二胡音乐创作发展研究论文范文第1篇
二胡是我国最具民族特色的拉弦乐器之一，它的渊源可以追溯到唐代的轧筝或奚琴。从竹片擦奏过渡到用马尾弓子拉奏，由民间艺人的流浪工具发展成当今具有较完整教学体系的专业学科，经历了漫长的历史阶段。中国博大精深的文化底蕴和音乐家们对于二胡艺术孜孜不倦的追求，使得二胡这枝独具魅力的民族乐苑之花根深叶茂，散发着诱人的芳香。二胡音乐的艺术魅力是由多种因素有机地结合而表现出来的，很值得我们探究。在本文中，我想从以下几个方面探讨二胡艺术的魅力所在。
一、音质特色赋予二胡艺术的生命
音乐世界中，各种发声物体都有自己特殊的音色，从而构成了繁复奇妙的音响现象。从音乐表演的角度来看，演奏者都在注重音质的同时追求最美的音色、音质，以使音乐内涵得以充分体现。二胡的音色在很大程度上是由琴的质量来决定的，而二胡特殊的构造决定二胡具有中庸有度的特点，它的音域在人的听觉界限的最中心部位，二胡音乐之所以动人，一个重要的原因就是它的发音圆润甜美，悦耳动听，近似于人的歌唱声音，又长于演奏旋律，以表现音乐中细腻、缠绵、哀戚、柔美闻名于世。这与二胡的音色美有很大关系。
二、民族文化赋予二胡艺术的源泉
二胡艺术作为根植于我国民族文化土壤中的乐苑之花，吸收着民族文化这块肥沃土地的养料逐步发展，并茁壮成长。
二胡两根弦上流淌出的是一种静态美、幽淡美、自然美，并具有丰富的内涵。在艺术表演中不过分写实，重神韵，重意趣，崇尚自然美，是我们中华民族宝贵的审美传统。我国古代乐论中关于琴的论述颇丰，它为我们的民族文化宝库积累了大量财富，特别对二胡这一具有抒情性的乐器，从演奏方法到审美趣味都有很深的影响。琴的演奏能“尚恬淡希声，决糜漫烦响”。乐记中对琴声的感觉效果描述得栩栩如生：“其哀心感者，其声噍以杀，其乐心感者，其声蝉以缓，其喜心感者，其声发以散，其怒心感者，其声和以柔。”音乐创作的灵感来自于各个方面，神灵的崇拜，景物的诱发，心中的激情，现实的冲击，个性的挣脱，结构的探寻等等。众多优秀的二胡题材来自于民间动人的艺术形象赋予作曲家的想象。试想如果没有丰富的文化，独特的情感体验，哪有瑰丽奇美的艺术联想，也一定奏不出优美、扣人心弦的乐曲。而二胡乐曲创作的形象动人，不但受益于我国深厚的文化底蕴，而且在借鉴我国传统民间音乐时充分发挥了灵感。
如陕北“兰花花”的故事在群众中广泛流传，《兰花花》成为群众喜闻乐唱的民歌，此曲塑造兰花花这个农村姑娘纯朴、善良、天真、活泼的形象，以及她敢于向封建势力抗争的坚强性格。
此曲带有浓郁的地方特色与乡土气息，作曲家通过流传于民间的原始片段音乐语言进行加工提炼，创造发展，使其达到新的意境，这也是作曲家深入生活，向民间音乐学习的结果。民间音乐是创作《兰花花》这一具有艺术感染力作品的源泉。
又如：《满江红》，此曲根据岳飞《满江红》词意创作而成，作者将四川扬琴音乐与昆曲巧妙糅合，创作了深情激越、慷慨悲壮的音乐主题，它具有历史题材所需的古朴色彩，充分利用了民间的丰富养料。由于根植于传统文化中而使乐曲的内涵极为厚实丰满，既传统又现代。
三、演奏技巧赋予二胡艺术的表现力
无论作为哪种乐器，艺术的高峰是无止尽的。近百年来二胡演奏技巧的不断发展，极大地丰富了二胡的表现能力。时代的进步，人们对二胡乐器的表现力要求不断提高，范围不断扩大，而组成二胡演奏风格的技巧主要有揉弦、滑音、装饰音、弓法等。通过这些风格性技巧来达到其演奏味道十足的效果。这些也是二胡演奏艺术的重要组成部分。
里姆斯基·科萨柯夫斯基在其《管弦乐法基础》中说：“能使一些音能连贯地进行并把绷紧地弦加以揉动，这种可贵性使弓弦器乐组乐器成为歌唱性和表现力最强的乐器，比乐队的其他乐器更胜一筹。”书中是针对大小提琴而言，其同样适宜中国拉弦乐器。在中国二胡上揉弦也是对其歌唱性的追求，恰如其分地使用揉弦，能使二胡演奏更富歌唱性，增加了乐曲的表现力，突出了乐曲的风格。有人说揉弦是对乐音的一种美化和装饰，言简意赅，恰如其分。
二胡的揉弦分为滚弦、压揉、滑揉三种，一般在内容丰富情绪变化较多的乐曲中揉弦以组合的方式在演奏中应用。在演奏《江南丝竹》这一具有水灵气息的乐曲，若不以小揉弦方式在演奏中应用，则欢畅秀丽的江南风格就不能准确体现。二胡由于没有像小提琴上的纸板，因此揉弦上形成了它独特的压揉技巧。二胡曲《江河水》《听松》中为了表现特定的性格，顿挫的节奏感，以及颤动的内心情感，糅用了压揉技巧，更富感染力。
在《阳光照耀在塔什库尔干》和《葡萄熟了》等新疆风格的旋律中较快频率的滚揉方式恰到好处地表现了引吭高歌，舒展激昂的音乐情绪和载歌载舞的音乐形象，起到了至关重要的作用。在《汉宫秋月》和《二泉映月》中的迟到揉弦恰如其分地将古朴典雅的音乐风格和略带凄凉的音乐情绪真切地表现出来。总之，在丰富多彩的揉弦技巧中，表现特定音乐风格和特殊音乐情绪的揉弦作为重要技巧手段在二胡演奏中起到不可估量的作用。
揉弦给二胡音乐艺术带来了无尽的美，但适当的不揉弦的音响效果却又为二胡音乐带来了此时无声胜有声的效果。乐记中道：“淡静有度，飘扬合节乃妙”。中国的传统绘画也主张不过分写实，而特别强调神似与意趣，重神韵讲虚实。二胡曲《江河水》中间的部分，细听名家的演奏，有好多音是不加揉弦的，以此营造出淡淡的音响，静静的气氛，从而更深刻地表达了对故人的思念情感。因此乐曲中表现的回忆、沉思、梦幻之类的意境用不揉弦演奏可以取得更佳的效果。斯坦尼斯拉夫斯基在《我的艺术生活》中谈到，越是简单，越是困难……这种不揉弦的技巧产生的艺术感染力，被称为二胡的“绝妙的艺术处理”。
在二胡演奏中凡是较为具体地表现喜、怒、哀、乐的情绪时，滑音的应用比较集中，为了适应“色腔”的需要能模拟人声，也能惟妙惟肖地模拟鸡鸣犬叫，姑嫂问答的效果。刘天华的《空山鸟语》正是继承和发展了民间艺术的传统，在二胡的不同把位上，巧妙地运用各种滑音的技巧，生动描绘了空幽山谷中百鸟鸣转，晨光如画的景色，滑音得到了充分的发挥。二胡滑音的模拟性也越来越多地运用于现代作品中。
装饰音作为二胡风格的音乐旋律中经常以辅助性的小音符出现，装饰音的技巧很丰富，有单音、复音、单颤音、复颤音和回音等方式，如《江南丝竹》，作为极富特色的民间音乐，对灵巧俏皮轻快的装饰音运用得得心应手。蒙古族音乐中，浓郁的大小三度颤音和独特的装饰打音在优美的音乐旋律中更加鲜明地将乐曲的风格生动地展现在人们面前，使我们仿佛置身于骏马奔驰的辽阔草原上。
弓法是二胡这种接近人声乐器在表达音乐情绪中轻重缓急和抑扬顿挫的重要手段。除常规的弓法外，“顿挫波弓”“垫弓”“飞跃断弓”和“抛弓”等特殊弓法使二胡乐曲更具神韵，如《二泉映月》中运用顿挫弓，表现了欲言又止，感慨不尽，而且长音的音响上也富内在的动力感，音乐的韵味和感情的内涵也更加准确生动。在蒙古族音乐风格中较大范围和较慢地“垫弓”常常用来连接相同音高的旋律，使之更加宽厚连贯，铿锵有力。在表现急切的情绪中也能加强旋律音的艺术效果。“飞弓”，是表现特殊音乐效果的色彩必弓法。可演奏快速音乐旋律，也可以与滑音等技巧结合，用于渲染气氛或表现某种特定的音乐效果，如模仿马儿奔跑的效果。“抛弓”是极富特色的弓法，常表现乐曲中渐渐高涨的情绪。
二胡的技巧是纷繁复杂的，也赋予了二胡音乐的色彩性和风格性。丰富的技巧更充分地发挥和拓展了二胡的音乐表现力。
四、风格流派赋予二胡艺术的个性
人的生活受着一定的社会关系、经济条件、传统观念、风俗习惯的制约。即使同一时代、同一地区、同一民族，也总是这样或那样地表现着他们各自的独特性。而作为音乐艺术，演奏家的个人风格是在长期艺术创作中，在漫长艰苦的探索研究中逐步形成的并反复出现的。我国二胡流派风格的形成在上世纪50年代初期，是著名音乐史学家杨萌浏先生采录了阿炳的不朽名作《二泉映月》和《听松》等二胡作品的基础上开展过来的。以阿炳为代表的民间艺术音乐家对二胡艺术的发展除有着特殊的贡献之外，还颇具江南风味，并且有着自己独特的演奏手法的江南丝竹乐，最具代表性的是《中花六板》《欢乐颂》《行街》等，这些乐曲的产生和发展，丰富了二胡的曲目和演奏风格。
与民间二胡创作并驾齐驱的是以继承刘天华二胡专业创作特色的二胡学派的二胡创作，如陈振铎的《田园春色》《弓桥泛月》《映山红》《雨后春光》，蒋风之、刘茂北、陆修棠等人的作品可为其代表。如果对一些著名的二胡演奏家仔细加以观察，就会发现每个人都具有自己独特的风格个性。蒋风之先生在二胡艺术上深得刘天华真传，但又不拘于师承。他匠心独运，刻意创作，形成了古朴典雅、深邃细致、内在含蓄、意味隽永的独特风格流派——蒋派风格。这对二胡艺术魅力的影响之深是不言而喻的。
王国潼的演奏运弓刚劲有力，豪壮而有气势，音色圆润深沉，形成自己独特的演奏风格。闵惠芬的演奏充满激情，富有表现音容兼备，具有歌唱性。对乐曲能深入开掘内涵，加以细腻的艺术处理，琴声有感人至深的艺术魅力。具有这种个人独特魅力基础上感动听众的能力是二胡音乐艺术经久不衰的保证。
而在吸取了我国地方戏曲音乐，特别是表现西北人民朴实豪爽的性格和充满活力的精神面貌而创作的作品，如赵震宵与鲁日融合作采用西北人民最喜爱的戏曲秦腔中的若干曲牌和唱腔而创作的《秦腔主题随想曲》，形成了独特的鲁派风格，即秦腔风格。
各种独特的个人流派和地方音乐风格的子系统，构成了中国民族音乐风格的母系统。共性具体存在于个性中，多侧面地体现了中国音乐风格。
五、改革创新赋予二胡艺术的发展
民族音乐家刘天华使二胡乐器登上了大雅之堂，成为艺术院校一门专业学科，刘天华在二胡乐曲创作上的贡献是巨大的。他在不失民族韵味风格和表现内容的前提下，大胆借鉴和吸收了西洋的创作技法。实践证明这是非常可取的。二胡艺术能散发出它的活力，得益于发扬本民族文化的优势，又不失批判的眼光把现代的观念融入到民族文化之中。
上世纪50年代以来，以二胡大师张韶为代表的多名二胡演奏和制作家仍不断地对二胡乐器进行大胆的改革，使得二胡从工艺、音质、音量等方面更加完美。在演奏艺术上既创新又不亦步亦趋的模仿。在演奏中充分揭示作品反映的时代精神。
“我的一切奋斗追求出自于我的信仰，为民族事业奋斗是我的生命的需要。民族音乐是世界艺术的瑰宝，值得我为之献身，离开了这点，我的生命就没有意义了。生命是短暂的，而艺术是永恒的。”这是二胡大师闵惠芬的肺腑之音。由此可见，二胡艺术之树之所以不断地枝繁叶茂，正是因为一代代的二胡艺术家们对民族音乐事业的热爱，不断辛勤耕耘、勇于改革创新的结果。
综上所述，在中国这片土地上，我们的祖先在为我们留下了丰富的文物古迹的同时，又为我们留下了宝贵的音乐遗产，我们相信只要进一步开发利用这些音乐遗产，尊重历史，大胆创新，二胡这枝民族乐苑之花将更具艺术青春的魅力。
（作者单位：连云港市艺术学校）
二胡音乐创作发展研究论文范文第2篇
在笔者的记忆里，刘文金最近一次新作品亮相，是三年前中央音乐学院七十周年校庆活动中民乐系为校友举办的“世纪回响——刘文金新作品音乐会”上。这场音乐会，以刘文金一生的精品为主线，浓缩和梳理出一个时代里民族音乐的成长和发展。
音乐会在民族管弦乐《我的祖国》的主题曲中拉开帷幕。多次指挥过刘文金作品的著名青年指挥家彭家鹏，手势优雅、动作准确，执棒中国青年民族乐团年轻一代靓男俊女，演绎出刘文金先生一曲曲民族音乐的时代交响：民族管弦乐《茉莉花》，古筝与拉弦乐队《丹青仙子》，二胡琵琶与乐队《火·彩衣姑娘》，二胡与萨克斯的对话《二泉映月》，笙协奏曲《虹》， 二胡协奏曲《雪山魂塑》，双柳琴协奏曲《酒歌》，二胡群、钢琴与乐队《豫北叙事曲》等九首乐曲，这些乐曲寄托着刘文金的丰沛情感，挥洒着作曲家的生活积淀与音乐理想。人们在音乐的起伏中，回忆起刘文金的风采。
刘文金毕业于中央音乐学院。五十多年来，作为民族音乐一代领军人物，创作和改编了大量民族器乐、声乐以及其他体裁的音乐作品，包括二胡与钢琴《豫北叙事曲》《三门峡畅想曲》、二胡协奏曲《长城随想》《秋韵》《洪湖》《雪山魂塑》、琵琶与乐队《霸王卸甲》、民族管弦乐《太行印象》《茉莉花》、交响诗《十面埋伏》、大型交响合唱《孔子颂》以及歌曲《大海一样的深情》等等。诸多曲目深受业界内外的欣赏和好评。其中，刘文金在校期间完成的处女作《豫北叙事曲》，是民乐演奏专业学生参与音乐创作的一次成功实践。作品以二胡与钢琴的合作，将极富生活情趣的民间音乐与西方作曲技法大胆结合，通过挖掘二胡演奏技巧，拓展和丰富了二胡演奏的表现力；更重要的是将音乐中融入强烈的时代气息，将二胡艺术从抒发自我情绪为主的表现方式转为抒发民族情感的大众表现方式，实现了二胡演奏发展变革的时代跨越，成为“二十世纪华人音乐经典”。《长城随想》作为一部充满爱国主义情操和民族神韵的协奏曲，在思想性、艺术性、技术性、创新性等几方面都颇有突破和成就，被誉为当代二胡作品的里程碑，在海内外影响甚广，荣获全国第三届音乐作品一等奖。近年新作二胡协奏曲《雪山魂塑》则以其宏大的叙事主题与富于感染力的音乐，入选 “金钟奖”二胡青年组决赛指定曲目，成为近年音乐会中重要的二胡作品。 1989年，香港中乐团隆重推出一台“从刘天华到刘文金”作品音乐会，以民乐创作上的不断变革，向人们展示了刘文金作为一代民乐大师的历史地位。海内外同仁盛赞刘文金是“中国大陆最能令人感到震撼力的一位作曲家”。
丰厚的生活底蕴与民族民间音乐基础造就了刘文金音乐的“魂”；扎实的专业知识、勤奋好学的进取精神、不断求新的创作理念与丰沛饱满的民族情感，又赋予刘文金的音乐强烈的时代性和艺术性。这些共同成就了刘文金一部部颇具影响力的作品。他的音乐跨越国界，跨越时代，激励并感染着一代代炎黄子孙，成为中国民乐的骄傲。
中央音乐学院王次炤院长高度评价刘文金为“音乐创作的楷模，民族音乐的先锋”。
这场音乐会的策划者李光华一直称刘文金是令人尊敬的学长，谈到举办这个音乐会的初衷，李教授表示：“刘文金先生是一位我深切尊重与景仰的当代作曲家。半个世纪以来，他耕耘不辍、作品宏富。在花团锦簇的民族乐坛上，他的音乐作品突显时代主题，气势宏伟震撼人心，有着深沉优美的民族风格和舒张绵密的章法结构，如诗如画，醇美醉人。
刘文金先生上世纪五十年代曾就读于中央音乐学院，是我辈的学长、老师和朋友。他多年来始终情系母校，关心民乐系的发展，真所谓‘中心藏之，何日忘之’。
在母校七十周年华诞之际，献上这场《世纪回响》新作品音乐会，便是他心血的结晶。‘冰，水为之，而寒于水；云，出其山，复雨其山’，此其谓之。”
“云出其山，复雨其山。”刘文金毕业后，没有辜负母校的培养，成为音乐界的领军人物，先后历任中央民族乐团团长、艺术总监，中国歌剧舞剧院院长、中国歌剧舞剧院艺术指导等职。他生前为中国音乐家协会理事、创作委员会副主任、中国音乐著作权协会常务理事、中国民族管弦乐学会副会长；2001年被聘为韩国中央大学校国乐大学教授。不幸的是，2010年底的这场音乐会，竟成为刘文金能亲自感受自己音乐在舞台上绽放的最后一次机会。为了表达对中央音乐学院的感恩之情，当时他曾在音乐会节目册上留下这样的感言：
“适逢中央音乐学院建校七十周年之际，母校民族音乐系青年民族乐团能够举办我的作品的音乐会，使我深感荣幸！
回顾上个世纪中叶（1956年～1961年）在校读书期间的学习与生活场景，至今历历在目。马思聪院长、赵沨院长和老教授们的敬业精神与谆谆教导令人难以忘怀，是他们给了我应有的道德品格和思想品位，以及多种专业技能和创作理念，这些都使我终生受益。
感谢中央音乐学院历任院长与干部们的科学管理，感谢教授们的辛勤操劳和孜孜不倦，是他们共同缔造了中央音乐学院的崇高威望和海内外深刻而广泛的社会影响。
需要说明的是：本场音乐会的主要曲目均选自2000年以来我退居二线以后的部分新作品（对少量过去的作品也进行了修改或重编），并以《世纪回响》为标题，敬献给母校的院领导和在座的老师们、同学们以及广大的音乐爱好者。
我虽然已年过七旬，但多年来依然秉承着的‘勤奋、执着、襟怀坦荡、健身快乐’的座右铭，为中国民族音乐事业的健康发展而努力奋斗。
祝愿中央音乐学院越办越好，永远兴旺发达！”
五百余字的感言，字里行间流露着款款深情。音乐会盛况空前，刘文金以自己的九曲华章，回报母校养育之恩，唱响世纪华声。
一晃三年过去了，刘文金终因疾病不能与同道们在音乐之路上继续前行。但他的音乐和他为民族音乐建树的理论，已然深入人心，在世间永远长存。
二胡音乐创作发展研究论文范文第3篇
摘 要：美国是一个电影配乐大师辈出的地方，其职业教育为大批抱着影视音乐创作理想的年轻作曲家提供了入门的捷径与专业化训练。通过专业教育培养机制，为行业源源不断地输送优质人才，使整个电影工业保持良性循环与顺利运转。
关键词：电影音乐 美国 教育
电影音乐产业始于美国，因此最早的电影音乐专业教育也诞生于美国，美国的一些高等院校为职业电影音乐人才培养提供了多元化的电影音乐专业教育。如音乐学院里有专门为立志从事电影音乐作曲的人而设立的本科教育，也有专门的影视音乐职业化教育，学校为学生提供加强提高学习者对电影与音乐之间关系认识的专业课程，从而更好地解读电影内涵而创作出与之相谐的音乐。好莱坞许多知名的电影配乐大师都经过电影音乐课程的培训，如《泰坦尼克号》作曲James Horner从英国皇家音乐学院毕业之后就进入南加州大学音乐学院继续电影配乐的学习，《阿甘正传》作曲的Alan Silvestri毕业于美国另一所开设电影配乐专业的知名学校美国伯克利音乐学院。美国作为全世界公认的电影音乐创作最发达的国家，提供了一流水平的电影音乐课程，其中最著名的就是南加州大学和伯克利音乐学院开设的影视配乐课程。
一、美国南加州大学（University of Southern California，简称USC）Thornton School of Music曾经培养过许多杰出的校友，如Bruce Broughton①、James Horner②、James Newton Howard③、David Newman④、Marco Beltrami⑤等，他们都获得过多次奥斯卡与艾美奖的提名与奖项。
Thornton音乐学院开设的为期一年的影视配乐课程（Scoring for Motion Pictures and Television，简称SMPTV）是全球知名的影视配乐专业课程。该课程的学习时间为一年，总共30个学分，入学要求是申请学生必须是已经完成音乐专业本科学习的大学毕业生，一年课程完成之后学生可以获得研究生文凭。设置的课程有以下十二门：见表5.3。
该SMPTV课程提供教学的教师团队包括从事电影电视和视频游戏行业配乐工作的专业人士以及电影界的导演等。学生能够直接获得一流导师和行业翘楚的指导并参与实习。如Michael Giacchino⑥、Christopher Lennertz⑦、Jon Ehrlich⑧、James Newton Howard、Thomas Newman⑨、Alan Silvestri⑩、Randy Newman11、Theodore Shapiro12and Edward Shearmur13。每一位作曲家都是美国电影配乐界响当当的人物，拥有丰富的经验与辉煌的履历，对学生来说真是一种难能可贵的学习机会。由于Thornton音乐学院地處南加州洛杉矶地区，依托于南加州得天独厚的校园环境，它能够直接与南加州大学电影艺术学院之间展开合作，行业资源对接既丰富又便利。作曲专业的学生可以和电影专业的学生一起参加实习工作，实践创作学生配乐作品。同时，学生们也有机会获得为好莱坞配乐联盟的音乐家们或华纳电影公司旗下唱片公司的项目充当实习助手的机会。除了规定课程之外，一周一次的SMPTV论坛为学生们提供了大量与行业中的前辈领袖面对面切磋交流的机会，有时甚至能参加索尼，福克斯或者华纳兄弟等大电影公司召开的影片配乐会议。学生们通过参与各种具体的实践活动为将来满足复杂多元的行业需求做好充分准备。此外，SMPTV课程还与洛杉矶录音音乐家协会（Recording Musicians Association Los Angeles简称RMALA）、美国专业音乐家联合会（American Federation of Musicians - Professional Musicians Local 47）等音乐权威组织组成联盟伙伴关系，通过他们的后台支持，使学生作品能够有机会为高水平的音乐家们所演奏。
二、美国伯克利音乐学院（Berklee College of Music）伯克利音乐学院电影配乐系（ Film Scoring Department）为未来有志于从事电影配乐的学生开设了四年制的电影配乐专业学士学位课程（Film Scoring Major）。
1.本科必修课程
《电影配乐介绍》、《电影音乐历史》、《戏剧性配乐分析》、《电影语言》、《视频游戏音乐技术分析》、《电影音乐作品专题分析》、《电影戏剧性管弦乐作法》、《电影与视频的配乐技术》、《电影作曲大师研究》、《电影配乐的计算机/合成应用》、《视频游戏的互动配乐》、《电影音乐编辑》、《作曲家的电影配乐技术》、《电影配乐的风格改编》、《片段配乐》、《电影与视频游戏的高级计算机应用》、《当代电影配乐技术》、《视频游戏的高级配乐与实施》、《高级电影音乐编辑》、《电影配乐实践》、《电影配乐高级作品集与研讨会》、《电影配乐实习》、《默片配乐》、《管弦乐小样制作》。学生们在该系列课程中会接触到许多电影配乐大师的经典名作，通过长期浸润，培养其对优秀电影配乐作品的美学鉴赏力。同时，在实践中会有很多与演奏家、电影工作室人员的合作机会，使学生在学校里就开始培养各种团队协作能力。
2.就业领域
由于好莱坞电影工业的高度发达与行业分工的细致性，电影配乐专业毕业的学生就业面非常广泛，将来有可能从事电影配乐行业中的任何工种。除了前文中提及的作曲家、音乐编辑、音乐管理人、管弦乐师、抄写员之外，还包括：
（1）程序员（Programmer /Sequencing）：音乐程序员协助作曲家用音乐软件和电子合成器制作某段配乐的小样，以便使导演在进入实质配乐阶段前有机会听到作品，既经济划算又能提前纠正一些错误或问题。
（2）协调人（Contractor）：协调人在音乐管理人的分工下主要负责音乐家的雇佣并通过美国音乐家联盟签订相关的必要的合同。
（3）电影编曲（改编者）Film Arranger （Adaptor） ：电影编曲协助作曲家开展在人声、乐器、和声结构，节奏、速度等与配乐相关的工作。电影编曲需要具备一定的音乐理论、管弦乐配器以及作曲专业知识，会演奏几种乐器，或者有过当抄写员的经验才能胜任。
（4）电影指挥（Film Conductor）：电影指挥与一般交响乐团或室内乐团的指挥职责类似，唯一不同的在于电影指挥还需要协调好音乐与画面合拍的时间。此外，电影指挥亦要具备较强的领导才能与交际能力，以便和电影作曲家、交响乐团演奏员、音乐编辑等不同工作人员顺畅的沟通与交流。
（5）作曲家助理（Assistant to the Composer）：作曲家助理是负责协调作曲家与外界各种联系的枢纽，有点类似于作曲家的“保姆”或“秘书”，为把各种繁琐的事物安排得井然有序同时又最大化的保证作曲家在良好安静的氛围中创作。
（6）声音设计（Sound Designer）：声音设计者主要负责设计、合成音乐与电影中其它声音效果如环境音、对白的配合，以保证配乐和其它各类声音在电影中完美的呈现。
3.研究生教育
伯克利音乐学院还提供了为期一年的电影配乐的研究生课程——（Valencia master’s degree）。该研究生课程为学生提供了电影配乐高级阶段的训练，以磨砺学生的配乐技能和提高学生的音乐创造力。课程类似于南加州大学Thornton音乐学院的课程设置，主要聚焦于进一步提高学生为影视配乐、视频游戏配乐、管弦乐法、编辑整合等方面的技术能力。这个硕士学位课程主要是提供给伯克利学院毕业或其它大学毕业的有一定作曲技术、有音乐创作经历并期望从事视觉媒体行业的作曲、配乐工作的学生。课程内容包括：
《高级配乐I：叙事分析》、《高级配乐II：类型与形式》、《线性研究与互动配乐》、《商业与创业研讨会》 、《视频配乐技术》、《如何引导视觉》、《电影作曲家大师研究》、《高级戏剧性管弦乐作曲法》、《高级视频游戏配乐》、《音乐管理和编辑》、《高级工作室制作》、《电子作曲》等。
在正式的学期开始之前的暑期还会特别提供一套过渡课程给有过传统音乐背景的学生作为预科课程，包括对数字音频工作站编程（sequencing program）、Logic Pro和Pro Tools等高级专业软件的学习。
4.硬件设施建设
伯克利音乐学院配备了多个世界先进的硬件设施，包括：
（1）电影配乐实验室（Film Scoring Labs）。包含多个带有整合式MIDI、数字音频与视频 SMPTE14同步的以Mac基础的数字音频工作站（DAW系统）和作为专用取样器的集成PC。所有的Daw系统都支持数字演奏，可以运行最新的电影配乐制作软件，如Pro Tools LE，Logic Pro，Reason，Kontakt3、Waves-Platinum等，还能在该系统平台上操作Garritan 个人交响乐团。实验室里丰富的样本库，为学生全方位配乐学习提供行业同步技术应用实践。为学生创造各种机会动手进行电影配乐、MIDI编程和数码音乐编辑的学习。
（2）一间独立的配乐综合工作室。包括录混双控室，两个连接的DAW实验室和一个为传导画面并配备视频整合的“现场”工作室，并带有Genelec 5.1环绕声控系统，为学生们进行现场室内乐表演和完成配乐作业的录音提供了一流的教学设备。
此外，还有为高级课程配备的两个DAW/Screening 房间，导师可以在此对学生的配乐作业进行一对一的辅导与教学。伯克利音乐学院电影配乐系有着丰富的馆藏资源，除了一个收藏大量故事片和工作版画（work prints）的VHS15/DVD图书馆之外，还有一个原声CD图书馆，收藏了浩瀚如烟的世界各国影片和学习视频游戏配乐课程而准备的各种游戏。
5.录取要求
报考本科专业的学生需要提供本人亲自制作的几种不同类型与风格的音乐录音带小样。报考硕士课程的学生则需提供三首不同风格类型的原创音乐作品，并附上乐谱。初步筛选进入复试的学生要参加正式面试以供评委会对考生的适应性、成熟度以及沟通能力做出客观判断。
除了以上两所名校之外，在洛杉矶还有一所著名的“格罗夫音乐学校”（Dick Grove School of Music），该学校不提供学历教育，仅提供实践应用性质的作曲和编曲课程，著名的香港电影作曲家金培达就在旧金山州立大学音乐系学习之后又进入该校参加为期一年的关于各种配乐课程与音乐编曲的训练。
美国是一个电影配乐大师辈出的地方，John Williams擅用弦乐制造排山倒海气象万千的史诗般的壮阔，James Horner擅用苏格兰风笛营造英国民族古典情怀，Hans Zimmer 擅用交响乐与电子乐营造大气磅礴，每位作曲家都有鲜明的个人创作风格。作为一名合格的电影作曲家，必须对视觉画面与音乐的关系有着敏锐的理解与洞察，除了个人的音乐领悟力之外，职业教育为大批抱着影视音乐创作理想的年轻作曲家提供了入门的捷径与专业化训练。通过专业教育培养机制，为行业源源不断的输送优质人才，使整个电影工业保持良性循环与顺利运转。依托于美国发达的电影工业基础，近百年的电影文化底蕴，其发展多年的电影配乐职业化教育功不可没，为好莱坞及世界提供了大量优秀的电影音乐创作人才。美国凭借着在世界电影强国的得天独厚的优势，尤其好莱坞是全球电影产业最密集的区域，无数电影相关行业与厂商高度集中的产业聚落，被人称作“电影工业的世界中心”，这都为学生提供了大量绝佳的电影音乐实践的机会和资源。这也是同样作为电影音乐专业教育，美国特别容易培养出优秀人才的原因。而中國在这个领域才刚刚起步，无论是硬件还是软件，美国都无疑为我们提供了先进的经验与范本。
注释：
①Bruce Broughton美国电影电视及视频游戏作曲家，代表作《救难小英雄澳洲历险记》配乐以及为《猫狗也疯狂》、《银城大决战》等创作的一系列脍炙人口的电影原声歌曲。
②James Horner美国著名电影作曲家，11次获得奥斯卡提名，创作的《泰坦尼克号》获得奥斯卡最佳原创音乐奖和奥斯卡最佳原创歌曲奖，代表作有《燃情岁月》、《勇敢的心》、《美丽心灵》、《真情电波》、《阿波罗13号》、《阿凡达》等。
③James Newton Howard美国著名电影作曲家，荣获八次美国电影金像奖提名，为超过一百部电影配乐，代表作有《亡命天涯》、《浪潮王子》、《金刚》、《绿灯侠》等，同时与美国著名导演M. Night Shyamalan自电影《灵异第六感》之后一直保持长期的合作关系。
④David Newman美国电影作曲家，是好莱坞著名的电影作曲家族Newman家族成员，与名导演Danny Devito合作多年，代表作《玫瑰战争》、《抢钱世界》等。
⑤Marco Beltrami美国知名电影作曲家，师从好莱坞传奇配乐大师Jerry Goldsmith，特别擅长恐怖片和惊悚片题材的配乐创作，代表作有《变种DNA》、《生化危机》系列等。
⑥Michael Giacchino美国著名影视及视频游戏作曲家，多次荣获艾美奖和格莱美奖，代表作有《碟中谍III》、《超人特工队》等
⑦Christopher Lennertz美国新一代影视及视频游戏作曲家，因2007年为卡通电影《鼠来宝》以及华纳电影公司喜剧片《老板不是人》创作的配乐而知名。
⑧Jon Ehrlich 美国影视作曲家，代表作有福克斯电视剧《House》、NBC喜剧电视《parenthood》以及ABC電视剧《invasion》等。
⑨Thomas Newman美国著名电影作曲家、指挥家，在从业三十多年时间内为超过五十部电影创作过配乐，获得多次奥斯卡、艾美奖、格莱美奖以及金球奖的提名，与许多知名导演合作，代表作《美国美人》、《红色小提琴》。
⑩Alan Silvestri 美国电影作曲家，与著名美籍印裔大导演Robert Zemeckis成为多年的黄金搭档。 代表作《回到未来》三部曲、《阿甘正传》、《超时空接触》、《荒岛余生》、《极地特快》、《圣诞颂歌》等，此外与大导演Stephen Sommers也多次合作，代表作有《木乃伊归来》等，多次获奥斯卡、格莱美奖提名。
11Randy Newman 是一位多栖发展的美国作曲家，既是词曲创作者又是配乐家，为迪斯尼和皮克斯公司创作过多部风靡全球的卡通电影的配乐，如《玩具总动员》三部曲、《汽车总动员》、《虫虫特工队》、《怪物公司》，并荣获两次奥斯卡金像奖最佳配乐奖。
12Theodore Shapiro美国新生代电影作曲家，毕业于美国布朗大学，擅长轻喜剧音乐创作，代表作有《遇见波莉》、《穿普拉达的女魔头》、《侠盗夫妻》等。
13Edward Shearmur 英国电影作曲家，擅长不同类型与题材的电影配乐，代表作《赛门花园》、《查理的天使》。
14The Society of Motion Picture and Television Engineers，美国电影电视工程师协会的缩写.它是目前在影音工业中得到广泛应用的一个时间码概念. 该码用于设备间驱动的时间同步，计数方式，通常用于电影工业，显示格式为小时：分钟：秒钟：帧数。
15VHS是Video Home System的缩写，意为家用录像系统. 它是日本JVC公司在1976年开发的一种家用录像机录制和播放标准. VHS在播放时间长度和播放音质方面比之前的技术有很大的改善。
参考文献：
[1]Richard Davis.Complete Guide to Film Scoring.Boston： Berklee Press，1999.
[2]中国电影音乐学会.中国电影音乐文集.北京：中国电影出版社，2001.
[3]曾田力.影视剧音乐艺术.北京：中国传媒大学出版社，2003.
二胡音乐创作发展研究论文范文第4篇
摘 要：文章在音乐基础理论中借用“格式塔”完型理论，通过将格式塔理论套植在音乐的内容与形式的关系之中，为该关系找出发生对照的合理理论，并通过该理论来对音乐的审美及其效用进行解释，探讨音乐的构成及审美效用等问题，提出音乐的完型心理创作与审美的方式。
关键词：格式塔；异质同构；音乐创作方式；音乐构成依据
本文笔者通过将“格式塔”完型理论套植在音乐的内容与形式的关系之中，为该关系找出发生对照的合理理论，并通过该理论来对音乐的审美及其效用进行解释，探讨音乐的构成及审美效用等问题。
一、缘起：格式塔“完型”音乐心理的引入
笔者曾发表一篇题为“论音乐美的客观标准”［1］的文章，探讨了音乐之于欣赏者的共同美感内容及音乐美感的客观标准。认为音乐激起审美的原因之一是音乐符合了生- 心理的机制。文章认为“生-心理”机制是一种具有生理和心理的“意志”，这种“意志”规定音乐的运动。之后，笔者又具体的对这种“意志”给予考察，并提出该意志具有“欲求”、“蓄积与释放”、“紧张与松弛”、“秩序”、“对比”、以及“丰富性和变化性”等特征。文章认为，生心理的欲求是乐音运动的依据，是乐音组织的参照，同时，乐音的运动也会带来生心理的欲求的变化，乐音再依据生心理机制的变化而规范其运动，运动顺应了生心理机制，便激发了美的感受。
笔者在音乐与其表现对象的思考中用了“符合”、“参照”、“依据”、“顺应”、“激发”等词汇，尽管这是一个非常自然的陈述，但这些词汇的背后引发了笔者的思考，即音乐是如何同对象联系在一起的？对这个问题的另一个阐释即音乐的表现是何以可能的？问题的产生使笔者意识到这是一个揭示音乐艺术规律的基础性问题。
历史上，音乐美学的研究已经早已达成这样一个共识，即音乐作为一个听觉的审美感性样式，本质上是一个丰富与有序且有机的审美形式，这种形式以运动为特征作用于听觉，并且一方面依据生-心理机制原则创造；一方面“体现着人类的感情、思想以及各种社会现实和自然现象”①。从音乐艺术的表现性审美本质来看，以表现人自身和通过表现世界为其内容的审美艺术。音乐艺术是表现性的，表现性艺术的基本特征是借一种艺术方式表现外在对象，音乐表现世界的本质是借音乐来表现对象物，借音乐审美世界，即音乐可以进行简单的形式模仿、表现某种单纯的情绪；可以暗示转换社会势力的矛盾冲突、人的思想运动以及客观事物内部的复杂关系；音乐可以将整个客观世界纳入其听觉的呈现过程中。
重新返观音乐，乐音构成为音乐要借助于时间展开，并且由有组织的乐音构成。那么乐音运动的逻辑是什么？它何以可能构成有意味的形式？有没有一种理论可以对音乐艺术的存在进行合理的解释。借助20世纪初德国心理学家韦特墨等开创的“格式塔”心理学，不同性质的力的模式的异质同构以及哲学对客观世界性质的基本定义：世界是物质的，一切物质都是运动的，而力运动特性的事物（一切对象）同音乐对其的表现来说明二者“力”的模式来对音乐相关理论的改造。
二、音乐与其表现对象的“力”的模式
“格式塔”心理学认为外部事物的存在形式、人的视知觉组织活动和人情感以及视觉艺术形式之间，有一种对应关系，一旦这几种不同领域的“力”的作用模式达到结构上的一致，就有可能激起审美经验。
既然音乐作为审美艺术的存在，其构成与依据能可然发生，那么通过考察这二者之间的规律我们获知：乐音运动的组织方式及其依据有两种，一种依据“生-心理的运动”；一种依据世界事物的运动。我们借“异质同构”就可以表述为下面的图示（图1）：音乐外部事物的存在形式即生-心理运动（1）和世界（2），它可以和我们的视听知觉发生关系，方式是彼此“力”的模式达到结构上的一致。也就是说音乐通过“同构”创造出了对象的特征，这种特征表现为听觉的审美对象。
“同构性”的创造可以将本质上不同的两件事物获得如概念和其所指的符号般的一致性。同构性的创造，作用于我们的心理就会有对该事物完型的心理倾向。人们借助完型心理获得音乐表现对象的内容与认知外在事物。通过音乐的方式给予表现，外在的美就从视觉甚至理性活动中转变成为了听觉和感性形象的活动，即由一种感官的对象转换入另一个感官的对象之中。这种转换，通过同构的创造，通过完型的心理倾向，最终成为一个“可能的”、“实在的”审美对象。
音乐形式和生-心理的对应按格式塔理论的考察，按本质上是一种“力”的模式的对应，这种“力”的模式具体反映在对象与音乐的形式中，也就是说，音乐的心理机制的“力”的模式与音乐运动的“力”的模式的相互一致。
在以世界为表现对象的音乐艺术创造中，音乐按对象的“力”来安排自身形式的“力”。这两种运动都有着“力”的模式，二者达到一致时，心理便完型为同一事物，便激起美感。结合音乐的基本特点，我们是不是能将音乐艺术创造的定义改造为：音乐通过运动来模仿对象的“力”的模式的艺术。如果承认此定义，那么音乐艺术的审美便体现出了更加深刻的效用，提供更为广泛的审美空间。
然而，力的模式有着抽象的复杂的逻辑结构，理性是无从深入于其中的，但我们可以通过审美在我们的感性中获得。因此对于创作者来说，这种对应关系的把握只能借助感性，外在客观事物具有抽象的“力”的模式或“力”的运动，理性对于“力”的表达是无助的。音乐的创作就是概括和抽象这种力的模式，以乐音运动的形式给予传达。
通过对音乐依据外在对象而规定自身的运动，以及音乐形式和知觉活动的“同构”关系，笔者认为，音乐与对象的联系是同对象“力”的模式的同构的联系；音乐的创造是对对象“力”的“同型”“同构”的创造；音乐创作的能力，本质上也是进行对对象“力”的模式的同构性创造的思维能力；而音乐的审美，本质上是对这种抽象的“力”的自由想象。
三、“格式塔”理论运用于音乐审美的阐释
格式塔理论将相互联系的事物定义为具有某种内在一致的“力的模式”或“力场”，并且二者存在一个一一对应的关系。那么在音乐艺术的创作过程就可以表述为创作者（创作出的音乐）和创作对象（世界）的力场，即“心理场”和“物理场”的同构过程，虽然二者本质不同，但通过“同构”思维便联系在一起。
人类意识拥有同构的创造能力，这种能力是一种非常趣味以及提供广泛想象空间的创造性能力。“同构”性创造具有获得审美的一切条件，甚至提供对美的高峰体验，因为同构性本质上是艺术家提供的感性特征与世界的对应，需要抽象性思维的介入，而艺术的审美价值就在于其抽象给予的审美效用，美就在抽象的基本的逻辑结构当中，抽象提供我们在似与非似的无尽想象空间中自由驰骋，进而获得性灵上无拘无束的自由。“同构性”的创造从哲学上就是将人的形象思维放置到一个无限制的时空与空间之中，人在艺术的一刻获得了精神上及自由上的极大满足。
世界有着无比丰富的表象，自然之道默默运行于其中。东方古老哲学命题认为造化孕育于无形之中，无形孕育有行之物，万物在聚合与稀散中震颤而衍生。西方哲学也将世界描述为一个超自然之物，即世界是理式（柏拉图）、理念（黑格尔）、意志（叔本华）的等等。而人企图在其中确定自己的位置，因为比起整个世界与整个自然，人类是渺小与孤独的，因而人类向往自然的力量，不断地企图和其沟通，在沟通中获得满足。中西的文明使得人类在面对大自然时具有了理性的静观和思辨，在思辨中寻找真理的终极之光，人类热爱着并将情怀诉诸于其中。
在音乐作品中，不乏有对大自然风景的描绘，通过音乐表现自然风景，如山川河流、月夜星辰、四季美景、五光十色等等。这些视觉内容借音乐给予表现，然而表现的内容或对象的本质通过音乐的加工便已不再有自然成因或与现实的同一性特征，但作为审美，音乐可以保留下对象基本的审美性特征如材质、形态、形式构成甚至成因和类似“理式”、“理念”或“意志”的理性思辨内涵。在哲学中这是最高的内涵，是万物的致动因，是对世界超自然的界定，对于音乐来说最高的审美的内容正是在于其感性显现出的理性内容。因而音乐的表现存在着一个外在的尺度，即对象自身。通过听觉给予我们不一样的体会和美的感受。
音乐可以为我们在听觉中呈现整个世界，对象整个世界，世界是音乐表现的内容。通过格式塔完型心理可以重新审视世界本身对于音乐审美的意义。
因此，让我们多把问题的焦点放在外在世界的客观存在上面。即（事实上这种对象即可以是我们自身同时也可以是）运动的一切事物，或者说只要是音乐易于将其表现的事物。但笔者以为，不是音乐不易于表现，而是我们的理解无法实现对对象的表达。
由“格式塔完型”理论的运用，而引发的一个问题是：理解的阈限问题。
理解的阈限是有关主体对客体世界在音乐中创作的可能性问题。原则上音乐可以表达一切格式塔“力”的模式，只是人类的审美丰富性还未进化到如此能力，或者对“力”的一些模式的直觉，还未到能把握的程度。音乐的形式就是这样一种对完全外在于它的本质而进行的“异质同构”。因此我们对音乐的美是否就能够定义为：音乐的美来自于外在世界的客观存在，通过格式塔“力”的模式来表现。
完型心理也是一种心理力量的释放。“同构”也即“完型”心理，笔者认为完型是一种力，或者说一种力量化的心理，一种出于人自身和对构成事物方方面面在意念间的推动力。而这种推动力笔者将其认为是一种对以往经验的模仿或期待。符合了模仿之物或满足了期待的心理，便激发了心理美感。笔者认为完形心理解释的是期待发生的本质。
完型发生在对已有经验之物的认识之中。一首曲调无论它如何的改变音色、音高甚至节奏、调性，我们都能识别它就是原本的那一首，之所以能无碍于原曲调的识别，心理学将其解释为一种完型心理的过程。我们没有将该曲调认为是另一首，却按着类似某种逻辑，制约了心理运动直达经验中的曲调，这就是完型的心理过程。这种逻辑制约了的运动，就是一种期待性的力量，顺应这种期待性的力量，就会疏导心理力量（从而将紧张劳作之后的精神疲劳慢慢舒缓），打破这种逻辑的制约就造成力的反向运动，表现出一种抑制的心理，一种不愉快的心里反映。
完型有着受逻辑制约的力的运动，有意识感受这种逻辑制约的力的运动将会使宣泄与疏导的力量将会使音乐的舒缓减压作用更加明显。
音乐为一切纳入其表现对象的事物完型，我们对音乐的欣赏，心理便会发生力的运动，美感就来自于对某种逻辑制约了的力的运动过程当中，这种逻辑的制约有着原发性②的制约和经验性的制约，原发性体现在我们的生-心理的运动之中；经验性体现在我们以往的感官对象并成为我们意识的一部分之中。音乐的运动符合这些期待就会产生一种力的运动模式，这种运动模式可以正确的表达期待的内容，因此它便在运动的过程中舒缓内心的力量，释放对以往经验的甚至已是潜层意识的积郁的心理力量。
完型是一种对原发性和经验性生-心理期待机制的力的疏导，在所有艺术门类中，音乐具有更加复杂的抽象性。抽象有着包罗万象的能力，更具能够将万物所涵射的条例给予综合。那么借助音乐艺术的抽象性本质，音乐是否可以辐射到意识的深层从而给予宣导，还需要更多的理论依据及其思考。
结 语
用格式塔理论中“力”的模式来解释音乐构成的对象特征，并以此说明音乐也具有相应的“力”的模式，二者能互映照，彼此沟通正是因为力的模式的相一致，即“同构”通过格式塔理论给予音乐作为表现性艺术的合理说明。另外，借同构理论及其完型心理来解释音乐舒缓减压之功效，说明乐音的运动本质上是按照生- 心理机制的原发性期待和经验性期待来组织——以音乐的方式将心理内容给予完型，给予疏导，从而激发美的感受。
注释：
①参见张前、王次炤著《音乐美学基础》，北京：人民音乐出版社出版，2004年，P80。为论述方便本文暂将该条下称“以世界为表现的对象”。
②“原发性期待”与“经验性期待”请参考周海宏著《音乐与其表象的世界》（中央音乐学院出版社，2006年)。
［参 考 文 献］
［1］单金龙.论音乐美的客观标准［J］.黄钟，2011(2).
［其他参考文献 ］
［1］彭聃龄.普通心理学［M］.北京：北京师范大学出版社，2008年.
［2］于润洋.20世纪西方音乐哲学导论［M］.长沙：湖南文艺出版社，2000年.
［3］周海宏.音乐与其表现的世界［M］.出版社：北京：中央音乐学院出版社，2006年.
［4］韩锺恩.音乐意义的形而上显现并及意向存在的可能性研究［D］.中央音乐学院，2003年.
责任编辑、校对：田可文
二胡音乐创作发展研究论文范文第5篇
如今, 越来越多的人开始学习二胡乐器。在二胡演奏的学习过程中, 有一个非常重要的问题值得我们去思考:音乐表现与演奏技巧之间存在着怎样的统一性?如何在二胡演奏中展现二胡乐器独特的音乐表现力。如果有扎实的演奏技巧, 而缺乏音乐感受力, 那么二胡演奏就容易成为没有生命力的机械活动, 如果强烈的音乐表现力, 而没有扎实的演奏技巧, 那么二胡演奏也会节奏错乱, 音节散乱, 缺乏紧凑感和完整性。因此, 我们要兼顾两方面的问题, 努力做到二胡演奏的音乐表现与演奏技巧的有机统一。
二、二胡演奏的音乐表现
1、音乐表现的内在性
二胡乐器具有丰富的表现力。然而, 从音乐表现力的形式来分析, 主要包括内在性的音乐表现和扩张性的音乐表现。著名的音乐家冼星海说:“音乐表现的内在性主要体现在音乐情感的内收, 声音悠扬, 情感含蓄, 意蕴悠长。中国人从来都是喜欢含蓄蕴藉, 意蕴绵长的艺术。”任何音乐演奏都具有不同的特点。音乐的演奏并不是重复模仿的过程, 而是具有艺术个性和音乐表现特色的活动。
二胡演奏音乐表现的内在性就是体现在这种乐器具有隽永的韵味, 音色悠扬, 具有婉转性的音乐表现力。二胡是我国古老的民族乐器, 这种乐器非常符合中国传统的审美理念。通过二胡乐器演奏, 音乐的故事也会变得非常有感染力。二胡乐器音乐表现的内在性就体现在二胡乐器能够将人引入到音乐的情境中, 使人仿佛身临其境。
2、音乐表现的扩张性
在二胡演奏中, 优化二胡演奏的表现与演奏技巧一直以来都是演奏家执着追求的事情。二胡音乐表现的扩张性非常强, 二胡音乐的特色就是通过声音的扩张触动听众的心弦。建立在完整的音乐环境的感染下, 二胡乐器与其他管弦乐器能够协奏, 然而, 二胡乐器有着独特音乐张力, 给人强烈音乐冲击力和吸引力。二胡演奏不仅能够表现丰富的情感, 还能够展现强烈的音乐感染力。二胡音乐表现的扩张性还体现在对演奏者的音乐感受的冲击。二胡演奏的音乐特性就是以二胡演奏者的情感为中心, 以演奏者的音乐感受力为基础, 通过具有创造性的二胡演奏将这种情感转达给听众, 使一种内在的音乐情感和审美体验扩张到音乐环境中的每一人身上。当二胡演奏音乐触动听众的心弦时, 那么二胡演奏音乐表现的扩张性就达到了最高的境界。
三、二胡演奏的音乐表现与演奏技巧的统一性问题
1、具备扎实的二胡演奏基础技能
乐器演奏的基本功一定要扎实, 如果没有扎实的演奏基础技能, 那么音乐的表现力也就难以实现。当我们沉浸在关注二胡演奏的音乐情感中, 必然是被琴弦上的声音所触动。在二胡演奏活动中, 更要认识到二胡演奏的综合性特征, 还要掌握扎实的音乐演奏基础技能, 这样才能够实现音乐表现与音乐技巧的有机统一。例如, 在学习二胡演奏时, 要学会快速跳把、跳弓、揉弦、滑揉等演奏技巧。二胡演奏者要具备扎实的基本功, 对二胡演奏音乐表现要有准确的掌握, 这样才能够在演奏中展现独特的艺术特点。
2、加强音乐鉴赏, 培养完善的音乐感知能力
音乐是有感情的艺术。二胡演奏者要具备音乐创造和音乐感受力, 才能够在二胡演奏中弹奏出扣人心弦的乐章, 才能够具有丰富的二胡表现力。因此, 二胡演奏者加强音乐鉴赏, 培养完善的音乐感知能力, 树立全新的艺术理念、艺术观念, 探索具有创造性和表现力的演奏方法。二胡音乐承载着多样化的音乐情感, 只有具有灵敏的音乐感受力的人, 才能够体会到二胡乐器的深刻情感。通过音乐鉴赏, 感受现音乐的协调性, 从而实现音乐表现与演奏技巧的统一。
例如, 在进行二胡音乐鉴赏时, 我们要分析演奏者是怎样表现出这样的音乐情感, 是运用什么技巧展示这样的音乐故事。如阿炳的二胡演奏乐曲《二泉映月》, 其声音凄婉动人, 曲调悠扬哀婉。在鉴赏这首曲子时, 我们主要从演奏技巧和音乐情感方面进行体会和分析。通过反复鉴赏和多次分析, 能够增强二胡演奏者的音乐感受力, 提升二胡音乐的完整性。
四、小结
综上所述, 二胡演奏并非一个简单的过程, 而是一个具有艺术创造性的活动。艺术的表现力与表现方法之间存在非常紧密的联系。二胡演奏的音乐特性就是以二胡演奏技巧的发展为核心, 以演奏者的音乐感受力为基本导向, 关注二胡演奏的内在表现。在二胡演奏活动中, 尤其是完整的音乐环境内, 更要紧紧围绕二胡演奏的综合性特征, 探索具有创造性和表现力的演奏方法。在二胡演奏中, 不仅要有音乐创造理念, 还要具有音乐感受力和创造力。二胡演奏不仅要包含丰富的情感, 展现强烈的音乐感染力, 还要具有严谨的音乐演奏能力, 实现音乐表现与音乐技巧的有机统一。只有具有音乐创造和音乐表现能力的人, 才能够在二胡演奏中创造出更感人肺腑的音乐作品, 才能够具有扎实的二胡演奏基础技能。因此, 我们要探索二胡音乐的多元化的音乐表现力, 探索有效的二胡演奏技巧和方法。同时也要具有灵敏的音乐感受力, 利用现音乐的协调性, 实现音乐表现与演奏技巧的统一。
摘要：二胡是我国传统的民族乐器, 也是非常具有民族特色的乐器之一。近年来, 二胡演奏的影响力越来越大, 艺术工作者对二胡演奏音乐表现与演奏技巧的讨论也越来越热烈, 优化二胡演奏的表现与演奏技巧也成为音乐界的重要的话题。二胡音乐的艺术特色是建立在完整的艺术理念的指导下, 以全新的艺术表现方法为支撑, 实现二胡演奏音乐表现与演奏技巧的统一。随着社会不断发展, 人们的精神生活也越来越丰富, 人们的音乐鉴赏能力也越来越高。二胡作为传统的民族音乐, 在新的历史时期又换发出新的生命力。人们对学习二胡乐器的热情也越来越高。二胡乐器具有独特的韵味, 具有悠扬的音色, 具有绵长的音乐表现力。本文从二胡演奏的实践出发, 分析探讨二胡演奏音乐表现与演奏技巧统一的问题。
关键词：二胡演奏,音乐表现,演奏技巧,统一
参考文献
[1] 雷诗君.谈中国钢琴作品演奏中的美学因素——音乐内容的认知与演奏技巧的表现[J].大众文艺, 2016, (20) :165.
[2] 戴媛媛.技巧和音乐表现的平衡——浅析声乐艺术指导中的钢琴演奏技巧训练[J].艺术研究, 2016, (02) :54-55.
二胡音乐创作发展研究论文范文第6篇
摘要：伴随科技发展进步，电脑音乐技术应用于音乐学习与创作之中，标志着音乐艺术伟大进步，运用在教学中，提高了学生学习兴趣，对教学质量提升具有很大帮助。本文探讨了电脑音乐在高校教学中的应用以及对教学的影响，以促进我国音乐教学事业发展。
关键词：电脑音乐 教学 应用 影响
一、电脑音乐技术在音乐教学中的重要作用
随着电脑音乐技术的快速发展的快速发展，所以电脑音乐在教学中也应用得越来越普遍，。在传统音乐教学中，传统的教学方法以及教学模式导致教学的效率低下。在音乐教学改革中，传统音乐已经不能够满足现代音乐教学的发展，对音乐教学的发展起着阻碍的作用。传统的教学法，以乐器以及黑板板书的方式进行教学，对学生的创造力以及联想能力产生不了刺激，导致学生的印象并不深刻。
根据人类的认知可以知道，人类经过感觉动作、前运算、具体运算以及形成运算进行认知活动，在音乐的教学活动当中，这四个阶段与学生的音乐学习阶段相互吻合。在感知动作阶段，利用音质以及音效使学生得到对音乐的感知，从而刺激学生的联想，留下丰富的想象。利用电脑阴雨而技术，可以很容易的达到视觉与听觉的协调，从而促进音乐教学。在电脑音乐教学活动中，使得他们边听音乐边看到相应乐谱，通过视听感知，真正了解音乐的美感，从而享受到音乐的乐趣。因此，在音乐课程中引入电脑音乐技术十分必要，不仅起到提升学习兴趣作用，还是必不可少的教学工具。
二、电脑音乐在音乐教学中的应用
1.和声课中的应用
高校的传统音乐教学方式以方式都是粉笔、黑板、钢琴跟音响唱片。和声教学所面临的困难，则为如何有效解决理论与实践严重脱节、学生视听感官难以沟通。最为有效的手段和途径之一，就是运用电脑音乐技术实施教学。例如：课堂讲授时，可以使用Encore乐谱显示功能；进行习作示范指导时，使用MW3乐谱编辑功能，同时培养了学生在和声方面的听觉、思维、审美趣味能力；利用tonica学习多种类型的和声风格，并帮助进行和声改题；通过Encore、MW3的实时录音功能，实施键盘和声弹奏指导；讲解和声序进种不同排列方式可以运用多媒体手段
2.乐器课中的应用
传统乐器课堂上，教师局限于介绍知识理论层面，殊不知乐器知识是不可或缺的基本常识。因为教学条件限制，这类知识的传授被限制在书本中。我们知道，单单依靠理解、想象进行配器，是无法真正创作出好作品，不能取得理想效果。而电脑音乐技术，不仅使学生听到各种乐器的实际配器效果，还生动、形象、直观地看到有关该乐器的彩色图文资料，如发展历史、外形结构、演奏方式等等。老师可以轻松地使用Cakewalk音乐软件操纵相关步骤，直观讲解，获得以往传统教育模式无法企及的最佳教学效果。
3.电脑音乐技术在曲式课中的应用
音乐教育专业技术理论内，曲式课程是必修课之一。在传统的课堂上，谱例一边看一边书写是较为常用的方式，但是在这种教学方法中，学生只能够萍姐记忆以及感知却学习局部的印象效果，得不到整体提高。这种模式不仅费时费力，更不能有效提高教学效率。引入电脑技术后，老师通过音乐软件的帮助，通过重要课件向学生展示谱例中任何一处需要讲解的地方，并且采取静音方式，让学生听到任一乐器的独奏，从而淋漓尽致地分析所有谱例。
4.电脑音乐技术在视唱课中的应用
作为视唱练耳老师，将电脑音乐制作扩展到教学上是必备的现代教学手段之一。起到有效地提高传统听觉训练方式的效果，克服传统听觉材料缺乏与风格单一问题，增近学生与作品的距离。采用这项技术，利用Sonar8等软件，我们可以自己按照教学需要，随意编写不同难度、速度、长度的节奏或旋律，比老师弹奏或播放CD更准确方便，注重提高学生练耳水平，且不会花费过多时间精力，有效提升学习效率。
5.电脑音乐技术在复调课中的应用
复调课是音乐专业学生必修基础课程之一。复调课旨在培养学生写作、分析复调音乐以及提高学生敏锐听觉能力。其写作技巧纷繁复杂，传统教学存在诸多问题，因为双方只选择最基本的方法讲授、练习，比如注重理论传授而忽视实践练习，加上设施有限，对于复调学生缺乏足够感性理解。而运用该技术，老师通过电脑随时操控制作完成的谱例，还能转换音色，在电脑上用同一个谱例，创作出任何一种复调音响效果。
6.在课外音乐实践中的应用
这项系统服务于音乐课堂教学和课外音乐实践活动，如排练演出等等。音频编辑软件，能轻松完成舞蹈伴奏剪辑处理。像利用MIDI、音频编辑功能为演出制作、处理伴奏音乐，可达到过渡平滑自然的效果，而不会损失音质。结合计算机音乐系统，运用五线谱、简谱打谱软件的文字跟乐谱混排功能，印制包含乐谱试卷跟包含谱例的论文。
三、电脑音乐技术的应用对音乐教学的影响
通过电脑音乐的应用，使传统的音乐教学产生了新的发展。对于传统音乐教学而言，电脑音乐令教学更加有效，极富个性，提升学生的创造能力以及全面学习的能力，使学生的乐感等感觉得到全面的提升。我多的音乐教育已经发生了明显的变化，在音乐教学活动当中，学生不仅仅要学会听音乐，同时在学习的工程中您还需要学会创造、应用以及事件。电脑音乐技术的出现，给我国音乐教育产生巨大推动作用，使得它不断向前运转。
通过电脑音乐教学活动，能够让学生能够更明确的自我认识，对于自身的发展提升具有好处。同时，这项技术的使用，能够使学生的思想、、情感以及认知得到完善，从而改善学习，促进音乐思维方法的训练以及创造，使学生的思维更加现代化，眼光更加高远。
这项技术的发展，加快了我国现有音乐教育体系改革步伐，将我国现有教育体系同国际接轨。使用该技术，令和声伴奏、配器、曲式和视唱等环节都结合起来，同时控制节奏、音色、旋律等要素，让教学、创作更加方便，也让老师和潮乐音乐家之间产生灵感，提升老师自己专业水平，且使音乐教育得到进一步发展。它运用，还让学生从被动学习向主动探索转变，对他们创新、探索精神有很大促进作用，让他们能够尽情发挥天赋，促进音乐事业发展。
四、结语
在音乐教育内引入电脑音乐教育技术，不仅改变了传统教学方法，提供崭新的技术平台，还为音乐教育展现了无穷魅力，带来了一场前所未有的创新革命。随着电脑技术推陈出新、不断发展，我们音乐教育事业必将进入一个全新的前景。
参考文献：
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