜里对上述论题的见解，
西方艺术批评史关于色彩与线条的争论，始于古希腊时期，止于20世纪，在每个艺术时期，都有著名的艺术家、艺术批评家或哲学家参与其中，是艺术批评史上最重要的话题之一，其中可见不同的艺术发展期对艺术媒介与艺术评判尺度的不同认识，具有珍贵的艺术史料价值。
（一）古希腊、古罗马时期
古希腊时期，亚里士多德在《诗学》里说过，用最鲜艳的颜色随便涂抹成画，不如在白底子上勾出来的素描轮廓可爱。亚里土多德的这个绘画思想跟孔子的“绘事后素”如出一辙。古罗马哲学家琉善认为运用色彩可以带来豪华，但这种华丽是为了给野蛮人的眼睛观看，野蛮人不懂得欣赏美，他们用色彩炫耀华丽是为了让人们惊奇而不是为了让人们欣赏。古罗马批评家狄昂尼西奥说过：“在古代绘画中，色彩的组合是简单的，而线的运用却是精致和完美的。”他还指出色彩的发展与整个艺术的衰落相伴随。古罗马科学家普林尼也认为艺术的衰落与色彩的运用有关，他说：“古希腊著名画家阿佩莱斯的不朽作品中只使用四种颜色，而现在的艺术创作却是大红大绿。”他断定艺术杰作不会再有了，在他看来只有加工少的东西才有可能成为杰作。古罗马作家维特卢维亚也认为，在古代人们欣赏的只是艺术家的天才和作品的完美.而今天只赞美华丽的色彩，艺术是在堕落，因为绘画的科学不被重视。
（二）中世纪
在文杜里看来，在14世纪前，艺术批评似乎趋于沉默。中世纪最伟大的美学家奥古斯丁和托马斯·阿奎都意识到造型艺术法则中精神的因素，这使得艺术能有效地从古希腊人所理解的那种自然中解放出来。14世纪末，佛罗伦萨画家切尼尼的《艺术指南》，评论的主题涉及色彩和素描之间的关系：素描的理性价值、色彩的魅力、素描和色彩达到和谐统一的困难。切尼尼提出艺术的基础是素描和色彩，他认为素描涉及用脑子的问题，素描是一种感觉形体与表现形体的能力，而不仅仅是用什么方法画的问题，更不仅仅是一种练习和技术。切尼尼意识到为了使素描显得比较高明，要通过深浅层次不同的光逐渐转变过去，明暗的转变不能显得太突然。他知道明暗要破坏色彩的美，但还是倾向通过明暗的处理来突出素描，可见切尼尼更青睐素描的造型。文杜里认为切尼尼给予定义的艺术不是一般的艺术，而是乔托的艺术，乔托素描所达到的高度在艺术史上是由切尼尼清楚说明的，因此切尼尼偏爱素描也在情理之中。
（三）文艺复兴时期
文杜里注意到威尼斯的批评家非常注重色彩的经验，佛罗伦萨的批评家则更看重素描的力量。艺术批评家多尔齐认为立体感的问题也就是色彩的问题，应该是立体感服从色彩，而不是色彩服从立体感。多尔齐相信当一个画家有能力再现物体的真实色彩和真实质感时，他的画就活了；着色的关键是明暗的对比之处，明暗部分应有一块中间的颜色做过渡，不能把颜色画得很强很硬，也不能把阴暗画得很黑。着色的关键不在于选择漂亮的颜色，一定程度的漫不经心是必要的，色彩过于周到是最大的危险。意大利艺术史家瓦萨里在其名著《画家、雕塑家和建筑家的生活》（1550年版）表达了对米开朗基罗的崇敬之情，在他看来，米开朗基罗通过人体，以其雄伟的气魄、精确的比例、有力的姿态和表情，表现了艺术上的完美性，米开朗基罗抛弃了色彩的妩媚、细节的变化和多样；而别的画家由于素描的基础不扎实，就只好在色彩上寻求浓淡和层次的变化。可见在1550年的版本里，瓦萨里是以素描基础的扎实与否来判定艺术成就的，不过在1568年的版本里，瓦萨里承认色彩浓淡和层次的变化也是通向艺术的一条道路。他还指出拉斐尔在他最后的作品中由于运用了米开朗基罗式的素描，而部分失去了他原来的艺术特色。瓦萨里的这一评价由于表现出对艺术个性的理解，而受到现代批评家的赞同。活跃于16世纪中叶的意大利艺术批评家宾诺认为绘画应该是米开朗基罗的素描与提香的色彩相结合，文杜里认为这种折衷主义理论是艺术个性消失的一个信号。
（四）巴洛克时期
法国艺术理论家费利拜恩在他的《有关古今最优秀的画家的对话》中指出为了达到理想的美，首先要抓紧构图，构图高于技巧，属于精神性的东西，他认为素描支配色彩，在表现历史、寓言、人物表情方面，素描是重要的；但色彩则不具备这种重要性，因为人们无法科学地对色彩进行控制。费利拜恩承认美是没有规则的，但当把构图设想出来之后，就需要按照范例来画好素描。意大利艺术史家鲍希尼认为素描是油画的基础，不过在实践中，素描只是艺术的入门，赋予素描生命的是色彩，如果没有色彩，素描就只是没有灵魂的肉体。对色彩的运用，鲍希尼认为厚涂便于产生速写效果，点彩便于从容观自然对象中解放出来，色彩的统一能使画面调子柔和，色彩平滑能使各部分更清晰，笔触迅速可获得大胆的色彩效果，用渐强或渐弱的方法能使色彩显得丰满圆润，涂上透明的色彩可以使画面更加协调统一。鲍希尼关于色彩的见解代表着当时色彩理论的最高成就。
（五）启蒙主义与新古典主义时期
18世纪最伟大的展览会评论家、启蒙运动的领袖狄德罗盛赞夏尔丹才算是画家，才算是色彩家。他认为夏尔丹的画色彩相互覆盖，其效果从最底层一直透到最外层。狄德罗在《绘画随笔》中声称色彩是生命的形式，素描能手并不缺乏，伟大的色彩家却很少。德国艺术史家温克尔曼把艺术家的内外感觉加以区分，内部感觉指的是欣悦温柔和具有想象力的情感，外部感觉由造型和色彩表现出来，造型是基础，因为它能准确地表现出对象的实在性，而色彩却是随着观察者的个人而起变化。
（六）浪漫主义时期
德国评论家海因斯在莱辛开创的绘画与诗歌关系的论题中，不再满足于找出诗与绘画的区别，而是力图找出素描与油画之间的区别。他提出油画用色彩作画，那么色彩应该始终是绘画的目的，温克尔曼是由于没有色彩感才会认为造型是绘画的基础。英国艺术评论家罗斯金观察到线、面、块体是审美发展的三个关键，人们通过光暗和色彩两种方法去完成这样一个过程，光暗的方法与科学探讨相一致，而色彩的方法则与天然趣味、自由、艺术想象相一致。因为罗斯金能把艺术家的审美观与造型技巧统一起来考虑，所以他成功地摆脱了古典艺术认为造型高于色彩的偏见。
（七）唯心主义美学时期与19世纪当代的艺术批评时期
文杜里所谓的唯心主义美学运动，其艺术上的雄心是要造成一种兼具浪漫主义内容和古典主义形式的艺术，始于18世纪结束之前，在19世纪最初十几年间达到鼎盛，到19九世纪下半叶才渐趋衰败。其间批评家的代表人物是黑格尔，黑格尔认为画家以幻想取代真实，因而需要更多精神上的东西，色彩所擅长表现的是通过对象反映出更多个人的特征。在黑格尔看来，色彩更能适应情势的多样与瞬间的不同，色彩的基础是光，光属于绘画的物理因素，它是由绘画产生的明暗效果的对比而产生的。色彩具有心理学的象征性，依靠基本色的调配，可以达到自身的调和，色彩应是大胆的、充满力量的。
德拉克洛瓦认识到色彩分布在构图上的重要性，附属性的细节必须完全服从整体的色彩效果。色彩自身的力量、效果和变化是德拉克洛瓦绘画时首先考虑的，他很不满把素描视为绘画质量关键的新古典主义艺术。他细致地探讨了色彩的要素，比如他认为掌握中间色调的处理原则对于取得真实的色调是最富于效果的：为了取得各种色彩的明亮，应尽可能运用色彩的并置。安格尔却认为素描才是真正的艺术，素描包括了除色彩外的艺术中的一切。他确信凭素描就可以造就出油画家，而色彩只能给予绘画装饰作用，只能使真正完美的艺术显得更可爱，其他别无它用，安格尔嘲讽色彩只是绘画中的婢女。对于用色，他提出不要用过于热烈的色彩，过于热烈的色彩与传统不合，用色宁可偏于灰暗而不要偏于炽热。象征派诗人波德莱尔也是一位对绘画有精深研究的专家，他以委罗内塞为例，提出色彩实际上并不排除杰出的素描：委罗内塞创作时争取大块的整体效果，忽略某些素描的细部以及轮廓上的小变化，在这些地方色彩的笔触吞没了清晰的线条。
在西方艺术批评史上，古希腊、古罗马、中世纪，一边倒地偏向素描而非色彩。文艺复兴时期，威尼斯的批评家注重色彩的经验，佛罗伦萨的批评家更看重素描的力量。巴洛克时期、启蒙主义、新古典主义时期是色彩与素描相持不下的时期，既有评论家不理解色彩是一种艺术语言，认为素描支配色彩，也有评论家认为素描只是艺术的入门，赋予素描生命的是色彩。浪漫主义时期，色彩被认为是绘画的目的。唯心主义美学时期与19世纪当代的艺术批评时期，德拉克洛瓦、安格尔对素描与色彩的见解及当时围绕他俩作品所展开的讨论，使对色彩与素描的探讨进入新阶段，它们的各自优点都得到了彰显，实际上是在尖锐冲突中达到了意想不到的和解。进入20世纪后，西方艺术批评界对素描与色彩的争论归于平静。
文杜里认为线条和色彩只是两种艺术符号而并非艺术本身。普遍性的艺术观念和一件具体作品之间的直观联系很紧密，历史的任务要求说明这种直观性的关系并找到相应的符号。把符号由普遍性转化为具体的艺术作品时，线条与色彩这两种符号已经合乎逻辑地存在于作品之内了。文杜里反对把艺术品与观者的审美趣味混淆起来，反对把一种视觉符号当做批评的尺度。在文杜里看来，各种符号联系着各个特殊的人，同样也联系着各个不同的时代，素描与色彩作为艺术符号，包含着不同的艺术家和属于不同集团的艺术家们的风格和他们使用的不同的艺术词汇。符号是属于心理学方面的并不具备艺术判断的价值。素描与色彩只是两种符号而非艺术本身，所以可以说它们具有同等的价值，而且任何选择都可能是恰当的，因为这有赖于审美趣味。文杜里认为关于素描孰优孰劣的界说，都只是某种审美趣味的偏爱，而不是一种永久性的美学真理，并不具有客观的带着普遍性的哲学意义，因为这只是评论家个人感觉上的主观的偏爱。审美趣味带有过多的个人特性，审美趣味的相对性，很容易产生对于艺术家个人特性的种种误解；对于作品的理解，必须按照过去艺术的愿望和观点去解释它，要按照原作者的审美趣味去进行分析。
文杜里看到素描与色彩只是艺术符号而非艺术本身，当作品生成时，素描与色彩已合乎逻辑地存在于作品之内了，离开作品谈素描与色彩孰优孰劣是不恰当的，正如吴冠中对笔墨之争的著名论断：“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零。”不过，文杜里只强调素描与色彩是艺术符号，而没注意它们在艺术创作中的不同作用与相互关系，实际上“线条具有一种附加的物理特性，这种特性与其他艺术元素紧密相关，线条可以支配色彩、明暗和构图。”对色彩而言，“将色彩引入一根线条，会增加一种重要的表现性潜能，色彩可以强化其他线条的质感。”并且对有些艺术家来说，“创作时头脑中最先考虑的头等重要的因素是色彩对事物的识别作用。”
文杜里把素描与色彩之争仅仅看做是审美趣味的差异，也略有不妥，重素描还是重色彩，往往是艺术观念在起作用。“观念支配世界，观念改革世界。”对什么是艺术的认识才会从根本上决定如何创作艺术品，艺术观念与审美理想紧密相关，审美理想是艺术家进行艺术创作的最高指导，审美趣味是受审美理想制约。古希腊评论家更欣赏能简单赋形的线条而忽视色彩的价值，因为色彩的善变与不易把握与他们的重理性的审美理想相悖。野兽派转向平面上涂满色彩的绘画，并不是色彩偏好的审美趣味在起主导作用，主要是由于艺术观念的转变：他们反对以对事物表象的反应所产生的情感为基础来进行艺术创作。
三
素描与色彩之争是西方艺术批评史上最重要的论题之一，文杜里的《西方艺术批评史》评述了不同艺术时期对这个问题的争论要点，理清了纷繁复杂中的主要线索，并提出了自己的意见。他自信地表示：“只有当一个人具备了他的文明条件所允许的十分完善的审美观时，才能够理解过去的文明和遥远区域的审美观。”可以说，他对西方艺术批评史上的素描与色彩的精彩论述，基本实现了他摆脱各种复杂的唯美主义而使本书“成为真正的艺术批评史”的意图。
色彩艺术论文范文第4篇
摘 要：设计色彩和色彩构成都是艺术设计专业教育中的基础课程，所以设计色彩和色彩构成课程教学内容中有一部分重叠之处，同时设计色彩课程与色彩构成课程在教学过程中都有不同的侧重点，并且两门课程都从物象创意表达到色彩关系的配置互为作用。现阶段如何在艺术设计专业教学中将设计色彩与色彩构成两门课程融合在一起，在避免两门课程教学内容重复出现的基础上对课程教学进行设计，并且利用科学的艺术设计专业教学观念对两门课程教学内容的顺序灵活安排，这样才能确保设计色彩与色彩构成融合而成的新课程教学效果和质量，同时也可以有效确保设计色彩与色彩构成两门课程融合后保证二者的相互作用。本文首先对艺术设计专业的设计色彩与色彩构成两门课程关系进行分析，并基于新课程教学内容以及教学实践要求对教学理念以及教学环节进行设计，力求通过设计色彩与色彩构成两门课程的融合教学提高艺术设计专业整体教学效率，通过新课程教学培养学生具有良好的分析能力、理解能力以及创造能力。
关键词：艺术设计专业 设计色彩 色彩构成 融合式教学
现阶段随着我国社会建设与经济发展不断取的新的成就，新时期社会各领域对艺术设计专业学生的个人素质、能力要求也在不断提高，不仅要求学生要通过学习培养出良好的艺术设计专业素养，同时也要求学生要具有良好的分析能力、理解能力以及创造能力，只有这样才能确保艺术设计专业教学质量可以教育发展要求，也只有这样才能确保艺术设计专业学生可以更好的服务于新时期社会建设。艺术设计专业中的设计色彩与色彩构成课程教学内容上有一定范围的重叠，若想在艺术设计专业教学中将设计色彩与色彩构成两门课程融合到一起，这就要求新课程教学实践中要科学、合理、灵活安排课程教学内容的顺序，保证设计色彩与色彩构成两门艺术设计专业基础课程内容的精髓，这样才能确保通过融合式教学可以更好学生学习效率与质量，对促进艺术设计专业教学在新时期的良性发展有着重要作用。
1.设计色彩与色彩构成课程理论的精准把握与比较
现阶段在我国各大出版集团所出版的艺术设计专业的基础教材中，很难挑选出适合我国艺术设计专业在新时期教学中所需要的高标准教材，这便要求艺术设计专业教育中要通过整合、优化现有教材内容，将《设计色彩》与《色彩构成》两门课程教材内容进行整合与调整，创建出一门完善的艺术设计专业教学中的基础课程内容。艺术设计专业的设计色彩课程教学内容主要包括：色彩基础知识、色彩归纳写生（主观写生、客观写生）、色彩的联想和感知觉的表达以及色彩在实际设计中的运用等，同时也在很大程度上揭示出了艺术设计专业所有色彩设计的共同规律。艺术设计专业的色彩构成课程教学内容是对色彩规律系统进行完整、科学、理性的深入研究，在揭示艺术设计专业在实际设计中所使用色彩规律的同时，通过色彩构成课程教学教授学生掌握正确的色彩设计使用规律，使学生可以运用科学、系统的色彩规律完成艺术设计等。从艺术设计专业设计色彩与色彩构成课程的项目驱动任务书中可以发现，除设计色彩课程中的色彩歸纳写生等教学内容较为特殊外，其他的任务书都是对事物形与色的相互补充与作用的要求，同时也可以明确了解到设计色彩与色彩构成课程对画面形式感的要求也十分相似。
2.设计色彩与色彩构成课程内容之间的关系
现阶段我国艺术设计专业所使用的《设计色彩》与《色彩构成》等教材，由我国各大出版集团分别设计、整理、出版的相关书籍共有百余种，其中很大一部分《设计色彩》与《色彩构成》相关书籍无法适用于艺术设计专业教学使用，同时在这百余种相关书籍中真正有价值的教材寥寥无几，而且这百余种相关书籍中的设计色彩与色彩构成内容也良莠不齐，直接导致艺术设计专业学生对设计色彩与色彩构成的关系感觉到十分疑惑。现阶段通过对设计色彩与色彩构成相关文献的研究及教学实践可以发现，艺术设计专业的设计色彩与色彩构成课程教学内容具有重叠性，同时艺术设计专业所使用的设计色彩与色彩构成课程教学内容又各有侧重，从艺术设计专业所使用的设计色彩教材中我们可以发现其教学内容主要是色彩基础知识、色彩写生、物象形色表达以及色彩设计共同规律等，而艺术专业所使用的色彩构成教材内容主要是对色彩规律系统的深入分析。艺术设计专业所使用的设计色彩与色彩构成课题作业形式中，我们可以发现除色彩写生与设计色彩在设计专业中的应用外，由于创意表达与色彩构成作为形与色的相互补充与作用，使设计色彩与色彩构成课题作业内容几乎融为一体，而且艺术设计专业当前所使用的课题作业内容画面形式基本相同。根据对艺术设计专业的设计色彩与色彩构成相关文献分析得出，设计色彩与色彩构成课程教学内容具有互为独立、相互交融的关系，由于设计色彩与色彩构成两门课程教学内容具有一定的重叠，这要求设计色彩与色彩构成在开展融合式教学过程中，要根据两门课程特点以及共性对课程教学内容进行科学、合理以及灵活的排序，这样才能确保通过开展融合式教学提高艺术设计专业学生整体专业素养。
3.设计色彩与色彩构成的融合式教学实践
3.1融合式教学内容
现阶段艺术设计专业在开展设计色彩与色彩构成融合式教学实践中，根据设计色彩与色彩构成两门课程内容特点以及教学特点将其划分为三个阶段，第一阶段主要是色彩基础知识与色彩写生的理论教学和实践教学两个部分。融合式教学中第一阶段理论教学内容主要包括色彩构成中有关色彩的分类、要素以及属性等基础知识，同时也将设计色彩教材中的色彩写生基础知识融入到了理论教学中，实践教学内容主要包括主题性静物写生的示范教学与应用教学等，所以融合式教学第一阶段主要是将研究训练贯穿写生、创意以及应用整个课程全程，使学生通过在深入研究的实践过程中感受、理解来自生活的设计理念。融合式教学第二阶段包含了设计色彩与色彩构成课程内容的难点和重点，同时也是艺术设计专业设计色彩与色彩构成融合式教学的关键环节，融合式教学第二阶段课程内容主要是物象创意表达和色彩构成两个环节的训练教学。融合式教学第三阶段课程内容主要是设计色彩在设计专业中的应用，学以致用一直是我国高等教育、职业教育永远坚持的原则，所以设计色彩在设计专业中的应用课程教学可以对学生所掌握知识与能力进行一次有效检验，同时也充分体现出基础课程教学与专业课程教学之间的紧密结合。
3.2融合式教学实践
现阶段艺术设计专业设计色彩与色彩构成的融合式教学实践中，在针对第二阶段物象创意表达的实践教学活动中，可以将第一阶段教学活动中的主题静物写生转向为设计的物象创意表达训练，这样不仅可以充分发挥出物象创意表达课程内容教学重点，同时也更好的将融合式教学第一阶段与第二阶段教学内容相连接。教师在针对融合式教学第二阶段的物象创意表达课程教学过程中，要通过课程教学设计充分调动艺术设计专业学生个体经验下的心智感受与表现，同时也要求教师在物象创意表达课程教学中要充分发挥出引导作用，避免学生在教学活动中对新课题产生迷茫、困惑以及无从下手等感觉。本文在针对融合式教学实践中的物象创意表达课程教学中，先后设计并使用现实形态的解析变体、视觉方式的转变以及运用电脑图形软件等方式，帮学生可以快速的对物象创意表达课程教学内容进行思考、选择、剖析、取舍以及重构等，这些方式对提高融合式教学第二阶段物象创意表达课程教学效果有着重要作用。
本文在艺术设计专业设计色彩与色彩构成融合式教学活动中，充分运用课件和多媒体辅助教学设备展示名家作品、本校往届优秀作品以及其他院校优秀作品等，同时也要求教师要基于生活设计角度對展示作品进行阐述与分析，使学生在融合式教学活动中通过客观角度对物象创意表达的过程有一个感性的认识。艺术设计专业融合式教学活动中在让学生对物象创意表达具有一定认识后，要求学生根据自己直觉的判断对前阶段静物写生进行选择，使学生通过具象的自主选择明确其形态与空间之间的关系，从而使学生可以对画面进行整体调整以及解构分析等处理，通过打破先是物体的轮框束缚重新构建出新的画面秩序，帮助学生完成由具象形态向创意物象形式以及形态结构向画面结构的转化。本文通过展示名家作品帮助学生改变传统的观看方式与习惯性思维方式，使学生在艺术设计专业融合式教学中可以掌握改变视点、视角以及充分观看等方式，通过具象、抽象、意象、变形、夸张、联想以及拟人等途经找到自身思绪入口，从而使学生通过融合式教学活动找到适合自身而又富有创意的表达方式，这种教学方法对提高融合式教学效率与质量有着重要的现实意义。
3.3提高融合式教学效果的措施
现阶段艺术设计专业设计色彩与色彩构成融合式教学正处于起步阶段，无论实在课程教学内容还是课程教学体系中都存在很多问题，这要求教师要在融合式教学实践中要通过探索与研究不断对其进行优化，在坚持“以学生为本”的新课改核心理念的基础上完善融合式教学体系，这样才能确保设计色彩与色彩构成融合式教学效果与质量。现阶段教师要根据院校办学方向与生源的类别合理安排融合式课程教学内容，同时教师要明确自身在设计色彩与色彩构成融合式教学中的作用，要求教师在融合式教学活动中要采用更多的启发和激发式教学方法，使学生在掌握融合式课程教学内容的基础上提高其整体专业素质。
4.结束语
根据对艺术设计专业的设计色彩与色彩构成相关文献分析得出，设计色彩与色彩构成课程教学内容具有互为独立、相互交融的关系，由于设计色彩与色彩构成两门课程教学内容具有一定的重叠，这要求设计色彩与色彩构成在开展融合式教学过程中，要根据两门课程特点以及共性对课程教学内容进行科学、合理以及灵活的排序，同时也要充分使用多样化、创新化的教学方法开展融合式教学活动，这样才能确保通过开展融合式教学提高艺术设计专业学生整体专业素养，同时也可以更好的促进新时期艺术设计专业整体教育质量的良性发展。
参考文献：
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[3]许懋琦.融合式教学法在广告与会展专业设计色彩基础课程中的研究.教育理论，2012.
色彩艺术论文范文第5篇
色彩是一种视觉语言, 每个人对于色彩的感悟和理解都是不同的, 在日常生活中, 人们常常用色彩来表达自己对美的感受。约翰·伊顿指出, 色彩就是生命, 因为一个没有色彩的世界本来就像死一般沉寂。色彩是一门艺术, 渗透到我们生活方方面面的色彩, 已经是我们生活、情感中的一部分。
1、色彩艺术
随着社会的发展, 人们在生理和心理上不断受到自然界色彩的影响, 进而感受、欣赏色彩。色彩是主观的, 艺术家们运用色彩来表现个人的反应与情绪, 艺术家们对色彩的运用可以说到了出神入化的地步, 以印象派莫奈为例, 在人们眼里看起来相同色彩的事物, 在莫奈眼中, 由于光的作用会产生无数种色彩的变化。
2、设计中色彩的象征与联想
色彩能引起人们各种各样的情感变化, 首先, 色彩与人类的感受息息相关, 不同的色彩会让人有不同的感受, 寒与暖、强与弱、明快与忧郁、高贵与朴素, 都会在不同的色彩配置中体现。其次, 色彩具有联想性与象征性, 不同的色彩很容易让人们产生一些联想。
色彩是有表情的, 以以下几种颜色来说, 红色, 红色是积极、热烈、温暖的, 常常表现一些积极、有活力的感觉, 在东方国家, 红色也是喜庆、吉祥的象征, 此外, 红色也有危险、警告的意思, 在日常生活中, 我们常常见到红色的警告与禁止的指示牌;黄色, 黄色像金色的光芒, 灿烂、辉煌, 象征着财富与权力, 最典型的代表就是中国古代的龙袍, 与红色一样, 黄色同样也有警告提醒的意思, 施工的安全帽、小学生的小黄帽都使用亮度最高的黄色来提醒;蓝色, 蓝色是一种广阔、平静的表情, 天空与大海的蓝常常让我们感觉到纯净、透明与理智, 同时, 蓝色也会给人悲凉的感觉, 例如基耶斯洛夫斯基“红白蓝三部曲”中的《蓝》, 蓝色的画面给人一种忧伤感。
此外, 色彩的搭配也是很重要的, 凡·高说:“没有不好的颜色, 只有不好的搭配”。在现代社会, 许多有经验的设计师与艺术家通过了解色彩对人们视觉感受的影响, 创造出既符合人们审美, 又有独特个性的艺术作品。
二、色彩在电影中的运用
色彩能够增强电影的感染力与表现力, 使电影更具美感与观赏性。电影的色彩从最初的只有黑白到现在拥有了绚丽的色彩, 丰富了电影的艺术表现力。鲜明的色彩将影片的主题与情感传达的更加到位, 与观众的交流更加顺畅。
1、电影中色彩的象征性与主题性
电影中恰当的运用色彩可以体现出电影的中心思想。以波兰导演基耶斯洛夫斯基的《红》、《白》、《蓝》为例, 红白蓝三种颜色来自于法国国旗的三种颜色, 分别代表了博爱、平等、自由, 三部影片通过不同场景中特定的色彩主题, 构成了电影全片的色彩主题, 并且这种主题色彩随处可见。
影片《红》中, 红色几乎无处不在, 似乎参与着叙事, 成为了电影中不可或缺的部分。影片主要讲爱, 不只是局限在男女之间的爱。红色的夹克象征逝去的记忆中的爱;摄影棚红色背景象征摄影师对瓦伦丁炽热的爱;亮着车灯的红色的轿车代表了对爱情的背叛。影片传达的本质内容正是这不经意中出现的醒目的“红”, 红色作为影片的主题, 已经不仅仅是一种色彩, 更是一种情绪的代表与象征。
影片《蓝》中, 电影讲述了女主人公在车祸中失去了自己的孩子与丈夫, 在她痛不欲生的时候, 却发现丈夫与另一名女子有染, 使她更加痛苦, 不知道该何去何从。电影中处处都是蓝色的物品, 从影片开始时蓝色的糖纸, 蓝色的玻璃窗, 到后来蓝色的蓝色的游泳池、蓝色的水晶串珠, 但是这些蓝色色彩的明度、面积都不相同, 展现出不同的情感与气氛。
2、电影中色彩的真实性
在电影发明的初期, 卢米埃尔兄弟的《火车进站》就十分具有真实性, 当观众第一次看到活动的影像时, 都以为是一种“真实的存在”, 当影片中火车开来时, 观众吓得四处逃窜。当彩色电影出现后, 由于色彩的作用, 画面更加逼真, 使人们更能感受到电影中符合现在世界的真实性。
真实是任何作品都应具有的特质, 它让作品更有生命力。就像表演中讲求真实性一样, 影片也讲求真实性, 影像的真实就是影片的生命力, 真实的影像色彩反映了真实的世界, 人们可以通过真实的色彩感受到创作者的思维与所表达的思想。
3、电影中色彩的民族性特征
在电影中, 色彩具有多种作用和功能, 渲染整个影片环境就是其中一种。以张艺谋导演的《红高粱》和《满城尽带黄金甲》为例, 《红高粱》中, 无论是背景的天空、太阳、高粱, 还是影片中出现的盖头、衣服, 都以红色为主, 中华民族把红色视为繁荣和幸福的色彩;《满城尽带黄金甲》中, 大量的采用了黄色, 代表着中国帝王的高贵、权威象征。两部影片中都采用了许多中华民族象征的元素, 有着浓郁的中国传统文化特色。
三、色彩在艺术设计中的运用
在设计中, 不同的色彩的运用会使作品呈现不同的思想情感, 色彩是艺术设计的主要手段之一, 设计师需要了解不同色彩的象征与特点, 才能更好的做设计, 使自己的设计既符合设计原则, 又有自己独特的特点。色彩在设计中的应用, 除了要考虑不同色彩带有的表现特性, 还要考虑色彩的搭配及关于流行色的考虑。
色彩与人们的生活紧密相关, 有时使用某一种色彩能够更加鲜明的突出主题, 提升视觉冲击力, 如基耶斯洛夫斯基的电影《红》、《白》、《蓝》系列, 整个电影色彩围绕一种颜色, 鲜明的突出了导演想要表达的思想。合理的色彩运用可以更准确、清晰的表达我们的情感。
摘要：在艺术设计中, 灵感与创意是必不可少的, 同时色彩也是设计过程中十分重要的一种表现手法。色彩是富有魅力的艺术语言, 具有不可思议的神奇魔力, 会给人的感觉带来巨大影响。在许多电影中, 不同的色彩能够烘托环境, 渲染气氛, 增强了影片的视觉感染力。因此, 在艺术设计中, 怎样对色彩进行选择和搭配是我们需要学习和研究的。
关键词：色彩,艺术设计,运用
参考文献
[1] [德]约翰内斯·伊顿.色彩艺术[M].杜定宇译.世界图书出版公司.1999.06.
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[4] 梁明, 李力.电影色彩学[M].北京大学出版社.2008.08.
[5] 冷先平.设计色彩学[M].中国建筑工业出版社.2014.10.
色彩艺术论文范文第6篇
一、色彩对于设计的重要作用
根据科学家们的研究分析, 色彩在艺术设计中占有非常重要的作用。它是艺术的一种表现形式, 也是艺术设计中的重要元素。通过色彩表现, 可以使产品的性能更好的发挥, 提升消费者的满意程度。色彩在艺术设计中的影响是非常重要的, 良好的色彩运用会给人留下非常深刻的印象, 也会提升人们使用产品的幸福感。
1、具有强大的感染力
人类对于色彩的感知是非常强烈的, 色彩具有强大的表现力与感染力。它会影响到人们的心理, 影响到人们的情感。同时, 色彩也是环境的重要组成部分, 在我们的生活中无时无刻不体现着它的重要性, 人类对于色彩的感知是直接的, 同时也是复杂的, 色彩与人类的文化, 地域, 爱好等因素都有重要的联系, 在不同的环境下色彩给人的感觉是不一样的, 同一种颜色在不同的时间地点给人的感觉相差甚远。例如:当今世界的交流范围不断扩大, 这也造成了不同民族不同文化之间的相互碰撞, 每个民族有每个民族的特色, 比如说当中国游客出国旅行时, 有些游客可能在差异较大的环境下睡眠质量较差, 这是, 如果一家酒店的设计, 有中国风的元素, 加上一些红色的装饰, 中国游客在这种房间入住的话, 会感到舒适很多, 这就是艺术设计中的色彩理念;还有, 某些人对色彩比较敏感, 不喜欢太扎眼的颜色, 如果看到扎眼的颜色时, 身体会感到不适, 这时, 色彩理念的关键性就又显现出来了, 在设计产品时, 注意色彩的使用, 使那些对色彩敏感的人不会感到不适, 这也是色彩理念在产品设计中的必要性。
2、能够表现设计精神
随着人们生活质量以及审美水平的不断提高, 人们对于产品的内涵关注越来越多。产品隐含了设计师的理念, 显示了一个企业的文化, 代表着一个民族文化的传承, 显示了一个地区特有的文化。优秀的产品设计, 具有深刻的内涵, 它能将产品设计的外观美以及内涵美显示的淋漓尽致, 而色彩也是产品设计内涵的重要感染因素, 设计师可以根据人类的生活要求, 情感诉求合理的安排色彩运用, 与时代发展的步伐相协调, 满足人们对于视觉的享受, 愉悦人们的内心, 通过色彩凸显产品的设计精神。例如:产品设计的目的是满足消费者的需求, 提升消费者的生活质量。每一种产品都有一个针对人群。所以说, 产品的设计要与该人群的年龄, 生活环境, 文化背景, 心理以及生理特征等一系列因素挂钩, 同时, 产品的设计也要体现出一个企业的文化, 达到宣传企业形象的目的。糖果是小孩子生活中必不可少的, 针对儿童对于色彩的强烈感知。糖果公司在堂过的色彩包装上下了很大的功夫, 色彩大胆鲜明的糖果包装对于儿童的吸引力更加强烈, 会使儿童印象深刻, 加深对于糖果的喜爱。熊博士糖果公司在设计糖果包装时也注意传承企业的文化, 包装上的小熊图案非常可爱, 会大大吸引儿童的眼球, 加深儿童对于熊博士糖果的喜爱程度。
3、服务于设计
色彩的传达在设计中是首位的, 色彩可以美化产品的外观, 吸引人们的眼球, 加深人们的印象。设计的首要目的就是要博人眼球, 吸引他人的注意, 从而达到扩大产品影响力的效果。色彩服务于产品设计, 例如, 两个具有同样大小的广告牌, 一个色彩鲜艳, 一个色彩单调, 色彩鲜艳的广告牌会首先抓住人的眼球, 从而达到宣传广告内容的效果。在房间的设计中, 如果房子主人喜欢温馨的氛围, 可以在房间色彩运用上增加暖色系的色彩应用;如果房子主人喜欢沉稳大气的设计风格, 可以在房子的色彩运用上多加上黑白灰的色彩因素, 从而满足客户的需求。同时, 在产品的设计中也要注意色彩的组合, 良好的色彩组合会对产品的设计增加光彩, 获得更大的影响力, 提升人类的使用满意度, 促进人们生活质量的提高。
二、色彩在艺术设计中的具体应用
1、在室内设计中的应用
1) 卧室色彩应用
卧室是人们进行休息的场所, 也是一天中人们停留时间最长的地方。要想使人们有一个良好的休息环境, 卧室的色彩运用必须极致合理。不同的人有不同的审美观念, 对于卧室的色彩运用也具有不同的看法。暖色系的色彩运用会使人感到温馨舒适, 冷色系的色彩运用会使人感到安静平和。
2) 餐厅色彩应用
餐厅是全家人进行吃饭的场所。所以餐厅的色调应该根据全家人的喜好来定。暖色系的色调会使的餐厅显得更加温馨。用餐环境更加和谐, 会烘托出其乐融融的家庭气氛。同时色彩对于人的食欲的影响是非常大的, 而例如蓝色等一系列的冷色系色调会使人进食的欲望减小。如果你想要减肥, 可以在餐厅中尽可能多的使用冷色系色调, 减少进食欲望, 从而达到减肥的目的。
3) 厨房色彩应用
厨房是烹制饭菜的场所, 不同种类的食物在此汇聚, 会产生许多废弃物, 同时, 肉类, 鱼类也会滋生细菌, 所以厨房最重要的就是清洁。厨房是经常需要清洁的场所, 厨房的色彩选择应该更加明亮, 例如乳白色, 会使厨房看上去清洁卫生。但是部分家庭主妇为了增加生活情调, 会在厨房中加入一些鲜艳的颜色, 例如, 鲜红, 鲜黄的颜色, 会使厨房的整体氛围看上去更加活泼, 给人强大的感染力, 愉悦人的心情。
4) 书房色彩应用
书房是人们看书学习的场所。良好的学习氛围, 必须是安静舒适的, 因此, 书房的色彩应用要向着安静整洁的目标出发。可以使用一些沉稳的颜色, 例如灰色, 蓝色等。书房的色彩应用不应该具有强烈的对比, 要尽可能避免使用鲜艳的色彩, 造成视觉上的冲击。书房的色彩整体上应该是和谐的, 统一的, 营造出一种安静的氛围, 提升人们的阅读质量, 学习质量。还可以在书房中增加一些绿植, 绿色起到点缀的作用, 也可以陶冶人的情操, 丰富人的底蕴。
5) 客厅色彩应用
客厅是人们接待客人以及休闲娱乐的场所。不同年龄段, 不同性别的人对于客厅的设计风格要求也有很大的不同。客厅的设计可以根据主人的喜好来决定, 要想设计出沉稳大气的客厅风格, 可以在客厅的设计中多使用一些灰色系黑色系色调;要想设计出温馨可爱的风格, 可以使用一些暖色系色调。但是客厅设计中尽可能的避免使用鲜明的颜色, 造成强烈的视觉冲击, 客厅的整体氛围应该是和谐的, 要为人们提供一个舒适的休闲娱乐场所。
2、在商业设计中的应用。
1) 广告色彩应用
广告是宣传手段中最为有效的一种, 良好的色彩运用可以扩大广告影响力, 起到强烈的宣传作用。广告设计中的色彩运用要宣传中的产品相协调, 如果要宣传儿童玩具等用品, 可以使用一些对比强烈的色彩, 产生强烈的视觉冲击, 吸引儿童的眼球。如果是要宣传成年男装, 可以使用一些沉稳大气的颜色, 从颜色上烘托出中年男人的成熟魅力, 从而扩大广告的影响力, 起到一个良好的宣传效果。
2) 店铺色彩应用
随着社会的不断发展, 店铺的数量越来越多, 具有良好装潢效果的店铺会更加吸引消费者的目光。色彩的应用在店铺的装潢设计上起着尤为重要的作用, 合理的色彩运用会增加店铺的客流量, 在店铺的色彩应用上, 色彩要与店铺所销售的产品相协调, 同时也应该合理协调颜色, 满足消费者的视觉享受, 提升消费者的购物欲望。
三、结束语
随着国民经济的不断发展, 人们的生活水平不断提高, 对生活质量的要求也越来越高, 人们对产品的设计不再局限于价格, 而上升到了更深层次的要求, 要求产品的设计能够更人性化, 提高人们生活的幸福感。色彩在产品的人性化设计上起着不可忽视的作用, 在艺术设计中, 要合理掌握色彩搭配, 增强色彩运用的合理性, 提升产品的设计美感以及设计内涵。
摘要：人们对于某种事物的第一印象往往是色彩造成的, 色彩在人体视觉语言上的重要性可想而知。同时, 色彩也是艺术设计中的关键因素。色彩对人类的生产生活具有很大的影响。它影响着人们的情感, 同时也能反映出一个人的心理, 表达出一个人的内心感受。随着社会的不断发展, 人们生活质量的不断提高, 人类对于产品设计的色彩要求越来越高, 人类希望通过色彩的调节, 愉悦心情, 提升生活的幸福感。由此, 设计色彩分析在艺术设计专业中的重要性越来越大。
关键词：设计,色彩,作用
参考文献
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