中国美术鉴赏图文

中国美术鉴赏图文（精选6篇）

中国美术鉴赏图文 第1篇

浅谈美术之“美”

对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。如果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘画者的作品面世之后所引起的效应。当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。这里先从技巧说起。在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。

素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。

这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。既然是造就艺术品，首当其冲是绘画者的主观功能。可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。

办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。绘画者的悲凄、哀伤、郁闷、愤怒、欢乐以及心灵的飘洒逸然，都能够通过作品传达给参观者，从而引起共鸣，这是造型艺术的功能。有人这样描述：“如果把造型艺术作品比作一面镜子，那么镜子里的映象就是创作者的意识和情感的投入，欣赏者可以从艺术作品这面镜子里获得映象所传递的信息，即艺术家创作中的意识和情感信息，从而受到一定的艺术感染。也就是艺术形象信息在审美主体意识和情感上的感应作用，使艺术家和欣赏者之间达到心理沟通。

作为绘画者，当是造型者，根本责任在于在自己的作品中注入独立的创新的意识和情感，才能够感动你的作品参观者；如若你的作品本身就清淡如水、轻薄如纸，要叫你的参观者喟叹不已、心神动荡是不可能的，正如民谚所说：打铁先得自身硬。为什么一幅好的艺术作品越看越爱看，越看越觉得美？为什么一首动听的乐曲会使我们激动万分、难以忘怀？是因为画家和音乐家把情感倾注于作品之中，通过自己的思想情感以心造境、以手运心，借景抒情，达到情景交融的美好境界，这才使欣赏者引起共鸣，这才使欣赏视感为之一新，心灵为之一震。作品的意趣、情感和力量所激发的美感效应，是蕴含着丰厚的精神潜流的感性生命体，这生命体的灵魂便是创作者思想情感的陶冶和对生活及客观事物的深刻认识、理解。

这就是说，你的作品，你的展览，欣赏者惨淡，怨不得参观者，也怨不得作品展示的组织者，只能怨你作者本人，责无旁贷。对于绘画者，对于艺术品的作者，尽管你有娴熟的技巧，尽管你为取得娴熟技巧经过长时间的不辞劳苦的努力，尽管你在向学生或者别人讲述技巧的时候可以滔滔不绝于口，然而你的作品却不能为世人瞩目，不能为评论家褒赏，那些技巧只是过眼烟云，你的作品生命短暂。中国现代文学翻译家傅雷说：“凡是一天到晚闹技巧的就是艺术工匠而不是艺术家。一个人跳不出这一关，一辈子也休想梦见艺术。艺术是目标，技巧是手段。”对于绘画，你的技巧纯熟，把物体描绘得逼真再逼真，那叫匠气冲天。

一幅作品，要讲究艺术，讲究适当，讲究鲜明，更讲究创造。绘画者即令是进行面对实物的写生基本训练，也要经过深入的观察，通过分析、研究去发现新的感受，从微妙的无穷无尽的变化中去吸取创作源泉。要使自己在整个创作过程中（有心人应把写生认作是一种创作），都处于饱和的炽热的冲动之中。对于面前的实物或人物，可以选取戏剧性的动作，可以夸张表情，可以在平淡中表现出潜在的激情，也可以截取平淡中的平淡，那是对激情岁月的反衬。创造新美，是绘画者眼中的真实和内在情感形象的体现。美术美术，美是目标，术是技法，技法为目标服务。美术之美，不仅是绘画者的功力，更是绘画者的心力。对于绘画，虽然可以先从解决造型入手，然后上升为表达思想感情，却不可以停留在形似。形似，绝不是造型艺术的全部。形似只能是一种起步，而要在形似、明暗和色彩中注入绘画者的情感，跃动绘画者的情感，点燃绘画者的情感，这样才算真正走入了创作。

美术之美，是绘画艺术的最高标准，也是唯一标准，再好的绘画作品如果不能给人以美感也便会不屑一顾。然而，美的内涵却容不得理解得那么浅显。视觉上的花花绿绿反而不是真正的美，美的容貌不一定赋有美的灵魂，粗糙的贝壳却可能孕育着珍珠。美是发自内部的生命之光。美是一种心灵体操，它使我们的精神正直、心地纯洁、情感和信念端正。美让人变得高尚文雅，富有同情心，憎恶丑行。优美吸引人，壮美感动人，美是力量。美不仅是一种轻松、逸然、欣喜，更是一种感动、呼唤、号召、振奋；美可以启动人的心智和行为，向着光明进军。如此之说，一幅绘画作品的成功，虽然在于它的形似、线条、色彩、质感、空间感，更在于它引发观赏者、激励观赏者的深厚内涵。这样的观赏者从展览会上买上一幅作品，绝不仅仅是为了装点他的房间，而是获得了一份无价之宝。

作为一名美术教师，既要有技法的丰厚，又要有思维的丰厚，其实两个丰厚又是一个丰厚，是不能够分开的。丰厚的根本在于深沉，深沉才是真正的丰厚。用美学培育或者抚育成长的一代新人，将来不一定去当画家，然而他们的情操、他们的眼界、他们终生的身体力行都会达到一个新的水平。我对美术鉴赏的认识

美术，对我来说一直都是那么的遥不可及，直到上美术鉴赏课，我才知道，原来美术一直就在我们身边，伸手可触：汽车，服饰，装饰„„

跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。美术鉴赏即是对美术作品进行评价和欣赏，实际上是一种审美活动，它是鉴赏者运自己的感 知能力、情感、审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力、陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美情感的作品，二者相互作用而产生的一种心物感应、物我交融的复杂心理过程。

首先谈谈我对美术鉴赏课的感想。美术鉴赏课把我带都一个全新的世界，一个我从未涉足过的领域，带到艺术的殿堂，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这么表达，原来智慧真的是无极限。在美术鉴赏课上，我不禁学会课运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析与判断，并获得审美、享受，理解美术作品与美术现象的或动。在美术鉴赏活动中，我们欣赏、鉴别与评价美术作品，审美能力提高，并形成热爱民族文化、尊重世界多元化的情感和态度。其次谈谈我对美术中绘画的鉴赏绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对 自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于 20 世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的 激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共 同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物；而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我；我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。我对梵高喊道： “你必须面对自我，绝不能逃避。不管这有多么困难，需要多大勇气!”其实这句话不仅是对梵高说的，也是对我说的。虽然梵高已经成为过去，而我却可以改变。我要感谢的不仅是那扇窗，更要感谢窗外精彩世界为我带来的美好遐想。

美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展 中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。

中国美术鉴赏图文 第2篇

——评魏晋大家顾恺之

学号：09104086

学院：管理学院

姓名：宋齐佳

顾恺之（348— 409）字长康，小字虎头，汉族，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。

一．个人概述

东晋画家，绘画理论家，诗人。字长康，小字虎头。顾恺之（约345-406）东晋画家。顾恺之头像

[1]字长康，小字虎头，晋陵无锡（今江苏无锡）人。曾为醒温及殷仲堪参军，义熙（405-418）初任通直散骑常侍。刘裕北伐南燕，恺之为作《祭牙（旗）文》。多才艺，工诗赋、书法，尤精绘画，尝有才绝、画绝、痴绝之称。多作人物肖像及神仙、佛像、禽兽、山水等。画人注重点睛，自云传神写照，尽在阿堵（即这个，指眼珠）中。尝为裴楷画像，颊上添三毛，而益觉有神。在建康瓦棺寺绘《维摩诘像》壁画，光彩耀目，轰动一时。后人论述他作画，意存笔先，画尽意在；笔迹周密，紧劲连绵如春蚕吐丝。把他和师法他的地朝宋际探微并称顾陆，号为密体，以区别于南朝梁张僧繇、唐吴道子的疏体。著有《论画》、《魏晋胜流画赞》、《画云台山记》，其中迁想妙得、以形写神等论点，对中国画的发展，有很大影响。存世的《女史箴图》传是早期的摹本，内容绘写西晋张华所撰约束宫廷嫔妃的教诫。1900年八国联军侵入北京，被英军从清宫劫去，现藏英国伦敦不列颠博物馆。所传顾的另一作品《女史箴图》，乃宋人所作。

他曾被当时人称为“才绝、画绝、痴绝”。顾恺之的绘画在当时享有极高的声誉。谢安曾惊叹他的艺术是“苍生以来未之有也！”他封了一橱自己的作品存在桓玄处，竟被桓玄从橱后全部窃去，以致引起他的惊喜：“妙画通灵，变化而去，亦犹人之登仙。”他曾为南京瓦棺寺绘壁画募得巨款的故事，可见他的绘画之吸引力，修建瓦棺寺时他认捐了百万钱，就在庙里用一个月的时间闭户画了一幅维摩诘，画完之后，要点眸子，乃提出要求：第一天来看的人要施舍十万，第二天来看的人施舍五万，第三天的随意。据说开门的一刻，那维摩诘像竟“光照一寺”，施者填咽，俄而得百万钱。顾恺之的作品，据唐宋人的记载，除了一些政治上的名人肖像以外，也画有一些佛教的图像，这是当时流行的一部分题材。另外还有飞禽走兽，这种题材和汉代的绘画有联系。他也画了一些神仙的图像，因为那也是当时流行的信仰。而最值得注意的是他画了不少名士们的肖像。这就改变了汉代以宣扬礼教为主的风气，而反映了观察人物的新的方法和艺术表现的新的目的，即：离开礼教和政治而重视人物的言论丰采和才华。这表示绘画艺术视野的扩大；从而为人物画提出了新的要求——表现人的性格和精神特点。在顾恺之的著作言论中，我们见到他反复强调描写人的神情和精神状态。顾恺之和陆探微、张僧繇是南北朝时期三个最重要的画家，代表了汉代美术得到迅速发展和成熟的人物画艺术。

二.职业生涯

晋陵无锡(今属江苏省)人。曾任参军、散骑常侍等职。出身士族，多才艺，工诗词文赋，尤精绘画。擅肖像、历史人物、道释、禽兽、山水等题材。画人物主张传神，重视点睛，认为“传神写照，顾恺之相

正在阿堵(指眼睛)中”。注意描绘生理细节，表现人物神情，画裴楷像，颊上添三毫，顿觉神采焕发。善于利用环境描绘来表现人物的志趣风度。画谢鲲像于岩壑中，突出了人物的性格志趣。其画人物衣纹用高古游丝描，线条紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空，流水行地，自然流畅。顾恺之的作品无真迹传世。流传至今的《女史箴图》、《洛神赋图》、《列女仁智图》等均为唐宋摹本。顾恺之在绘画理论上也有突出成就，今存有《魏晋胜流画赞》、《论画》、《画云台山记》3篇画论。提出了传神论、以形守神、迁想妙得等观点，主张绘画要表现人物的精神状态和性格特征，重视对所绘对象的体验、观察，通过形象思维即迁想妙得，来把握对象的内在本质，在形似的基础上进而表现人物的情态神思，即以形写神。顾恺之的绘画及其理论上的成就，在中国美术史上占有极其重要的地位。顾恺之著有《启蒙记》3卷，另有文集20卷，均已佚。但仍有一些诗句流传下来，如“千岩竞秀，万壑争流，草木蒙茏，若云兴霞蔚”等，细致生动地描写了江南的秀丽景色，充满诗情画意。

三． 艺术特色

顾恺之的《论画》一文，象他另外两篇关于绘画艺术的文字一样，都因相传错脱，《洛神赋图》

不易通读，只能揣其大意。其中谈到前人所画的：小列女、周本记、伏羲神农、汉本记、孙武、醉客、穰苴、壮士、列士、三马、东王公、七佛、夏殷与大列女、北风诗、清游池、竹林七贤、嵇轻车诗、陈太丘二方、嵇兴、临深履薄等作品，都是评论这些画中人物形象和神情表现的优劣。而全篇最前段，特别谈到：“凡画，人最难，次山水，次狗马，台榭一定器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”这里他指出理解对象的深入的程度以人物画要求最高，对于山水画也很重要。东晋兴宁年间（公元三六三—三六五年）顾恺之在金陵（今南京）瓦棺寺所画的维摩诘像，有“清羸示病之容，凭几忘言之状”，画出了维摩诘的病容及病中与人对谈时的特殊神色。这一幅维摩诘像，虽没有流传下来，但受到称颂。同时，这一记载也说明中国流传的佛教图像，不是完全模仿外来的艺术。另外，顾恺之曾在画裴楷的肖像时，颊上加了三毫，据说他就是这样简单地借助于细节，加强肖像的神态。也有记载，他故意把谢鲲画在岩石中间，可见他曾企图用环境来烘托人物的性格。而且我们知道他在揣摩如何表现嵇康的诗句的时候，他体会到：画“手挥五弦”弹琴时的外形姿态，虽然是手的细小动作，也还是比较容易的；但是要画“目送飞鸿”，想凭目光的微妙表现传达出对于天边云际有所眷恋的、捉模不定的迷惘的心绪，则是比较难的。这些就都是顾恺之作为一个人物画家，企图细致地描绘微妙的心理变化时，真正认识到了自己工作的界限。

另外，他也曾明白地谈到“传神写照，正在阿堵中”，提出了描绘眼睛是人物画艺术中的最重要的技巧。以上都说明顾恺之代表了这一时期人物画艺术的新发展。顾恺之的作品真迹，今已无传。只有若干流传已久的摹本。其中最精美的是《女史箴图》（隋代摹本，现藏英国伦敦不列颠博物馆）和《洛神赋图》（宋代摹本，故宫博物院藏），都很能说明顾恺之时代的画风和艺术水平。《女史箴图》可以算作一篇文章的几段插图。《女史箴》一文是西晋张华所作，他撰写这篇文章的目的，据说是用以讽刺放荡而堕落的皇后贾氏。其内容是教育封建宫廷妇女们如何为人，如何自保的一些人生经验和道德箴条。顾恺之这一《女史箴图》画卷，描绘一系列的动人形象，从她们的身姿仪态中透露出了这些古代宫廷妇女的身份和丰采。画家的笔墨是“简澹”的。

古人称其勾勒轮廓和衣褶所用的线条“如春蚕吐丝”，也形容为“春云浮空，流水行地”。在《女史箴图》中保留了这些线条的联绵不断、悠缓自然、非常匀和的节奏感。《洛神赋图》，古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神（传说伏羲的女儿，在洛水溺死后为神）的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。《洛神赋图》在古代曾被很多画家画过，而且有很多宋代摹本，都被认为是顾恺之原作的摹本。故宫博物院所藏的两卷，人物形象基本上类似，只在构图上有景物繁简的不同。那一景物较简的，在风格上具有更多的六朝时代的特点。画卷的开始便是曹植和他的侍从在洛水之滨遥望，那寄寓着他的苦恋的、美丽的洛水女神，出现在平静的水上。画面上远水泛流，洛神含情脉脉，似来又去。洛神的身影传达出一种可望而不可及的无限惆怅的情意。这样的景象正是诗人多情的眼睛之所见。曹植在原来的诗篇中曾用“凌波微步，罗袜生尘”来形容洛神在水上的飘忽往来。这两句充满柔情密意和微妙的感受的诗句，成为长期传颂的名句，也有助于我们理解画中的诗意。这一富有文学性的《洛神赋图》，描写了人的感情活动，所以在古代绘画发展上有重要的地位。

《列女图》（故宫博物院藏，宋人摹本）从图卷的人物形象，动作，服装构图及风格上看，似是以魏晋之际的手笔为根据的。宋代版画插图本的《列女传》曾经清代阮元翻刻，其每页上端的插图人物动态都与此图卷相似，但增加了背景。也标为顾恺之图，这一插图与这一画卷相印证，至少可以看出，魏晋之际（或汉魏之间）的绘画艺术的一部分面貌，而助有于了解南北朝绘画的历史渊源。

顾恺之的著作：《魏晋胜流画赞》一向被标作为顾恺之的文章，此篇讲临摹的方法，以及选绢、着色、布局、画山、画人应该注意的事项，其中保存了一些作画的经验。他又一著作《画云台山记》，是一篇有历史价值的文章。但文字中有很多错乱，但大致可以看出是描述一幅分为三段的云台山图。云台山是道教的祖师张道陵修道成仙的名山。这幅图描绘天师张道陵以跳到深谷中取桃子来考察其弟子们，其中唯赵升、王长二人信心最坚。文章中又描述了画中的山石涧流的险峭之势，山峰上有孤松，山中穿插着凤鸟“婆娑体仪，羽秀而详轩尾翼”，白虎“匍石饮水”等。这篇文字有助于我们了解早期山水画的内容和风格。早期山水画是包含了神仙怪异的因素的。

南北朝的道教徒宗炳、王微的论述山水画的文章也保留了下来，可以看出也是从求仙访道的思想出发的。早期山水画的古拙的风格，我们从南北朝一些石刻以及敦煌壁画中都可以得到相似的，进一步的认识顾恺之之所作人物画，善于用淡墨晕染增强质感，运用“铁线描”勾勒出劲挺有力的细线，人物五官描写细致入微，动态处理自然大方。并以人物面部的复杂表情，来隐现其内心的丰富情感；衣服线条流畅而飘逸，优美生动，充满艺术魅力。晚年笔法如春蚕吐丝，似拙胜巧，傅以浓色，微加点缀，而神采飘然，饶有浪漫主义的色彩。南朝陆探微、唐代吴道子等皆临摹过他的画迹。现今传世的顾恺之作品摹本有歌颂曹植与甄氏爱情的《洛神赋图》，和劝诫妇女德行的《女史箴图》、《列女仁智图》。

论中国美术的鉴赏方法 第3篇

美术作品是一个无限的、在创造的过程。美术不仅是一个色彩斑斓的生活课题,也是一个博大精深的学术课题,它预示了一个民族文化的发展历程。在人类的物质生活和精神生活中都随处可以看到美术的影子。美术折射出人类意识形态的同时,还展示了科技的更新和换代。美术作品可以追溯到远古时代,人类的经济、文化、社会的变迁是通过图形流传至今,使现代人认识远古的社会,很多象形的文字也是通过美术的方式表现出来的。在校学生可以通过美术作品的展示来认识客观世界。

我国的美术作品有着悠久的历史、精湛的传统技艺和灿烂多彩的文化背景。学生可以通过大量的卷轴画、青铜器的纹饰、画像砖、画像石、敦煌壁画和民间的一些年画等,了解中国绘画的历史,同时认识民族的遗产,领略中国古代艺术美的氛围。

美术其实也是一种视觉感知的艺术,在欣赏美术作品的过程中,可以由表及里地欣赏美术作品,感受作品丰富的内涵,欣赏和谐的色彩搭配和唯美的艺术形象。这样不仅可以深入体会作者作品体现出来的人文情怀和思想感知,还让欣赏者在欣赏作品的过程中,达到一种视觉上和心理上的共鸣,唤醒对艺术的感知力和创造力。比如说北宋张择端的《清明上河图》,它所表现的就是宋代的经济、社会和自由贸易的情形,详细地展示了当地各个阶层的生活状况,对了解当时的政治、经济、社会和人文都起到了积极的作用。

2 美术教育的作用

2.1 有助于提高创新意识

美术鉴赏的意义在于,通过形、色和内容,达到一种赏心悦目和身心舒畅的作用,通过美术作品特有的结构和独特的表现、处理手法,揭示一种形象思维的特点,用一种敏锐和个性的眼光发现作品,发现一种独特的美。图像传递的就是信息,信息是头脑加工中的形象储存,会产生一种新的想法更有助于创新的意识。

2.2 有助于提高文化意识

为了更好地了解一个美术作品,就需要事先了解作品的历史背景和人文环境。这样不仅可以开阔眼界、提升发散思维能力、扩大知识储备,还可以了解历史文化、提高文化意识。

2.3 有助于培养人生观和价值观

一个美术作品一般都借用美术的形象,传递出社会的思想浪潮。美术作品的欣赏,培养了学生的道德品质,形成了一种良好的世界观和价值观。在观看美术作品的同时,可以了解真、善、美的意义,不断地发展和完善自我认知。

2.4 有助于提升审美的意识

美术作品的欣赏是通过普遍的艺术熏陶形成的,以一种感性的模式,加入了自己的领悟和感受所形成的。在心灵的洗礼之中,形成良好的审美和健康的价值观。这种潜移默化的审美熏陶,促进了人的和谐发展和综合素质的提高。

美术教育有益于提高学生的创造力,更好地培养学生的观察能力和审美的能力,提高学生的素质教育和综合能力,让学生受到了美的熏陶和一种精神上的满足。美术的鉴赏就是陶冶情操、净化思想,使身心得到美化,促进全面发展。

3 美术鉴赏的方法

3.1 与绘画技艺、工艺美术相结合

一味地欣赏美术作品,并不能很好地领悟一个优良的美术作品的内涵和精髓。适当的临摹作品,打破美术中纸上谈兵的规则,更有助于了解一个美术作品。比如,在鉴赏剪纸艺术和雕刻艺术时,可以让学生在欣赏和学习艺术作品后亲自临摹。这可以激发学生对探索美的追求,同时为今后的鉴赏学习做铺垫。

3.2 点、线、面相结合

“点”“线”“面”作为美术家去表达自我艺术美感的方式,往往与形、色、体、光等视觉上面的感知并存。视觉上运用了概括和提炼的方式,与抽象相联系,营造着自己的思想感知,在美术作品中占据了一个特殊的方式。对于这些能力的认知和培养,需要在大量的实践中去锻炼,这是美术作品鉴赏的一个重要环节。比如我国著名的绘画大师吴冠中的《山水》,主要由毛笔线勾勒出的,线条流畅、轻松自由,惟妙惟肖地体现轻重虚实的变化,具有鲜明的时代特色和抒情的意味;同时,富有感情的色彩。中国画的美学意义在于凸显出那种鲜明、生动和唯美,绘画出来的花、鸟、鱼、虫栩栩如生,活灵活现,朴质而唯美。

3.3 与当时的文化背景相结合

悲鸿有幅作品叫作《愚公移山》,这个小故事在徐悲鸿大师的笔下更具有时代的特色,画家用了不多的人物形象,造成了别开生面的一种群体效应,就是要呼吁全国人民团结起来,共同奋斗,打败日本帝国主义。通过这样的美术鉴赏,让我们会产生一种积极的爱国热情。由此可见,美术作品的思想境界产生了不可估量的作用。

美术鉴赏能全方位地提升人的素质和审美意识,有助于人文素质方面的养成。美术的鉴赏其实就是一种审美的需求,提高审美能力,更加细致地观察生活中的美。通过鉴赏大量的优秀作品,学生可以学习鉴赏方法、增加鉴赏兴趣,提高鉴赏水平和价值取向。

摘要：美术与人们的日常生活息息相关,美术作品的鉴赏不仅可以提高文化艺术的修养,而且对教育和培养人才产生有着积极的作用;同时还有开阔眼界、提高文化修养的作用。可见,美术的鉴赏更能促进了人的全面发展。

关键词：中国美术,鉴赏,方法,作用

参考文献

[1]卢辅圣.中国书画全书[M].上海:上海书画出版社,2009.

[2]陈高华.晋代画家史料[M].北京:文物出版社,1987.

中国美术鉴赏图文 第4篇

关键词：高中美术教育；美术鉴赏；传统文化运用

美术鉴赏课在高中课程安排中的比例不得重视，殊不知美术鉴赏教育环节是让学生了解到中国传统文化的有效途径，中国学生多对传统作品不大清楚，反而熟知西方现代艺术、后现代文化，对传统的中国美术文化与精神相知甚少。通过美术鉴赏教育能够让高中学生培养个人审美情趣，并能够通过写意书画、服饰图腾、工艺雕塑等方面了解到中国士大夫、文人们的激情思想，了解到我国儒家文化的千年精髓。

一、传统文化在美术鉴赏教学中实施的必要性

（一）利于人格塑造

高中学生具备较全面的价值观念，乐于接受事物，更加具备接受、理解、反馈、创造的能力。在该阶段对学生进行有效全面的鉴赏赏析教学，能够让学生有较强的理解意识。而传统文化在鉴赏赏析教学中的运用又能够利于学生了解中国文化，通过绘画、书法、陶器、民族图案等熟悉中国艺术背后的千年文化，通过鉴赏的方式培养学生的感知能力，健全学生的感受能力，从而利于潜移默化的形成学生个人的特质人格。

（二）培养图形意识

美术鉴赏教学的模式多以赏析图片为主，这样的鉴赏模式能够有效的培养学生的读图能力，使得学生具备对图案的敏感性。例如陶器上出现的人物场景图案，教师能够从人物的穿着、表情、动作几方面去引导学生处理各种元素，可以通过手中的权杖、服饰花纹给学生解释是否为祭祀画面、人物的权利分布是怎样，从而体现出文物当时所处于的人文环境等等。这样的具体分析能够培养学生对于细节的把控与对整体的联系，培养学生的具象图形意识。

（三）多元文化观的形成

鉴赏课程表面看似是引导学生赏析，实则是将文化内涵传授给学生，让学生自主消化理解再创造的过程。我们不难看出艺术史上的发展都伴随着意识形态，文人学者艺术家们进行自主理解的再创造再加工，结合时代背景，进行艺术的再次传播和兴起，如现代主义和后现代主义。而在中国的传统美学中，同样有着这样的深层规律，建立在模仿、戏仿等基础上的学说都在解释这一现象，这意味着美术鉴赏课程是让自主学生发掘规律，探寻历史的过程，并启发学生能够在了解历史，明确文化的基础上，能够有自主开创，形成自己对不同文化的保持态度。

（四）审美能力的提高

不由分说，鉴赏课程的基本要求就是培养学生的审美能力，最高要求是希望学生具备个人系统的美学体验，对于美的追求是美术教育一贯之本质。通过不同样态的美术形式让学生自主形成审美趣味和审美品位，例如对工艺品图案的独特理解、对民族服饰文化的感受、对写意山水画灵动的感知、对狂草书法的共鸣等。

二、传统文化在美术鉴赏课程中的具体应用

（一）多种艺术形式的交叉教学

多种艺术形式的交叉教学是指，教师能够将同一朝代的相关作品进行交叉教学和引导。例如围绕先秦文化赏析教学时，将春秋时期的文化大繁荣景象、战国时代的兵器及生产工具、文字、图案、诗歌一同纳入教学范畴，感受百家争鸣、战火纷争、多元并存，这样的交叉学习，利于学生从多种方面了解文化内涵。

（二）比较教学法

将东西方文化进行比较教学，从中让学生自主感受文化之差异，更直观的展现中国的传统文化内涵。例如西方的雕塑以人形为主，而中国的雕塑则以动物、龙腾等为主，即使是人形也都有些不同于真实的人类长相，通过对比教师可以发问学生为何西方人物雕塑多以动态美和爆发为展现，而中国人物雕塑多以静态安详面孔为主，这样的对比赏析和引导能够让学生直观了解到东西方从宗教、人文信仰上的不同，自然也就深刻了学生对中国传统艺术和呈现态势的理解。

（三）体验教学法

鉴赏课程的最大缺点在于艺术形式和学生有实质距离，学生只能鉴赏而不能够取得更进一步的共鸣和体验，所以在鉴赏课程中加入体验方式能够更好的利于学生理解和接受中国传统文化。例如对于绘画和书法的赏析，教师可以利用前半段上课时间给学生进行赏析分析，后半段课程可以安排学生以小组为单位进行书法绘画的模仿和创作，去感受每一笔的灵动与内涵；而涉及到陶器工艺品教学时，可以带实物进行展示，给学生用视频展示如何制陶，带给学生烧制出炉的陶器是什么样子，并展示上釉之后的成品效果；教学到民族服饰内容时，还能够让学生自主设计服装，有条件还能够在学期末制作出来作为成果展示，学生相互进行评分，这些体验式教学的目的都是为了让学生更好的体验和接触到传统文化的魅力，不仅用眼耳口鼻去感受，还真实的能够动手去创造。

（四）文化引导法

文化引导法的内涵实质是将赏析内容联系到时代的背景文化中去阐释艺术形式的由来、形成原因等，文化也是中国传统人民的智慧结晶，用文化去解释现象，利于学生学习和接受，知晓艺术样态的形成原因。

结束语：

高中美术鉴赏课能够有效的弥补学生对于传统文化的缺失，让学生对传统文化树立起自己的理解和创造，这也利于学生在青年阶段就培养起对于传统文化的认知和感受，从而能够更好地继承和发扬我国的优秀文化。

参考文献：

[1]刘瑛，黄意涵.中国传统文化艺术与高校美术鉴赏教学改革刍议[J].湖南包装，2015.

[2]李娜.在美术鉴赏课程中有机渗透中国传统文化[J].美术教育研究，2012.

[3]李沛东.传统美学在“美术鉴赏”课程中的诠释与应用[J].吉林省教育学院学报（上旬），2015.

中国美术鉴赏教案1（范文） 第5篇

第一课时：

导入：（课程简介）

本课程名称为《中国美术鉴赏》，鉴赏的对象——中国美术作品（提问），包括雕塑、绘画、书法和工艺，它们体现了中国文明发展的历史过程和独特的审美价值。美术鉴赏知识在古代散见于文学艺术家的文论和画论中，并没有系统的论述。随着我国近代学校的建立，美术史一类的课程在专业艺术院校设立。但在非专业院校，作为人文学科课程，美术史和美术作品鉴赏课程开设的极少。

本课程以中国历史发展为经，以艺术家和美术作品为纬，主要通过艺术家的生平、审美思想和具体作品艺术语言的分析，通过学习，使得我们既获得综合的历史文明的信息，又获得具体作品的审美方法，使看的真的眼球，具备看得美的功能。

鉴赏美术作品之前

一、创作经验和审美鉴赏的基础

在我们还设有接触艺术作品之前，首先感受到的是大自然，绿树、红花、蓝天、白云„„人与自然的关系是剪不断、理还乱。很少有人不被壮丽的山河和优美的风景所打动。面对着奔流不息的黄河，唐代诗人王之焕吟唱道:“黄河远上白云间，一片孤城万仞山，羌笛何须怨杨柳，春风不渡玉门关”。这首诗一是有明确的审美意象，雄阔中寓苍凉，豪迈中显哀婉；二是采用绝句的形式，简洁优美，民歌的旋律，高亢悠场。这是诗歌艺术的创造。站在黄河岸边，现代画家石鲁创作了中国画《黄河两岸度春秋》（插入图片），描绘了黄河纤夫艰难劳作的身影，歌颂了中华民族不屈不挠的英堆气概。

石鲁没有采用俄国画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》(图插入图片)，的写生油画语言，而是运用大写意的绘画手法，用充满激情的极富金石手法的皴法，皴出大面积山体，用一条线串起一排点状的纤夫，点线面的强烈对比，呈现出独待的形式美感。

也许你既不是诗人，也不是画家，心里没有明确的审美意象，也没有掌握一门表达艺术感受的语言，但是面对对黄河，你有一种无以名状的感动。感动之余，你觉得什么也没“表达”，转身离开是种遗憾，于是你想留个“纪念”，你低下头在河滩上寻找，你“发现”了一块可以作为“纪念”的黄河石（插入图片）。这块石头的形状可以象征黄河两岸的山，石头的纹理，可以象征黄河的水。于是你的黄河之行获得了极大的满足，你的黄河观感都浓缩在这块“黄河石”里。这块你选择的因而也或多或少包含了“创作”因素的石头，你没有想到它是艺术品，但你知道它有着明确的“纪念”意义的功能，其实这块“黄河石”就是用非美术目的和手法创作出来的一件艺术品。如果你有类似的“创作”经验，说明你已经有了创作和审美鉴赏的基础。

我们能为在节日里，远方寄来的一片红叶而感动，它虽然不是艺术品，但是”心"字和质地有审美价值，树叶本身是自然的缩影，它映照着冬雪夏花，寄寓着春欢秋悲。一片寓意深切的树叶也许比一打无病呻吟的“艺术品”更动人。在我们进行美术创作之前，应该首先知道“未成曲调先有情”。

二、美术创作和审美心理

眼下书刊、影视作品充斥科许多人体形象，鱼龙混杂。有些纯粹是追求感官刺浓的东西，一眼就可明了，没有丝毫的审美价值。我们只有通过艺术欣赏的学习，提高自己的审美品位，才能自觉地鄙视这类低级趣味的所谓“作品”。

创作和欣赏是纯粹的精神活动，需要实践者与物质生产活动拉开距离，当然工艺品的实用性当另作别论。艺术家在面对客体进行创作时，只会考虑客体的审美因素而不会顾及客体的物理属性。比如，我们画人体，肯定要研究人体结构，但是研究人体结构是为了绘画中的人体动态的准确和富有表现力，我们不是要在画布上复制一个活人。研究对象的结构，是为绘面的结构而服务，所以艺用解剖学和生物解剖学是不一样的。鲁迅当年在日本学医，面人体血管解剖图，用优美的曲线把一根血管不正确地面了出来，老师批评了他，告诉他科学和艺术是不一样的，事实上艺术人体确实不是科学人体，为了美感而使人体变形在很多艺术大师的作品里都有表现。写实和抽象变形的分寸感是艺术家根据自已的审美体验和表现内容的不同而终身把握的一个重要环节，如毕加索的 《梦》（插图）。

艺术家观察和描绘的对象是看其中所含的形式美的多少来取舍的，形式美取决于对象质感、量感、色彩构成点线面的节奏等等因素，所以艺术家经常在很不起眼或者在一般人看来并不美的对象上找到可供创作的素材。画家在黄土高原写生，老汉赶着羊走过来对他说，光秃秃的有啥好画的。画家却说：这气势，这线条，这色彩多美啊。老汉不解。因为老汉用平常的生活感觉来看眼前的事物，确实谈不上美，而面家用审美的眼光来看，他看到的是抽象的形式美。所以审美是要与对象保持着适当距离的，如石鲁的《黄土高原写生》（插图）。

画家画苹果并不是因为苹果的味道好，而是因为革果的色彩、形状加以适当的组合，是构成某种形式美的合适的描绘对象。把苹果画得跟真的一样，以致于骗得人们去摘，这只能说你的视觉“骗术”很高，但是这种“骗术”永远也不会超过照相机。所以艺术几面对描绘对象，既要“随物婉转”，又要“与心徘徊”，如马蒂斯的《桃色桌布上的苹果》（插图）。

自然我们在进行艺术欣赏时，也要采取这样的态度，既要沉浸在艺术品所造成的氛围里，以所学到的审美知识去探寻艺术手法和审美内涵，又要大胆地跳出艺术品之外，以自己的艺术修养来对艺术品作出创造性的解释和补充。正体俗话所说“趣味面前无争辩”，“有一读者，就有一个哈姆雷特”。因为越是优秀的作品，供人欣赏和解释的余地就越大。就像欣赏达·芬奇的《蒙娜丽莎》（插图）。

【资料： 12月17日，法国巴黎卢浮宫公布蒙娜丽莎的微笑包含了83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧和2%的愤怒。法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一场中风，她半个脸的肌肉是松弛的，只不过因为脸歪着所以才显得像是微笑。英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。” 】

朱耷的花鸟画，李商隐的《无题》诗一样，越是内涵丰富，艺术语言独特的作品，欣赏活动就越是意味浓厚，弥久越新，就越是创造性的审类实践。

第二课时：

中国的美术史绵延几千年，从人面含鱼的彩陶盆，古色斑斓的青铜器，琳琅满目的汉代工艺品，秀骨清相的北朝雕塑，到笔走龙蛇的晋唐书法，宋元山水画，它们展示的是可以使你直接感触到的这个文明古国的心灵历史，时代精神的火花在这里凝动、积淀，传流和感染着人们的思想、情感、观念、意绪，经常使人们一唱三叹，留恋不已。中国美术史，是一部美的历史，我们在这里所要匆匆忙忙迈步走过的，便是这样一个美的历程。那么，从哪里起头呢？得从遥远得记不清岁月时代开始。

第一章

石器时代的美术

美术又被称为造型艺术、空间艺术、视觉艺术。原始人类在劳动工具制作的过程中，从实用的角度，逐步萌发了造型意识，把握了一定的造型技能，由此产生和发展了自己的审美能力和美术的创造能力。

第一节

旧石器时代的美术

一、旧石器时代

又称打制石器时代，以北京人、丁村人的打制石器为例，寻找人类早期造型认识。

北京人，北京周口店，距今40-50万年前。资料一：北京人复原象

资料二：北京人使用的石器工具

丁村人，山西襄河丁村，距今20多万年前。资料三：丁村人石器

旧石器时代晚期，以山顶洞人为例，看人类早期美的意向。

山顶洞人，北京周口店山顶洞，距今2-1万年前。资料四：山顶洞人复原象 资料五：山顶洞人骨针和装饰品

二、新石器时代（约公元前6000-4600年）又称磨制石器时代，以裴李岗文化为例，看人类造型意识的进步、造型技能的提高。

裴李岗文化，河南新郑，约公元前5500-公元前4900年。资料六：裴李岗文化的石磨盘、石磨棒 资料七：江苏南京北阴阳营七孔石刀

第二节 新石器时代的美术陶塑与泥塑

1、陶塑：

人与猿的区别在于在劳动中创造了生产工具——石器。在以上所述的漫长过程中，人类的祖先从简单打制石器，到把石器磨光并分类使用，是从劳动实践中变化发展而来的。同时，精神文化层面的装饰品也随着思维能力和审美意识的提高而愈加美观。最早的雕塑萌芽，可以算作原始石器，有大量的精细石器具备了雕塑的性质。

中国原始雕塑的最初形态是陶制品，它与其实用价值密不可分，从工艺手段上讲，大致可以分为以下几种：

一是以动物外形为器皿，如仰韶文化遗址出土的陶质鹰鼎，高36厘米，以鹰身为鼎体、以二足为三个支点，器形饱满，为此类雕塑与器皿完美结合的代表作品之一。（插图）

二是装饰部分的雕塑，它们有的以配件的形式出现，如盖钮、把手等；有的以表面浮雕等形式出现。题材有动物、植物、人物等等。甘肃大地湾出土的陶瓶人头像，可谓中国早期人物雕塑的开端，作者巧妙地将陶瓶的口部塑成一个人头像，制作细腻，形象生动。（插图）

三是小型动物或人物捏塑，这种小雕塑都是古代工匠不假任何工具而信手捏制的，形体小巧，带有浓厚的人情味。浙江河姆渡文化遗址出土的陶塑猪可能是我国江南地区最古老的雕塑作品，距今有七千年了。尽管作品只有6.3厘米大，可它的形象却非常生动，可见雕塑者对生活观察之细腻。（插图）

2、石、玉雕刻：

（1）石雕：配图讲解

（2）玉雕：

①圆雕：又称立体雕，是艺术在雕件上的整体表现，观赏者可以从不同角度看到物体的各个侧面。它要求雕刻者从前、后、左、右、上、中、下全方位进行雕刻。（插图）②浮雕，是在平面上雕刻出凹凸起伏形象的一种雕塑，是一种介于圆雕和绘画之间的艺术表现形式。在平面上雕出凸起的形象的一种雕塑。依表面凸出的程度不同，分为高浮雕、浅浮雕等，也有二者相结合的形式。（插图）

③透雕：在浮雕作品中,保留凸出的物像部分,而将背景部分进行局部或全部镂空,称为透雕。透雕多以插屏的形式来表现。（插图）

中国美术鉴赏结课论文 第6篇

人之所以不同于其他生物，其很大一部分原因就是人能思考，思考能带给我们科技，而更重要的，思考也带给了我们艺术，艺术赋予了我们生活魅力，抒发了我们心中的情感，传递了我们心中的思想。而艺术有很多种，看到的图画，听到的音乐，读到的文字，等等，而眼看，实际上是了解万物最基本，最直接的方法。作为一名大学生，不得不说我对艺术的了解实在是太贫乏了，所以选课之初，趁着这个机会，选了这门中国美术鉴赏，希望我对艺术能有体会了解。

中国美术的确很特别，其表现主要在于线条，在于布局，在于意境，这恐怕是其他所偶国家所不能比的，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这也是我们中国古代绘画的精髓所在！

从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！例如，甘肃出土的魏晋墓室彩绘砖上，《出行图》《屠牛图》都具有一定的意义，都能表达出了墓室画家的一种精神志向。在《屠牛图》图中，牛眼和人的衣服都是红色的，这浓墨重彩的一笔把整幅图点染得意趣盎然、活泼生动。除此之外，这幅图更是表现出了民生疾苦。因为在古代是不允许随便杀牛的，而图中的人杀的恰恰又是一只瘦骨幼牛，可见当时生存环境的艰苦，充分表现出了笔者对当时社会的不满，表达一种心中的怨恨之情。而在《出行图》中，更是显而易见的，笔者讽刺了官僚主义，他呼吁劳动人民觉醒。

又如在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，吐蕃势力强势，唐太宗会见松赞干布的场景被阎立本用画笔记录了下来，在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺。

还如，在阎立本的《古帝王图》中，将晋武帝司马炎的性格特点表现得淋漓尽致，肥硕的身躯，凶险耿直的眼神，充满杀气的目光，张牙舞爪的造型，都让我们跟恶人的形象联系在一起。众所周知，在历史上，晋武帝司马炎是一个出名的伪君子，尤其是晚年的司马炎，颓废无比，不理朝政，沉于女色，使朝政紊乱，庸臣当道，种下“八王之乱”祸根。而阎立本的这一幅画，精妙绝伦地刻画出晋武帝司马炎的形象，起到了讽刺的效果。

其实，个人认为，我觉得中国美术是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。我国古代美术对当时人民、社会都有十分深得影响，夸张点说，美术可以改变一个人、一个国家的命运。不仅仅是对当时有影响，乃至对以后的一代代王朝，都有深远影响。对于画家们来说，他们之间也相互竞争、相互促进，不论是从艺术形式、表现手法，还是到所表达的内容，这种良性的竞争都推动了我国古代美术的发展，为以后甚至当今的美术奠定了基础。因此，对我们来说，我国古代美术是一笔宝贵的财富，我们不仅要保护下来，更要传承下去，我觉得这是作为一个中华儿女、一个华夏之子最需要做的！