音乐创作教学范文第1篇
在笔者的记忆里，刘文金最近一次新作品亮相，是三年前中央音乐学院七十周年校庆活动中民乐系为校友举办的“世纪回响——刘文金新作品音乐会”上。这场音乐会，以刘文金一生的精品为主线，浓缩和梳理出一个时代里民族音乐的成长和发展。
音乐会在民族管弦乐《我的祖国》的主题曲中拉开帷幕。多次指挥过刘文金作品的著名青年指挥家彭家鹏，手势优雅、动作准确，执棒中国青年民族乐团年轻一代靓男俊女，演绎出刘文金先生一曲曲民族音乐的时代交响：民族管弦乐《茉莉花》，古筝与拉弦乐队《丹青仙子》，二胡琵琶与乐队《火·彩衣姑娘》，二胡与萨克斯的对话《二泉映月》，笙协奏曲《虹》， 二胡协奏曲《雪山魂塑》，双柳琴协奏曲《酒歌》，二胡群、钢琴与乐队《豫北叙事曲》等九首乐曲，这些乐曲寄托着刘文金的丰沛情感，挥洒着作曲家的生活积淀与音乐理想。人们在音乐的起伏中，回忆起刘文金的风采。
刘文金毕业于中央音乐学院。五十多年来，作为民族音乐一代领军人物，创作和改编了大量民族器乐、声乐以及其他体裁的音乐作品，包括二胡与钢琴《豫北叙事曲》《三门峡畅想曲》、二胡协奏曲《长城随想》《秋韵》《洪湖》《雪山魂塑》、琵琶与乐队《霸王卸甲》、民族管弦乐《太行印象》《茉莉花》、交响诗《十面埋伏》、大型交响合唱《孔子颂》以及歌曲《大海一样的深情》等等。诸多曲目深受业界内外的欣赏和好评。其中，刘文金在校期间完成的处女作《豫北叙事曲》，是民乐演奏专业学生参与音乐创作的一次成功实践。作品以二胡与钢琴的合作，将极富生活情趣的民间音乐与西方作曲技法大胆结合，通过挖掘二胡演奏技巧，拓展和丰富了二胡演奏的表现力；更重要的是将音乐中融入强烈的时代气息，将二胡艺术从抒发自我情绪为主的表现方式转为抒发民族情感的大众表现方式，实现了二胡演奏发展变革的时代跨越，成为“二十世纪华人音乐经典”。《长城随想》作为一部充满爱国主义情操和民族神韵的协奏曲，在思想性、艺术性、技术性、创新性等几方面都颇有突破和成就，被誉为当代二胡作品的里程碑，在海内外影响甚广，荣获全国第三届音乐作品一等奖。近年新作二胡协奏曲《雪山魂塑》则以其宏大的叙事主题与富于感染力的音乐，入选 “金钟奖”二胡青年组决赛指定曲目，成为近年音乐会中重要的二胡作品。 1989年，香港中乐团隆重推出一台“从刘天华到刘文金”作品音乐会，以民乐创作上的不断变革，向人们展示了刘文金作为一代民乐大师的历史地位。海内外同仁盛赞刘文金是“中国大陆最能令人感到震撼力的一位作曲家”。
丰厚的生活底蕴与民族民间音乐基础造就了刘文金音乐的“魂”；扎实的专业知识、勤奋好学的进取精神、不断求新的创作理念与丰沛饱满的民族情感，又赋予刘文金的音乐强烈的时代性和艺术性。这些共同成就了刘文金一部部颇具影响力的作品。他的音乐跨越国界，跨越时代，激励并感染着一代代炎黄子孙，成为中国民乐的骄傲。
中央音乐学院王次炤院长高度评价刘文金为“音乐创作的楷模，民族音乐的先锋”。
这场音乐会的策划者李光华一直称刘文金是令人尊敬的学长，谈到举办这个音乐会的初衷，李教授表示：“刘文金先生是一位我深切尊重与景仰的当代作曲家。半个世纪以来，他耕耘不辍、作品宏富。在花团锦簇的民族乐坛上，他的音乐作品突显时代主题，气势宏伟震撼人心，有着深沉优美的民族风格和舒张绵密的章法结构，如诗如画，醇美醉人。
刘文金先生上世纪五十年代曾就读于中央音乐学院，是我辈的学长、老师和朋友。他多年来始终情系母校，关心民乐系的发展，真所谓‘中心藏之，何日忘之’。
在母校七十周年华诞之际，献上这场《世纪回响》新作品音乐会，便是他心血的结晶。‘冰，水为之，而寒于水；云，出其山，复雨其山’，此其谓之。”
“云出其山，复雨其山。”刘文金毕业后，没有辜负母校的培养，成为音乐界的领军人物，先后历任中央民族乐团团长、艺术总监，中国歌剧舞剧院院长、中国歌剧舞剧院艺术指导等职。他生前为中国音乐家协会理事、创作委员会副主任、中国音乐著作权协会常务理事、中国民族管弦乐学会副会长；2001年被聘为韩国中央大学校国乐大学教授。不幸的是，2010年底的这场音乐会，竟成为刘文金能亲自感受自己音乐在舞台上绽放的最后一次机会。为了表达对中央音乐学院的感恩之情，当时他曾在音乐会节目册上留下这样的感言：
“适逢中央音乐学院建校七十周年之际，母校民族音乐系青年民族乐团能够举办我的作品的音乐会，使我深感荣幸！
回顾上个世纪中叶（1956年～1961年）在校读书期间的学习与生活场景，至今历历在目。马思聪院长、赵沨院长和老教授们的敬业精神与谆谆教导令人难以忘怀，是他们给了我应有的道德品格和思想品位，以及多种专业技能和创作理念，这些都使我终生受益。
感谢中央音乐学院历任院长与干部们的科学管理，感谢教授们的辛勤操劳和孜孜不倦，是他们共同缔造了中央音乐学院的崇高威望和海内外深刻而广泛的社会影响。
需要说明的是：本场音乐会的主要曲目均选自2000年以来我退居二线以后的部分新作品（对少量过去的作品也进行了修改或重编），并以《世纪回响》为标题，敬献给母校的院领导和在座的老师们、同学们以及广大的音乐爱好者。
我虽然已年过七旬，但多年来依然秉承着的‘勤奋、执着、襟怀坦荡、健身快乐’的座右铭，为中国民族音乐事业的健康发展而努力奋斗。
祝愿中央音乐学院越办越好，永远兴旺发达！”
五百余字的感言，字里行间流露着款款深情。音乐会盛况空前，刘文金以自己的九曲华章，回报母校养育之恩，唱响世纪华声。
一晃三年过去了，刘文金终因疾病不能与同道们在音乐之路上继续前行。但他的音乐和他为民族音乐建树的理论，已然深入人心，在世间永远长存。
音乐创作教学范文第2篇
关键词：音乐 审美 立美 音乐创作
所谓“立美”即美的创造。自古以来，人类对美的事物都有一个尺度来进行衡量，并形成了一个以美为标准的规律来创造物体，人类很早就懂得每一种事物都有各自的美，从茹毛饮血到文明社会，每一段进程里都有人类对美的事物的追求过程，美的创造也因此更加细化。音乐的立美从考古出土的文物中便窥见一斑，20世纪80年代，在河南舞阳贾湖出土的骨笛，距今已经有八千多年的历史，并且能够吹奏出七声音阶的旋律，这表明在当时人类就已经掌握了高超的制笛技术和娴熟的吹奏能力，对音乐美的要求已有所彰显。从实践论的角度看，人类的音乐立美活动有着极为久远的历史。艺术创作即是为了艺术美的创造，因而立美与创作之间有着不可分割的本质关系。然而，西方的美学界仿佛忽略了主体观照的审美客体是怎么产生的，忘记了美的创造实践过程，而一味强调对美的认识、强调审美，这种脱离实践的美学研究是不完整的。
一 “立美”与“音乐立美”理论的提出及其意义
美学中的立美理论还是一个成长中的婴孩，但这个婴孩一出生便有了顽强的生命力。“立美”之父，当是美学家赵宋光先生。20世纪80年代初期，赵宋光在长篇论文《论美育的功能》中，第一次创造性地提出了“立美”的概念。文章的主旨是说，美育最重要的是其基础，引导并且创造美的形式，而不能单一地将其归类为艺术教育。这种以立美为形式的教育活动，是人类经过历史的积淀，通过对美的规律的不断探寻与追求而形成的一种共识，因此称其为立美教育。通过德智体等多样化地呈现在我们面前，立美教育是其中最为基本而且不能缺失的关键环节。当谈及立美与审美的关系时，对美的形式的感知与感受是审美的过程，它与丑的形式正好相反，两者都是通过实践的过程，建立起来的美与丑的对立形式。立美与审美在这个过程中依次产生，审美不等同于立美，审美的主观意识活动依赖于立美的建立，并跟随立美的提高而逐渐提升审美的观念，在不断的进取中建立美的形式，立美在促进审美的同时，也有可能阻碍着审美。
从对立美与审美的分析中，我们可以清楚地看到，“立美”是在进行艺术实践的过程中，完成美的概念的认知过程。立美与审美具有完全不同的意义与含义。立美在进行审美活动的过程中，具有重要的推动与抑制作用。
此后，赵宋光继续发展和完善了立美理论。在《历史回顾引发的美学思索》一文中，他指出：“立美与审美都归结于人类对审美意识与审美对象的思索范畴内，通过对比音乐文化的例子，‘音乐立美’与‘音乐审美’也都归结于这个范畴之内，并非只有音乐艺术才拥有‘立美’与‘审美’，它们对于任何一种艺术都是共通的。”在人类的行为活动中，审美意识都是通过具体的事物而产生的，从身体的各个器官对美的欣赏转变而来的，这是一种主动的参与和追求的结果，是有目的、有控制的主动行为，并非无运动器官的活动与参与，也不是以是否满足衣食住行之类物质生活需求为依归，而是以是否满足听觉视觉等审美感观向主体自己报导的审美需求为监控的尺度。這种主动的需求与参与就是“立美”的过程。
对“立美”可以广泛地划分为两个领域，其中一个领域可以归结为对文化、艺术、音乐等的创造。是以审美意识为目标而进行的立美实践活动。从另一个领域来讲，是我们通过对立美这项文化产品的审美活动，来满足人类对艺术领域的直观感受过程，以实现人类对于艺术精神素养的需要。培养出其团结进取的创造能力，在教育、交际、娱乐、仪式、精神疗养等文化活动中各成员将要投入的‘大循环’宏伟实践准备好必需的生理心理素质”;其中第二个人类自身素质的立美才是“音乐审美的终极目标”。明确地指出了立美的分类及其分级目标。
立美概念提出后不久，也出现了不同的看法。邢维凯在对立美概念提出质疑的文章中认为：“音乐立美”这一概念的内涵是指“相对于音乐的欣赏、接受活动而言的音乐创作实践”，而“音乐审美实践”这一概念包括“‘音乐的创作’‘音乐的表演’以及‘音乐的欣赏’这三个范畴”，音乐立美、审美是一对“从属概念”，因此，没有必要设立“立美”这一概念。其用意在于指出学科概念的构建要具有科学性，概念的使用应力求规范化和明确化。
王宁一随后发表文章，针对邢维凯质疑文章进行答辩。反驳文章从感性、知性、理性三个层面旁征博引，由表及里、由浅入深地阐释了“立美”与“审美”的“内涵”与“外延”，进一步对音乐立美与审美之辩证关系作出了深入的论述，不仅回答了邢文的质疑，而且还回答了当时多数不能理解赵宋光“立美、审美”概念及其关系者的疑问。
经过这场学术争鸣，音乐美学界对“立美”理论的研究有了更为广泛的认识。杨和平撰文探讨了音乐立美与音乐审美的辩证关系，指出两者既有区别又相统一;罗小平探讨了在音乐创作、表演、传播三度创作中的立美活动，指出立美主要研究音乐创作过程中的立美特征以及与审美活动相互作用的关系。
综上所述，立美是美学范畴里重要的美学概念，立美作为一种动态的规律对于审美的建立与创造具有重要的意义。对于人类实践活动来讲，立美对其具有一定的影响作用。人们在接收了立美的理论基础上，能够遵循客观规律进行事务处理，能够在真善的基础上完成对美的认知过程。立美是广义的立美，不但包括音乐创作等一切艺术创作，还应包括实现人类自身素质的提高和创造能力的培养的一切创造实践活动。“立美”问题，也在学术争鸣中得到了开放性的思考。科学的理论是对客观规律的正确反映，具有合规律性与合目的性，经得起实践和时间的考验。同时，由于客观事物不断变化发展，理论建构也应不断完善和深化。“立美”也是如此，其理论的完善有待实践进一步的论证。
二 立美与音乐创作的关系
立美在音乐艺术中的主要实践过程，即音乐创作。当然，根据创作主体与第一手创作成果(音乐作品)之间的生产关系，音乐创作可分为一度创作(作曲、编曲、歌曲写作等)、二度创作(表演中的再创作)和三度创作(是指继表演艺术劳动时段之后，在到达听众听觉之前这一时段内，音乐艺术产品所经历的创造性劳动的臻美加工，如录音制作等)。
1 立美观念对音乐创作有重大的指导作用
音乐实践中的创造活动应该按照立美的原则进行。指导创作主体“按照美的客观规律办事”，既要“符合客观规律的真”，又要“实现社会目的的善”。具体说来，主要体现在以下几个方面。
(1)探讨音乐创作的本质
我们必须将其上升到立美实践的高度加以审视。因为，立美是“建立美的形式”，美的形式是“自由运用客观规律(真)以保证实现社会目的(善)的中介结构形式”。所谓美的中介结构形式有两种，一是用符合客观规律(真)的形式去追求实现社会目的(善)的内容(即真一美一善)，二是用社会目的性活动(善)去探索客观规律(真)(即善一美一真)。建立这两种形式的所有实践活动，都是“按照美的规律办事”，也就是立美过程。而音乐创作是其他音乐活动的前提，提供着审美对象、音乐形式，在音乐美的实践中具有重要意义。因此，只有从立美实践的高度认识音乐创作的本质，才能真正揭示音乐创作的根本意义与目的，也只有这样，才能从根本上推动人类音乐创作立美实践的不断发展与进步。
(2)音乐创作主体要有强烈的立美意识
“立美”思想应始终贯穿音乐创作全过程。需要指出的是，音乐创作过程并不完全等同于立美过程，怎样使音乐创作成为立美的一种，是创作主体应考虑的关键。“音乐创作与其他艺术创作相比，主要的特征就在于立美主体不仅要把现实生活中的主客体之动态美艺术化，还要把主客体外在的动态转化为音响动态，把主体内的情态与精神运动外化为声音形态”，音乐创作的这一特征特别“优待”了创作主体(立美主体)的情感主观因素，即创作主体的情感主观因素对创作过程、创作成果具有极大的影响(这一现象在一度创作中更为明显)。主体的创作易受主观情感的影响，如果创作者的人生观、世界观积极正确，并且情感体验丰富多样、感觉器官敏锐独到，那么对音乐创作的正面影响较多;反之，有任何一项缺失就会对音乐创作产生负面影响。正面影响下，音乐创作能顺利进入立美活动;负面影响下，音乐创作不易进入或无法进入立美活动。因此，创作主体要注意立美意识的培养，最大限度地树立立美意识和尽可能地创造美的音乐形式。总之，只有强化创作主体的立美意识，音乐创作才能成为真正意义上的音乐立美，创作主体才能成为真正意义上的立美主体。
(3)音乐创作应遵循立美原则
摒弃音乐实践过程中的某些不良习惯和欺骗行径。例如，在进行一度创作的过程中，有的作曲家把别人的音乐作品拿来进行简要改编，从而成为自己作品的现象就经常会发生，这种现象就是严重的抄袭现象，对于原作者就是一种不尊重的行为。另外，当前高速发展的电子产品与科技的不断进步，也为音乐抄袭现象创造了一定的制假空间。经常有表演者进行“假唱”与“假奏”的现象发生，这都是科技高度发展所带来的弊端。而在对音乐成品进行工艺制作的三度创作中，为牟取利益而炮制许多不健康的音乐产品的反美反道德行径，更是滋长了社会音乐生活中的不良风气。上述违背音乐立美原则的所谓音乐创作活动，是與人类艺术生产中对真善美的追求背道而驰、格格不入的。健康良性的音乐创作活动必须遵循立美原则而摒弃上述不良习惯与欺骗行径。
2 音乐创作对立美理论的完善与发展的影响
(1)音乐创作是一切音乐立美活动的前提
音乐创作是立美在音乐艺术中的一个最为重要的过程，“听觉审美意识对象化活动”就是音乐创作，它提供听觉享受的美的重要形式，属于精神生产活动。这种处于实践层面的精神生产活动——音乐创作，是整个音乐艺术实践活动流程中最为重要的一个方面，如前所述，没有立美就没有审美，因此，没有音乐创作也就没有其后的一系列音乐实践活动，作为立美本质的音乐创作是一切音乐立美活动的前提。
(2)音乐创作影响立美的发展与完善
立美是“主体驾驭客体、创造客体，目的是通过主体审美意识对象化向人类传送审美意识”，音乐创作的目的即是通过艺术创作活动向人类传送听觉审美对象。当然，严格意义上讲，在二度创作即音乐表演活动中，同样渗透着立美的创造性过程。表演者展现审美意识对象的方式，既可以是对一度创作成果的再现，也可以是即兴创作，亦或是两者的有机结合。
最后，需要指出的是，立美作为美学概念中的新生理论，目前还是需要我们进一步进行研究与论证。我们需要从全面的角度来对这项研究工作进行深层次的研究。对于立美的研究，需要我们从实际操作与理论形态双方面来进行探讨。其中，对于运用创作的研究，其实就是立美在音乐活动过程中的艺术形式的探讨。这项研究从20世纪就已经开始了。在研究的过程中，无论是从深度还是广度上都有了一定的研究成果。总之，我们要以严谨的态度与务实的精神，并从实践的角度出发对音乐立美及音乐创作等相关方面的美学问题进行细致深入的探讨与研究，这对于音乐实践与音乐美学的深入研究都具有重要的现实意义，并能够为理论的进一步发展提供重要的保证。
参考文献：
[1] [美]特里斯·M·沃尔克，田林译：《音乐教育与多元文化基础与原理》，陕西师范大学出版社，2003年版。
[2] 刘沛：《美国音乐教育概况》，上海教育出版社，1998年版。
[3] 尤静波：《流行音乐历史与风格》，湖南文艺出版社，2007年版。
[4] 余笃刚：《声乐艺术美学》，人民音乐出版社，2005年版。
[5] 郑茂平：《声乐语音学》，湖南文艺出版社，2000年版。
作者简介：谭金龙，男，1978—，黑龙江哈尔滨人，本科，讲师，研究方向：少数民族音乐，工作单位：齐齐哈尔大学音乐与舞蹈学院。
音乐创作教学范文第3篇
一、加强认识, 提高群众文化创作意识
要想不断提高群众音乐文化的创作水平, 首先要做到的一点就是加强群众和创作者对于音乐文化创作水平的认识, 一定要提高他们的意识来去为提高音乐文化创造水平做出不懈的努力。就笔者的调查研究来看, 在当前的音乐创作当中存在的问题主要有音乐文化所使用的题材比较的狭隘, 同时所采用的形式也比较的单一, 尽管有很多音乐创作者结合群众的生活创作出来许多有关于人民群众的歌曲, 但是就目前的情况来看仍然缺乏可以反映群众新生活的歌曲, 同时也可以感觉到音乐创作者缺乏相应的创作的意识。
反映新生活新时代人民生活水平的歌曲是人民群众所急需的, 对于广大音乐创作者而言, 要想创作出人民群众所喜闻乐见的音乐文化作品, 就需要在创作的过程中付出巨大的努力, 不断创造出各种形式, 多种题材的群众音乐文化作品。人民群众对于音乐作品的爱好也是不同的, 作为音乐创作人员一定要认识到这一点, 在创作的过程当中不断的扩大自己的音乐作品的范围, 包括而又不限于轻音乐, 舞蹈音乐等。对于群众所喜闻乐见的音乐作品, 创作者不仅要创作反映现代生活的作品, , 同时也要创作反映历史题材的相关作品, 不仅要有民族的音乐作品, 同时要有世界的音乐作品。通过加强认识, 从而树立这样的意识才能不断提高群众音乐文化创作水平。
二、了解喜好, 提升群众文化创作能力
对于广大音乐创作者来说, 要想提高群众音乐文化创作水平, 除了要提高认识加强意识以外, 还有非常重要的一点就是要不断加强创新能力建设。众所周知, 创新是音乐的灵魂, 来说同样也是不例外的。作为一名音乐创作者, 首先应当了解人民群众喜爱什么样的文化作品, 应当对于群众音乐文化作品的发展方向有一个基本的了解, 唯有如此, 才能更具有针对性的进行创新。通过把握全民群众所喜闻乐见的音乐文化作品才能做到创新为了人民, 不断创造出人民群众所满意的音乐文化作品。
除此之外, 对于音乐创作者来说, 除了要了解人民群众所喜爱的文化作品以外, 还应当不断的亲身的去实践, 不断的走入到人民群众的生活当中, 只有让音乐创作者走入到群众当中, 让人民群众也参与到群众音乐文化的创作过程当中, 才能切实有效的提高群众音乐文化创造水平。除此以外, 也应当不断地对于群众音乐的表现形式予以创新, 做到不拘泥于固有的陈规定律, 音乐创作者要更加勇敢的去进行改革或者革新, 创作出来的音乐作品才能更加吸引人民群众。
三、健全机制, 培养群众文化创作人才
要想提高群众音乐文化的创作水平就应当不断为群众音乐的文化创造提供充足的人才保障, 提供人才保障要从两个角度来看待, 首先第一个就是建立一个充满活力的群众音乐人才队伍。所以说要想构建一支这样充满活力的音乐人才队伍, 首先要做到的一点就是改革现有的人才模式, 包括而又不限于音乐创作人才的培养模式, 选拔模式, 管理模式。应当通过各个组织的通力合作, 共同改革原有的不合适的人才模式, 建立一个更加公平公正的人才机制, 从而为群众音乐文化创作提供人才保障。
另外一个方面就是要不断提供音乐文化创作者和人民群众的音乐素养, 众所周知, 音乐素养的提高绝对不是一时半刻就可以完成的, 这就对音乐文化的创作者和人民群众提出了更新的要求, 要求他们在日常生活当中广泛的接触音乐文化作品, 同时要更加重视音乐理论相关知识的学习。通过对于不同音乐作品的欣赏和理解, 在社会当中营造一种音乐文化欣欣向荣的场景, 同时在培养音乐文化创作人才的时候, 不应当墨守成规, 而是应当积极的进行开拓进取, 切不可束缚人民群众对于音乐创作的积极性, 唯有如此才能不断为提高群众音乐文化创作水平提供充足的智力支持和人才保障。
随着音乐文化在社会当中所扮演的角色越来越重要, 提高群众音乐文化创作者的水平已经成为重中之重, 所以说对于广大音乐创作者来说应当不断的提高认识, 加强创新能力, 为群众音乐文化创作提供人才保障等方式和方法来提高群众音乐文化创作水平。同时我们更应当注意在提高音乐文化的创作水平当中, 选择正确的道路, 不应当急于求成, 而是要正确处理普及与提高的关系, 正确选择健康的音乐进行欣赏。在提升群众音乐文化者的创作水平过程中, 切记操之过急, 要循序渐进地培养其音乐素养。
摘要：社会主义现代化建设的开展, 人们越来越认识到文化建设在社会当中发挥的重要作用, 所以说人们也越来越重视文化的建设。音乐文化建设是文化建设的重要组成部分, 所以提高群众音乐文化创作水平便成为了文化建设当中迫在眉睫的事情, 本文为提高群众音乐文化水平提出几点意见建议。
关键词：音乐文化,创作,群众
参考文献
[1] 唐明.进一步提高群众音乐文化水平[J].齐齐哈尔社会科学, 2016, (4) :29-30.
[2] 周爱宝.群众文化基础知识[H].北京:高等教育出版社, 2014, (8) :12-14.
音乐创作教学范文第4篇
摘 要：美国是一个电影配乐大师辈出的地方，其职业教育为大批抱着影视音乐创作理想的年轻作曲家提供了入门的捷径与专业化训练。通过专业教育培养机制，为行业源源不断地输送优质人才，使整个电影工业保持良性循环与顺利运转。
关键词：电影音乐 美国 教育
电影音乐产业始于美国，因此最早的电影音乐专业教育也诞生于美国，美国的一些高等院校为职业电影音乐人才培养提供了多元化的电影音乐专业教育。如音乐学院里有专门为立志从事电影音乐作曲的人而设立的本科教育，也有专门的影视音乐职业化教育，学校为学生提供加强提高学习者对电影与音乐之间关系认识的专业课程，从而更好地解读电影内涵而创作出与之相谐的音乐。好莱坞许多知名的电影配乐大师都经过电影音乐课程的培训，如《泰坦尼克号》作曲James Horner从英国皇家音乐学院毕业之后就进入南加州大学音乐学院继续电影配乐的学习，《阿甘正传》作曲的Alan Silvestri毕业于美国另一所开设电影配乐专业的知名学校美国伯克利音乐学院。美国作为全世界公认的电影音乐创作最发达的国家，提供了一流水平的电影音乐课程，其中最著名的就是南加州大学和伯克利音乐学院开设的影视配乐课程。
一、美国南加州大学（University of Southern California，简称USC）Thornton School of Music曾经培养过许多杰出的校友，如Bruce Broughton①、James Horner②、James Newton Howard③、David Newman④、Marco Beltrami⑤等，他们都获得过多次奥斯卡与艾美奖的提名与奖项。
Thornton音乐学院开设的为期一年的影视配乐课程（Scoring for Motion Pictures and Television，简称SMPTV）是全球知名的影视配乐专业课程。该课程的学习时间为一年，总共30个学分，入学要求是申请学生必须是已经完成音乐专业本科学习的大学毕业生，一年课程完成之后学生可以获得研究生文凭。设置的课程有以下十二门：见表5.3。
该SMPTV课程提供教学的教师团队包括从事电影电视和视频游戏行业配乐工作的专业人士以及电影界的导演等。学生能够直接获得一流导师和行业翘楚的指导并参与实习。如Michael Giacchino⑥、Christopher Lennertz⑦、Jon Ehrlich⑧、James Newton Howard、Thomas Newman⑨、Alan Silvestri⑩、Randy Newman11、Theodore Shapiro12and Edward Shearmur13。每一位作曲家都是美国电影配乐界响当当的人物，拥有丰富的经验与辉煌的履历，对学生来说真是一种难能可贵的学习机会。由于Thornton音乐学院地處南加州洛杉矶地区，依托于南加州得天独厚的校园环境，它能够直接与南加州大学电影艺术学院之间展开合作，行业资源对接既丰富又便利。作曲专业的学生可以和电影专业的学生一起参加实习工作，实践创作学生配乐作品。同时，学生们也有机会获得为好莱坞配乐联盟的音乐家们或华纳电影公司旗下唱片公司的项目充当实习助手的机会。除了规定课程之外，一周一次的SMPTV论坛为学生们提供了大量与行业中的前辈领袖面对面切磋交流的机会，有时甚至能参加索尼，福克斯或者华纳兄弟等大电影公司召开的影片配乐会议。学生们通过参与各种具体的实践活动为将来满足复杂多元的行业需求做好充分准备。此外，SMPTV课程还与洛杉矶录音音乐家协会（Recording Musicians Association Los Angeles简称RMALA）、美国专业音乐家联合会（American Federation of Musicians - Professional Musicians Local 47）等音乐权威组织组成联盟伙伴关系，通过他们的后台支持，使学生作品能够有机会为高水平的音乐家们所演奏。
二、美国伯克利音乐学院（Berklee College of Music）伯克利音乐学院电影配乐系（ Film Scoring Department）为未来有志于从事电影配乐的学生开设了四年制的电影配乐专业学士学位课程（Film Scoring Major）。
1.本科必修课程
《电影配乐介绍》、《电影音乐历史》、《戏剧性配乐分析》、《电影语言》、《视频游戏音乐技术分析》、《电影音乐作品专题分析》、《电影戏剧性管弦乐作法》、《电影与视频的配乐技术》、《电影作曲大师研究》、《电影配乐的计算机/合成应用》、《视频游戏的互动配乐》、《电影音乐编辑》、《作曲家的电影配乐技术》、《电影配乐的风格改编》、《片段配乐》、《电影与视频游戏的高级计算机应用》、《当代电影配乐技术》、《视频游戏的高级配乐与实施》、《高级电影音乐编辑》、《电影配乐实践》、《电影配乐高级作品集与研讨会》、《电影配乐实习》、《默片配乐》、《管弦乐小样制作》。学生们在该系列课程中会接触到许多电影配乐大师的经典名作，通过长期浸润，培养其对优秀电影配乐作品的美学鉴赏力。同时，在实践中会有很多与演奏家、电影工作室人员的合作机会，使学生在学校里就开始培养各种团队协作能力。
2.就业领域
由于好莱坞电影工业的高度发达与行业分工的细致性，电影配乐专业毕业的学生就业面非常广泛，将来有可能从事电影配乐行业中的任何工种。除了前文中提及的作曲家、音乐编辑、音乐管理人、管弦乐师、抄写员之外，还包括：
（1）程序员（Programmer /Sequencing）：音乐程序员协助作曲家用音乐软件和电子合成器制作某段配乐的小样，以便使导演在进入实质配乐阶段前有机会听到作品，既经济划算又能提前纠正一些错误或问题。
（2）协调人（Contractor）：协调人在音乐管理人的分工下主要负责音乐家的雇佣并通过美国音乐家联盟签订相关的必要的合同。
（3）电影编曲（改编者）Film Arranger （Adaptor） ：电影编曲协助作曲家开展在人声、乐器、和声结构，节奏、速度等与配乐相关的工作。电影编曲需要具备一定的音乐理论、管弦乐配器以及作曲专业知识，会演奏几种乐器，或者有过当抄写员的经验才能胜任。
（4）电影指挥（Film Conductor）：电影指挥与一般交响乐团或室内乐团的指挥职责类似，唯一不同的在于电影指挥还需要协调好音乐与画面合拍的时间。此外，电影指挥亦要具备较强的领导才能与交际能力，以便和电影作曲家、交响乐团演奏员、音乐编辑等不同工作人员顺畅的沟通与交流。
（5）作曲家助理（Assistant to the Composer）：作曲家助理是负责协调作曲家与外界各种联系的枢纽，有点类似于作曲家的“保姆”或“秘书”，为把各种繁琐的事物安排得井然有序同时又最大化的保证作曲家在良好安静的氛围中创作。
（6）声音设计（Sound Designer）：声音设计者主要负责设计、合成音乐与电影中其它声音效果如环境音、对白的配合，以保证配乐和其它各类声音在电影中完美的呈现。
3.研究生教育
伯克利音乐学院还提供了为期一年的电影配乐的研究生课程——（Valencia master’s degree）。该研究生课程为学生提供了电影配乐高级阶段的训练，以磨砺学生的配乐技能和提高学生的音乐创造力。课程类似于南加州大学Thornton音乐学院的课程设置，主要聚焦于进一步提高学生为影视配乐、视频游戏配乐、管弦乐法、编辑整合等方面的技术能力。这个硕士学位课程主要是提供给伯克利学院毕业或其它大学毕业的有一定作曲技术、有音乐创作经历并期望从事视觉媒体行业的作曲、配乐工作的学生。课程内容包括：
《高级配乐I：叙事分析》、《高级配乐II：类型与形式》、《线性研究与互动配乐》、《商业与创业研讨会》 、《视频配乐技术》、《如何引导视觉》、《电影作曲家大师研究》、《高级戏剧性管弦乐作曲法》、《高级视频游戏配乐》、《音乐管理和编辑》、《高级工作室制作》、《电子作曲》等。
在正式的学期开始之前的暑期还会特别提供一套过渡课程给有过传统音乐背景的学生作为预科课程，包括对数字音频工作站编程（sequencing program）、Logic Pro和Pro Tools等高级专业软件的学习。
4.硬件设施建设
伯克利音乐学院配备了多个世界先进的硬件设施，包括：
（1）电影配乐实验室（Film Scoring Labs）。包含多个带有整合式MIDI、数字音频与视频 SMPTE14同步的以Mac基础的数字音频工作站（DAW系统）和作为专用取样器的集成PC。所有的Daw系统都支持数字演奏，可以运行最新的电影配乐制作软件，如Pro Tools LE，Logic Pro，Reason，Kontakt3、Waves-Platinum等，还能在该系统平台上操作Garritan 个人交响乐团。实验室里丰富的样本库，为学生全方位配乐学习提供行业同步技术应用实践。为学生创造各种机会动手进行电影配乐、MIDI编程和数码音乐编辑的学习。
（2）一间独立的配乐综合工作室。包括录混双控室，两个连接的DAW实验室和一个为传导画面并配备视频整合的“现场”工作室，并带有Genelec 5.1环绕声控系统，为学生们进行现场室内乐表演和完成配乐作业的录音提供了一流的教学设备。
此外，还有为高级课程配备的两个DAW/Screening 房间，导师可以在此对学生的配乐作业进行一对一的辅导与教学。伯克利音乐学院电影配乐系有着丰富的馆藏资源，除了一个收藏大量故事片和工作版画（work prints）的VHS15/DVD图书馆之外，还有一个原声CD图书馆，收藏了浩瀚如烟的世界各国影片和学习视频游戏配乐课程而准备的各种游戏。
5.录取要求
报考本科专业的学生需要提供本人亲自制作的几种不同类型与风格的音乐录音带小样。报考硕士课程的学生则需提供三首不同风格类型的原创音乐作品，并附上乐谱。初步筛选进入复试的学生要参加正式面试以供评委会对考生的适应性、成熟度以及沟通能力做出客观判断。
除了以上两所名校之外，在洛杉矶还有一所著名的“格罗夫音乐学校”（Dick Grove School of Music），该学校不提供学历教育，仅提供实践应用性质的作曲和编曲课程，著名的香港电影作曲家金培达就在旧金山州立大学音乐系学习之后又进入该校参加为期一年的关于各种配乐课程与音乐编曲的训练。
美国是一个电影配乐大师辈出的地方，John Williams擅用弦乐制造排山倒海气象万千的史诗般的壮阔，James Horner擅用苏格兰风笛营造英国民族古典情怀，Hans Zimmer 擅用交响乐与电子乐营造大气磅礴，每位作曲家都有鲜明的个人创作风格。作为一名合格的电影作曲家，必须对视觉画面与音乐的关系有着敏锐的理解与洞察，除了个人的音乐领悟力之外，职业教育为大批抱着影视音乐创作理想的年轻作曲家提供了入门的捷径与专业化训练。通过专业教育培养机制，为行业源源不断的输送优质人才，使整个电影工业保持良性循环与顺利运转。依托于美国发达的电影工业基础，近百年的电影文化底蕴，其发展多年的电影配乐职业化教育功不可没，为好莱坞及世界提供了大量优秀的电影音乐创作人才。美国凭借着在世界电影强国的得天独厚的优势，尤其好莱坞是全球电影产业最密集的区域，无数电影相关行业与厂商高度集中的产业聚落，被人称作“电影工业的世界中心”，这都为学生提供了大量绝佳的电影音乐实践的机会和资源。这也是同样作为电影音乐专业教育，美国特别容易培养出优秀人才的原因。而中國在这个领域才刚刚起步，无论是硬件还是软件，美国都无疑为我们提供了先进的经验与范本。
注释：
①Bruce Broughton美国电影电视及视频游戏作曲家，代表作《救难小英雄澳洲历险记》配乐以及为《猫狗也疯狂》、《银城大决战》等创作的一系列脍炙人口的电影原声歌曲。
②James Horner美国著名电影作曲家，11次获得奥斯卡提名，创作的《泰坦尼克号》获得奥斯卡最佳原创音乐奖和奥斯卡最佳原创歌曲奖，代表作有《燃情岁月》、《勇敢的心》、《美丽心灵》、《真情电波》、《阿波罗13号》、《阿凡达》等。
③James Newton Howard美国著名电影作曲家，荣获八次美国电影金像奖提名，为超过一百部电影配乐，代表作有《亡命天涯》、《浪潮王子》、《金刚》、《绿灯侠》等，同时与美国著名导演M. Night Shyamalan自电影《灵异第六感》之后一直保持长期的合作关系。
④David Newman美国电影作曲家，是好莱坞著名的电影作曲家族Newman家族成员，与名导演Danny Devito合作多年，代表作《玫瑰战争》、《抢钱世界》等。
⑤Marco Beltrami美国知名电影作曲家，师从好莱坞传奇配乐大师Jerry Goldsmith，特别擅长恐怖片和惊悚片题材的配乐创作，代表作有《变种DNA》、《生化危机》系列等。
⑥Michael Giacchino美国著名影视及视频游戏作曲家，多次荣获艾美奖和格莱美奖，代表作有《碟中谍III》、《超人特工队》等
⑦Christopher Lennertz美国新一代影视及视频游戏作曲家，因2007年为卡通电影《鼠来宝》以及华纳电影公司喜剧片《老板不是人》创作的配乐而知名。
⑧Jon Ehrlich 美国影视作曲家，代表作有福克斯电视剧《House》、NBC喜剧电视《parenthood》以及ABC電视剧《invasion》等。
⑨Thomas Newman美国著名电影作曲家、指挥家，在从业三十多年时间内为超过五十部电影创作过配乐，获得多次奥斯卡、艾美奖、格莱美奖以及金球奖的提名，与许多知名导演合作，代表作《美国美人》、《红色小提琴》。
⑩Alan Silvestri 美国电影作曲家，与著名美籍印裔大导演Robert Zemeckis成为多年的黄金搭档。 代表作《回到未来》三部曲、《阿甘正传》、《超时空接触》、《荒岛余生》、《极地特快》、《圣诞颂歌》等，此外与大导演Stephen Sommers也多次合作，代表作有《木乃伊归来》等，多次获奥斯卡、格莱美奖提名。
11Randy Newman 是一位多栖发展的美国作曲家，既是词曲创作者又是配乐家，为迪斯尼和皮克斯公司创作过多部风靡全球的卡通电影的配乐，如《玩具总动员》三部曲、《汽车总动员》、《虫虫特工队》、《怪物公司》，并荣获两次奥斯卡金像奖最佳配乐奖。
12Theodore Shapiro美国新生代电影作曲家，毕业于美国布朗大学，擅长轻喜剧音乐创作，代表作有《遇见波莉》、《穿普拉达的女魔头》、《侠盗夫妻》等。
13Edward Shearmur 英国电影作曲家，擅长不同类型与题材的电影配乐，代表作《赛门花园》、《查理的天使》。
14The Society of Motion Picture and Television Engineers，美国电影电视工程师协会的缩写.它是目前在影音工业中得到广泛应用的一个时间码概念. 该码用于设备间驱动的时间同步，计数方式，通常用于电影工业，显示格式为小时：分钟：秒钟：帧数。
15VHS是Video Home System的缩写，意为家用录像系统. 它是日本JVC公司在1976年开发的一种家用录像机录制和播放标准. VHS在播放时间长度和播放音质方面比之前的技术有很大的改善。
参考文献：
[1]Richard Davis.Complete Guide to Film Scoring.Boston： Berklee Press，1999.
[2]中国电影音乐学会.中国电影音乐文集.北京：中国电影出版社，2001.
[3]曾田力.影视剧音乐艺术.北京：中国传媒大学出版社，2003.
音乐创作教学范文第5篇
摘 要：文章在音乐基础理论中借用“格式塔”完型理论，通过将格式塔理论套植在音乐的内容与形式的关系之中，为该关系找出发生对照的合理理论，并通过该理论来对音乐的审美及其效用进行解释，探讨音乐的构成及审美效用等问题，提出音乐的完型心理创作与审美的方式。
关键词：格式塔；异质同构；音乐创作方式；音乐构成依据
本文笔者通过将“格式塔”完型理论套植在音乐的内容与形式的关系之中，为该关系找出发生对照的合理理论，并通过该理论来对音乐的审美及其效用进行解释，探讨音乐的构成及审美效用等问题。
一、缘起：格式塔“完型”音乐心理的引入
笔者曾发表一篇题为“论音乐美的客观标准”［1］的文章，探讨了音乐之于欣赏者的共同美感内容及音乐美感的客观标准。认为音乐激起审美的原因之一是音乐符合了生- 心理的机制。文章认为“生-心理”机制是一种具有生理和心理的“意志”，这种“意志”规定音乐的运动。之后，笔者又具体的对这种“意志”给予考察，并提出该意志具有“欲求”、“蓄积与释放”、“紧张与松弛”、“秩序”、“对比”、以及“丰富性和变化性”等特征。文章认为，生心理的欲求是乐音运动的依据，是乐音组织的参照，同时，乐音的运动也会带来生心理的欲求的变化，乐音再依据生心理机制的变化而规范其运动，运动顺应了生心理机制，便激发了美的感受。
笔者在音乐与其表现对象的思考中用了“符合”、“参照”、“依据”、“顺应”、“激发”等词汇，尽管这是一个非常自然的陈述，但这些词汇的背后引发了笔者的思考，即音乐是如何同对象联系在一起的？对这个问题的另一个阐释即音乐的表现是何以可能的？问题的产生使笔者意识到这是一个揭示音乐艺术规律的基础性问题。
历史上，音乐美学的研究已经早已达成这样一个共识，即音乐作为一个听觉的审美感性样式，本质上是一个丰富与有序且有机的审美形式，这种形式以运动为特征作用于听觉，并且一方面依据生-心理机制原则创造；一方面“体现着人类的感情、思想以及各种社会现实和自然现象”①。从音乐艺术的表现性审美本质来看，以表现人自身和通过表现世界为其内容的审美艺术。音乐艺术是表现性的，表现性艺术的基本特征是借一种艺术方式表现外在对象，音乐表现世界的本质是借音乐来表现对象物，借音乐审美世界，即音乐可以进行简单的形式模仿、表现某种单纯的情绪；可以暗示转换社会势力的矛盾冲突、人的思想运动以及客观事物内部的复杂关系；音乐可以将整个客观世界纳入其听觉的呈现过程中。
重新返观音乐，乐音构成为音乐要借助于时间展开，并且由有组织的乐音构成。那么乐音运动的逻辑是什么？它何以可能构成有意味的形式？有没有一种理论可以对音乐艺术的存在进行合理的解释。借助20世纪初德国心理学家韦特墨等开创的“格式塔”心理学，不同性质的力的模式的异质同构以及哲学对客观世界性质的基本定义：世界是物质的，一切物质都是运动的，而力运动特性的事物（一切对象）同音乐对其的表现来说明二者“力”的模式来对音乐相关理论的改造。
二、音乐与其表现对象的“力”的模式
“格式塔”心理学认为外部事物的存在形式、人的视知觉组织活动和人情感以及视觉艺术形式之间，有一种对应关系，一旦这几种不同领域的“力”的作用模式达到结构上的一致，就有可能激起审美经验。
既然音乐作为审美艺术的存在，其构成与依据能可然发生，那么通过考察这二者之间的规律我们获知：乐音运动的组织方式及其依据有两种，一种依据“生-心理的运动”；一种依据世界事物的运动。我们借“异质同构”就可以表述为下面的图示（图1）：音乐外部事物的存在形式即生-心理运动（1）和世界（2），它可以和我们的视听知觉发生关系，方式是彼此“力”的模式达到结构上的一致。也就是说音乐通过“同构”创造出了对象的特征，这种特征表现为听觉的审美对象。
“同构性”的创造可以将本质上不同的两件事物获得如概念和其所指的符号般的一致性。同构性的创造，作用于我们的心理就会有对该事物完型的心理倾向。人们借助完型心理获得音乐表现对象的内容与认知外在事物。通过音乐的方式给予表现，外在的美就从视觉甚至理性活动中转变成为了听觉和感性形象的活动，即由一种感官的对象转换入另一个感官的对象之中。这种转换，通过同构的创造，通过完型的心理倾向，最终成为一个“可能的”、“实在的”审美对象。
音乐形式和生-心理的对应按格式塔理论的考察，按本质上是一种“力”的模式的对应，这种“力”的模式具体反映在对象与音乐的形式中，也就是说，音乐的心理机制的“力”的模式与音乐运动的“力”的模式的相互一致。
在以世界为表现对象的音乐艺术创造中，音乐按对象的“力”来安排自身形式的“力”。这两种运动都有着“力”的模式，二者达到一致时，心理便完型为同一事物，便激起美感。结合音乐的基本特点，我们是不是能将音乐艺术创造的定义改造为：音乐通过运动来模仿对象的“力”的模式的艺术。如果承认此定义，那么音乐艺术的审美便体现出了更加深刻的效用，提供更为广泛的审美空间。
然而，力的模式有着抽象的复杂的逻辑结构，理性是无从深入于其中的，但我们可以通过审美在我们的感性中获得。因此对于创作者来说，这种对应关系的把握只能借助感性，外在客观事物具有抽象的“力”的模式或“力”的运动，理性对于“力”的表达是无助的。音乐的创作就是概括和抽象这种力的模式，以乐音运动的形式给予传达。
通过对音乐依据外在对象而规定自身的运动，以及音乐形式和知觉活动的“同构”关系，笔者认为，音乐与对象的联系是同对象“力”的模式的同构的联系；音乐的创造是对对象“力”的“同型”“同构”的创造；音乐创作的能力，本质上也是进行对对象“力”的模式的同构性创造的思维能力；而音乐的审美，本质上是对这种抽象的“力”的自由想象。
三、“格式塔”理论运用于音乐审美的阐释
格式塔理论将相互联系的事物定义为具有某种内在一致的“力的模式”或“力场”，并且二者存在一个一一对应的关系。那么在音乐艺术的创作过程就可以表述为创作者（创作出的音乐）和创作对象（世界）的力场，即“心理场”和“物理场”的同构过程，虽然二者本质不同，但通过“同构”思维便联系在一起。
人类意识拥有同构的创造能力，这种能力是一种非常趣味以及提供广泛想象空间的创造性能力。“同构”性创造具有获得审美的一切条件，甚至提供对美的高峰体验，因为同构性本质上是艺术家提供的感性特征与世界的对应，需要抽象性思维的介入，而艺术的审美价值就在于其抽象给予的审美效用，美就在抽象的基本的逻辑结构当中，抽象提供我们在似与非似的无尽想象空间中自由驰骋，进而获得性灵上无拘无束的自由。“同构性”的创造从哲学上就是将人的形象思维放置到一个无限制的时空与空间之中，人在艺术的一刻获得了精神上及自由上的极大满足。
世界有着无比丰富的表象，自然之道默默运行于其中。东方古老哲学命题认为造化孕育于无形之中，无形孕育有行之物，万物在聚合与稀散中震颤而衍生。西方哲学也将世界描述为一个超自然之物，即世界是理式（柏拉图）、理念（黑格尔）、意志（叔本华）的等等。而人企图在其中确定自己的位置，因为比起整个世界与整个自然，人类是渺小与孤独的，因而人类向往自然的力量，不断地企图和其沟通，在沟通中获得满足。中西的文明使得人类在面对大自然时具有了理性的静观和思辨，在思辨中寻找真理的终极之光，人类热爱着并将情怀诉诸于其中。
在音乐作品中，不乏有对大自然风景的描绘，通过音乐表现自然风景，如山川河流、月夜星辰、四季美景、五光十色等等。这些视觉内容借音乐给予表现，然而表现的内容或对象的本质通过音乐的加工便已不再有自然成因或与现实的同一性特征，但作为审美，音乐可以保留下对象基本的审美性特征如材质、形态、形式构成甚至成因和类似“理式”、“理念”或“意志”的理性思辨内涵。在哲学中这是最高的内涵，是万物的致动因，是对世界超自然的界定，对于音乐来说最高的审美的内容正是在于其感性显现出的理性内容。因而音乐的表现存在着一个外在的尺度，即对象自身。通过听觉给予我们不一样的体会和美的感受。
音乐可以为我们在听觉中呈现整个世界，对象整个世界，世界是音乐表现的内容。通过格式塔完型心理可以重新审视世界本身对于音乐审美的意义。
因此，让我们多把问题的焦点放在外在世界的客观存在上面。即（事实上这种对象即可以是我们自身同时也可以是）运动的一切事物，或者说只要是音乐易于将其表现的事物。但笔者以为，不是音乐不易于表现，而是我们的理解无法实现对对象的表达。
由“格式塔完型”理论的运用，而引发的一个问题是：理解的阈限问题。
理解的阈限是有关主体对客体世界在音乐中创作的可能性问题。原则上音乐可以表达一切格式塔“力”的模式，只是人类的审美丰富性还未进化到如此能力，或者对“力”的一些模式的直觉，还未到能把握的程度。音乐的形式就是这样一种对完全外在于它的本质而进行的“异质同构”。因此我们对音乐的美是否就能够定义为：音乐的美来自于外在世界的客观存在，通过格式塔“力”的模式来表现。
完型心理也是一种心理力量的释放。“同构”也即“完型”心理，笔者认为完型是一种力，或者说一种力量化的心理，一种出于人自身和对构成事物方方面面在意念间的推动力。而这种推动力笔者将其认为是一种对以往经验的模仿或期待。符合了模仿之物或满足了期待的心理，便激发了心理美感。笔者认为完形心理解释的是期待发生的本质。
完型发生在对已有经验之物的认识之中。一首曲调无论它如何的改变音色、音高甚至节奏、调性，我们都能识别它就是原本的那一首，之所以能无碍于原曲调的识别，心理学将其解释为一种完型心理的过程。我们没有将该曲调认为是另一首，却按着类似某种逻辑，制约了心理运动直达经验中的曲调，这就是完型的心理过程。这种逻辑制约了的运动，就是一种期待性的力量，顺应这种期待性的力量，就会疏导心理力量（从而将紧张劳作之后的精神疲劳慢慢舒缓），打破这种逻辑的制约就造成力的反向运动，表现出一种抑制的心理，一种不愉快的心里反映。
完型有着受逻辑制约的力的运动，有意识感受这种逻辑制约的力的运动将会使宣泄与疏导的力量将会使音乐的舒缓减压作用更加明显。
音乐为一切纳入其表现对象的事物完型，我们对音乐的欣赏，心理便会发生力的运动，美感就来自于对某种逻辑制约了的力的运动过程当中，这种逻辑的制约有着原发性②的制约和经验性的制约，原发性体现在我们的生-心理的运动之中；经验性体现在我们以往的感官对象并成为我们意识的一部分之中。音乐的运动符合这些期待就会产生一种力的运动模式，这种运动模式可以正确的表达期待的内容，因此它便在运动的过程中舒缓内心的力量，释放对以往经验的甚至已是潜层意识的积郁的心理力量。
完型是一种对原发性和经验性生-心理期待机制的力的疏导，在所有艺术门类中，音乐具有更加复杂的抽象性。抽象有着包罗万象的能力，更具能够将万物所涵射的条例给予综合。那么借助音乐艺术的抽象性本质，音乐是否可以辐射到意识的深层从而给予宣导，还需要更多的理论依据及其思考。
结 语
用格式塔理论中“力”的模式来解释音乐构成的对象特征，并以此说明音乐也具有相应的“力”的模式，二者能互映照，彼此沟通正是因为力的模式的相一致，即“同构”通过格式塔理论给予音乐作为表现性艺术的合理说明。另外，借同构理论及其完型心理来解释音乐舒缓减压之功效，说明乐音的运动本质上是按照生- 心理机制的原发性期待和经验性期待来组织——以音乐的方式将心理内容给予完型，给予疏导，从而激发美的感受。
注释：
①参见张前、王次炤著《音乐美学基础》，北京：人民音乐出版社出版，2004年，P80。为论述方便本文暂将该条下称“以世界为表现的对象”。
②“原发性期待”与“经验性期待”请参考周海宏著《音乐与其表象的世界》（中央音乐学院出版社，2006年)。
［参 考 文 献］
［1］单金龙.论音乐美的客观标准［J］.黄钟，2011(2).
［其他参考文献 ］
［1］彭聃龄.普通心理学［M］.北京：北京师范大学出版社，2008年.
［2］于润洋.20世纪西方音乐哲学导论［M］.长沙：湖南文艺出版社，2000年.
［3］周海宏.音乐与其表现的世界［M］.出版社：北京：中央音乐学院出版社，2006年.
［4］韩锺恩.音乐意义的形而上显现并及意向存在的可能性研究［D］.中央音乐学院，2003年.
责任编辑、校对：田可文
音乐创作教学范文第6篇
一、音乐理论与音乐论创作的具体关系
1、音乐创作是音乐理论形成的基础
一切理论都是立足于自己的实践基础之上的, 理论来源于实践活动。客观来讲, 音乐创作是属于实践活动, 而音乐理论是属于理论类的。所以, 音乐创作一定是整个音乐理论形成的基础和来源。随着音乐本身不断地发展, 音乐创作也随之创新与进步。在音乐发展的长河当中, 音乐创作占据重要的位置。如果音乐缺乏了创造, 那么就将是一潭死水, 永远只局限于某一方面, 停滞不前。所以, 从这一角度论述, 音乐创作是音乐理论创新的材料, 也是音乐理论形成的基础。因为理论是必须立足于在音乐创作基础之上, 才能够对于音乐理论进行及时地完善与发展。而在音乐发展的历史进程中, 音乐创作方向直接决定着音乐未来发展走向与趋势。所以, 源源不断地进行音乐创作, 才能够一步步推动音乐向前发展。通过大量的音乐创作, 进行音乐理论的总结与提炼, 这是推动音乐步步向前发展的重要过程。
2、音乐理论对音乐创作的指导作用
不可否认, 音乐创作是音乐理论形成的来源与基础。而音乐创作的过程当中, 如果没有了音乐理论的指导与支持, 那么音乐创造将是无根的、无科学理论基础的。所以, 音乐创作与音乐理论二者的关系是不可分割、相辅相成的。音乐创作是音乐理论的材料来源和基础, 音乐理论又是对音乐创作进行理论的指导。有了音乐理论的科学指导, 音乐创作将会有根有据, 并且能够实现音乐的专业化, 最终实现质的突破与飞跃。简单来讲, 音乐理论就是根据音乐创作进行经验总结形成一般创作的规律。在音乐发展的历程当中, 音乐理论与音乐创作两个过程必不可少, 从某一角度论述音乐理论对音乐创作有着科学的指导作用。音乐创作永不止步, 音乐创作源源不断, 在纷繁复杂的音乐创作当中, 将音乐创作进行分类、归纳、总结, 从而形成一套较为普遍性的音乐规律。当音乐创作规律形成, 即音乐理论, 反过来又可以对于音乐创作进行科学专业的指导, 从而使音乐创作逐步走向专业化。所以, 音乐创作要想获得更大的突破与创新, 就必须有音乐理论的指导, 创造活动才会进行得游刃有余。
二、探索音乐理论研究与音乐创作的策略
1、音乐理论与音乐创作综合研究
如果要想对于音乐创作以及音乐理论, 有个更为深入的研究, 就必须进行综合性的学习与认识, 才能够不断地进行深入探讨。综合化就是要求研究所涉及的范围要广阔, 研究层次也应该有所区分。这样, 才能够有力地提高音乐创作活动的效果, 从而进行推动音乐理论发展。综合性探究活动, 这不仅要表现对古今中外的音乐创作活动以及音乐理论有极其深入的了解。更重要的是, 能够结合的音乐发展历史, 站在古今中外前人音乐创造的基础之上, 才能够将音乐创作变得更为综合性, 所涉及的范围也会更加广阔。唯此, 才能够不断地拓展音乐人的创作思维, 突破音乐创作的局限性, 从而走向音乐创作的创新。
2、借鉴前人的音乐财富
我国的音乐发展历史较为久远, 人们在传承的过程当中, 也积累了很多的经验。从古至今, 每一位音乐人经过对创作的探索, 逐步领略到音乐创作当中的精华。在进行音乐创作的过程当中, 对于音乐有着由衷的热爱。同时, 古人通过对于各种丰富材料的积累, 为音乐创作的发展提供了源源不断的灵感。而在进行音乐创作的过程当中, 通过自己坚持不懈的探索, 对于音乐的探索更为深入。因此, 现代人创作也应该对古人音乐积累下来的财富进行借鉴与继承。这样, 才能够站在前人的肩膀之上, 通过对音乐创作的创新, 进行音乐理论的发展与探索。我国传统的民族音乐当中, 保留下来的优秀音乐创作思维以及理论, 这些对于现代人创作都有着很大的启迪作用。传统的音乐创作保留下来的精华部分, 对于现代人称作而言, 能够起到有效的推动作用, 帮助现代人进行更多创作思维的拓展。实际上, 我国音乐史学家较多, 他们注重对于音乐理论创作的研究, 从而形成了较为完善的音乐理论体系, 对于现代音乐的创作有良好的指导意义。因此, 借鉴古代的音乐财富是十分明智的一种做法, 也能够有效地推动现代音乐创作理论的发展与完善。
3、寻找音乐创作与音乐理论的统一性
音乐创作以及音乐理论本身就存在着很多的相似性, 都对于音乐的发展都起到非常关键作用。不断地继续音乐创作以及对音乐理论的探索, 这些都是为了能够使音乐这门艺术逐步走向完美化。而未来实现这个梦想, 在音乐创作的道路上, 不仅仅要保持音乐创作的真实性, 还应该体现音乐的互动性。唯此, 才能够让音乐创作显得趣味横生、充满生机。在进行音乐创作的过程当中, 歌唱家与作曲家是非常重要的音乐主人翁。作曲家对于歌唱家的嗓音条件应该充分了解, 在此基础之上, 再进行音乐风格的创作。同时, 在选择相关的音乐作品时, 这也要根据歌唱家的自身条件来制定。这样, 才能够保证作曲家与歌唱家进行高效的合作, 呈现出一个更加优秀的音乐作品。实际上, 在音乐创作具体活动中, 还应该对音乐作品进行认真的思考与讨论, 才能够将作品做的更好。而在音乐创作的时候, 也是在传递一种真实的思想和情绪。所以, 在进行音乐表演时, 应该注重与其他人的交流与沟通。这样, 才能够让观众感受到音乐艺术的美好, 体味到音乐本身的价值。在进行音乐创作的过程当中, 歌唱家与作曲家是非常重要的音乐主人翁。作曲家对于歌唱家的嗓音条件应该充分了解, 在此基础之上, 再进行音乐风格的创作。同时, 在选择相关的音乐作品时, 这也要根据歌唱家的自身条件来制定。这样才能够保证作曲家与歌唱家进行高效的合作, 呈现出一个更加优秀的音乐作品。
三、结束语
综上所述, 本文首先对音乐理论研究与音乐创作之间的关系进行了详细的论述。在此基础之上, 能够对于音乐的创作与理论有一个更为深刻的认识, 从而进行相关的探索, 表达出音乐世界的美好。实际上, 在音乐的世界里, 音乐理论与音乐创作二者必不可少, 相辅相成。在音乐创作与音乐理论共同的作用之下, 才能够谱写出最感人乐章。当然了, 为了能够增强对音乐理论与音乐创作的研究, 应该找到正确的研究对策, 不仅要让音乐理论研究走向综合化。同时, 还要站在前人的肩膀之上, 积累并借鉴宝贵的音乐财富, 推动现代音乐的发展。在寻找音乐创作音乐理论统一性的过程当中, 找到表达音乐的最佳方式, 创造出更多的音乐作品。
摘要：通过对音乐的不断创作, 对音乐规律的掌握更加深入, 从而建立了一套科学合理的音乐理论。音乐创作是音乐理论形成的基础, 而音乐理论本身又对于音乐创作有着积极的指导作用。因此, 音乐理论与音乐创作二者关系是相辅相成, 相互作用。针对二者的具体关系, 立足与于音乐创作的实践理论, 本文对于如何正确处理音乐理论与音乐创作之间的关系, 以及如何让二者关系得到更好的发展, 进行深入的讨论与研究。本文对音乐理论研究与音乐创作的思考, 希望能够对大家有一定的启发。
关键词：音乐理论,音乐创作,二者关系,策略
参考文献
[1] 汪毓和.谭小麟及其音乐创作[J].中央音乐学院学报, 1988 (3) :68-71.
[2] 赵燕.新世纪特色音乐理论研究浅析[J].北方音乐, 2014 (9) :27-27.